Джорджоне

Если мастера Центральной Италии достигали гармонии с помощью композиции и рисунка, то венецианские художники вслед за Джованни Беллини стремились к цветосветовой гармонии. Новое слово в этом направлении было сказано Джорджоне – родоначальника Высокого Ренессанса в Венеции. Он родился в городке Кастельфранко, что неподалеку от Венеции в 1477/78 г., его полное имя - Джорджо Барбарелли да Кастельфранко.

О жизни этого мастера почти не сохранилось сведений. Предполагают, что он учился у Джованни Беллини. В отличие от других художников родного города Джорджоне моделировал форму не только с помощью цвета, но и широко пользовался мягкой светотенью. Этот прием он воспринял от Леонардо да Винчи, встреча с которым произошла в Венеции в начале 1500 г.

Как и многие художники высокого Возрождения Джорджоне обладал многими дарованиями – он прекрасно пел, играл на лютне. Творческое наследие этого мастера составляют произведения монументальной и станковой живописи. Их немного, но каждое из них достойно особого внимания.

Одним из ранних произведений Джорджоне является алтарный образ «Мадонна Кастельфранко» (ок.1505). Эта двухметровая картина, созданная для небольшой капеллы г. Кастельфранко, имеет традиционную для художников XV в. композицию: в центре изображена дева Мария, а по обеим сторонам от нее – фигуры святых.

Мадонна, у которой на руках спящий младенец, восседает на очень высоком троне, спинку которого, согласно традициям венецианских художников, покрывает полоса узорчатой ткани. Богоматерь задумчиво смотрит вниз, не замечая святых, один из которых одет в рыцарские доспехи, а второй - в одеянии францисканского монаха. Внешне разобщенные фигуры объединяет настроение самосозерцания и светлой грусти. Это настроение эмоционально усиливает лучезарный, пронизанный тишиной пейзаж, открывающийся за каменным парапетом террасы.

1505г. является своеобразной точкой отсчета творческой зрелости Джорджоне. За короткий период художник создает такие шедевры, как «Юдифь», «Гроза», «Спящая Венера», «Сельский концерт», «Три философа» и др., являющиеся станковыми произведениями и выполненные в технике масляной живописи, что давало художнику новые для того времени возможности.

В картине «Юдифь» (1500-1502) мы видим героиню, величаво стоящую с мечом в руке на каменной террасе в состоянии глубокой задумчивости. Глаза Юдифи опущены, однако взгляд ее устремлен внутрь себя, а не на голову поверженного Олоферна. Главным в произведении является не подвиг героини, а психологическое начало, единение человека и природы – автор изобразил молодую женщину на фоне тихого прекрасного пейзажа. Необычайный колорит картины, сочетающий золотистые, оливково-изумрудные, серебристо-голубые, различные оттенки красного и коричневые тона, составляет неотъемлемую часть художественной значимости произведения.

Одним из самых загадочных творений Джорджоне является картина «Гроза» (1506). Предполагают, что сюжетом для этой работы послужило произведение античной или ренессансной литературы. Слева на переднем плане стоит юноша, опирающийся на копье. Справа изображена обнаженная женщина с младенцем. Центральной частью композиции является пейзаж, который впервые перестает быть фоном для действующих лиц и является своеобразным действующим лицом, самостоятельной темой. В отличие от своих предшественников и современников Джорджоне мыслил природу и все ее создания, в том числе и человека, как неразрывное целое. Такое понимание окружающего мира было таким же важным завоеванием нового искусства, как и открытие законов перспективы, потому что «живопись перестала быть простой суммой рисунка и цвета» (Э. Гомбрих). В ней обнаружились новые возможности и закономерности.

Идею о совершенном человеке, живущем в гармонии с окружающим миром, Джорджоне воплотил в образе Венеры – античной богини любви и красоты. В картине «Спящая Венера» (1507-1508) художник изобразил обнаженную богиню в состоянии сна. Это не небесное создание, а воплощение земной красоты, полной очарования. Фигура Венеры поражает совершенностью форм, плавностью и чистотой линий.

Богиня спит на темно-красном с белой атласной подкладкой покрывале посреди холмистого луга. Ее сон спокоен и безмятежен. Такое же умиротворение царит в тишине уходящего дня. Состояние физического и духовного отдыха, по мнению гуманистов XVI столетия, способствовало возвышенному единению с божественным началом.

Композиция, созданная Джорджоне, стала классической. Ее мотив в той или иной степени звучит в произведениях Тициана, Веласкеса, Гойи и Эдуарда Мане. Джорджоне не успел закончить работу, правую часть пейзажа была дописана Тицианом.

Светское, гуманистическое начало, желание воспеть красоту человека и окружающего мира присутствуют в картине «Сельский концерт», выдержанной в мягкой, приглушенной гамме. Джорджоне не успел закончить это произведение. Во время эпидемии чумы, посетившей Венецию в 1510 г., он заразился и умер в возрасте 33 лет. Однако его художественные открытия не канули в Лету, а получили развитие в творчестве его последователей и, прежде всего, Тициана. Влияние Джорджоне на развитие венецианской школы живописи сопоставимо с влиянием Леонардо на искусство школ Средней Италии.

Тициан Вечеллио

Тициан Вечеллио (1480-е–1576) – венецианский художник периода Высокого Возрождения, величайший мастер колорита. Он прожил долгий путь в искусстве – творческий путь мастера охватывает три четверти столетия, а сам он, как гласит легенда, закончил свое земное существование, когда ему было 99 лет.

Тициан родился в местечке Кадоре, что в Южных Альпах, в семье рядового военного, точный год его рождения неизвестен. Еще, будучи мальчиком, Тициан вместе со своим братом Франческо переехал в Венецию, где начал заниматься живописью. Становление юного художника проходило в мастерской Джованни Беллини. Здесь и произошла встреча с Джорджоне, который, как уже состоявшийся живописец, оказал значительное влияние на дарование Тициана.

После преждевременной смерти Джорджоне Тициан закончил некоторые из его работ. Кроме того, ранние произведения Тициана настолько близки к работам старшего товарища, что этот период творчества Тициана даже называют джорджоневским. В произведениях этого периода присутствует тот же повышенный интерес к пейзажу, поэтическая созерцательность и тонкость цветовых решений, что и у Джорджоне.

К середине 1510-х гг. начинает складывается собственный стиль Тициана, к этому времени он уже познакомился с работами Рафаэля и Микеланджело. «Любовь земная и небесная» - одно из первых произведений этого периода, хотя в нем еще ощущается влияние Джорджоне.

Сюжетом этой работы, вероятно, послужил эпизод из литературного произведения. Здесь нет активного действия - видимо, целью художника была передача определенного душевного состояния. На фоне пейзажа художник изобразил величавые женские фигуры, полные грации. Спокойные и мягкие тона настраивают зрителя на размышление.

В этот же период художник создает такие произведения, как «Христос и Магдалина», «Христос и грешница», «Цыганская Мадонна».

В 1510 г. Тициан покинул Венецию, потому что в городе свирепствовала чума. Его путь лежал в Падую. В этом городе, в здании благотворительного братства Скуола дель Санто, им были написаны три фрески, сохранившиеся до наших дней. Здесь же, в Падуе, Тициан посетил капеллу дель Арена, расписанную Джотто.

Вероятно, под впечатлением джоттовской фрески «Поцелуй Иуды» венецианский мастер создал свое знаменитое произведение «Динарий кесаря» (ок. 1510 г.). Сюжетом этой работы послужил эпизод, в котором фарисеи, желая подловить Иисуса на каком-либо слове, чтобы предать Его властям, задают Христу вопрос о том, стоит ли платить подать римскому императору, т.е. кесарю. Спаситель, обратив внимание людей на монеты, где присутствовало изображение кесаря, сказал: «Отдайте кесарю кесарево, а Божие – Богу». Таким образом, идея картины заключена в показе глубокого психологического конфликта между двумя различными человеческими характерами.

Для того чтобы сосредоточить внимание зрителя на столкновении добра и зла, правды и лжи, Тициан выбрал поясное изображение героев, где использовал прием максимального сближения лиц. В левой части картины в трех четвертом ракурсе показан Христос, справа - фарисей, которого художник написал в профиль.

Различие человеческих сущностей автор подчеркнул, прежде всего, с помощью колорита. Спокойное, чистое лицо Христа имеет светлые тона, кожа же фарисея, чей образ олицетворяет лицемерие и корысть, - коричневатая и более грубая. Красивая кисть руки Спасителя с тонкими длинными пальцами контрастирует с узловатой рукой лукавого человека, держащей монету. Одежды Иисуса - ярких синих и красных тонов, в то время как хитон фарисея выглядит безжизненно белым.

Нравственное превосходство Христа автор показал не только с помощью колорита, но и с помощью поворота головы, полного достоинства, одухотворенных черт лица, а также следующего приема: Иисус несколько выше фарисея, отчего взгляд Спасителя направлен сверху вниз.

В 1516 г. умер старый Беллини, и Тициан занял его место, став первым живописцем Венецианской республики. Спустя два года после этого события он написал «Ассунту» - алтарный образ для церкви Санта Мария деи Фрари. На полотне, высотой в семь метров, изображено вознесение Богоматери. Композиционно работа делится на три части. В нижней части показаны потрясенные увиденным событием апостолы, в средней художник изобразил Мадонну в окружении ангелов, в верхней - парящую фигуру Создателя. Льющиеся сверху мощные потоки золотистого света, сливаясь с закатным маревом, подчеркивают момент происходящего чуда, творящегося на глаза присутствующих. Фигура девы Марии в развивающихся одеждах неудержимо несется вверх. Однако в работе на религиозную тему скорее присутствует земное, активное начало, прославление человеческого духа, чем мистическое действо. Вероятно, поэтому монахи-заказчики думали отказаться от этого произведения.

В той же церкви находится еще одна знаменитая работа Тициана – «Мадонна семейства Пезаро» (1526), созданная по заказу венецианского патриция, победителя турецкого флота адмирала Джакопо Пезаро. Это произведение было написано в нарушении существовавших тогда канонов. Было неслыханной дотоле дерзостью перемещение фигуры Мадонны из центра вправо, а также отказ от симметрично расположенных святых. Святой Петр (его можно узнать по ключу, что находится у подножия престола) и Святой Франциск (узнаваемый по ранам на ладонях) в работе Тициана становятся активными участниками действия, что тоже было ранее не принято.

Тициан. Мадонна семейства Пезаро

В соответствии с традициями Возрождения автор изобразил донаторов, их можно видеть на переднем плане в нижней части картины. Перед троном девы Марии находится коленопреклоненный адмирал, его руки сложены в позе моления. Рядом с ним стоит его покровитель – Святой Иоаков. Одной рукой он держит алое знамя, на котором красуется герб, другой влечет за собой турецкого пленника. Св.Петр и Богородица склоняют к донатору милостивые взоры. В это время Св.Франциск указывает младенцу Иисусу на других членов семейства Пезаро, что стоят на коленях справа от трона.

Действие происходит в пространстве открытого двора на фоне мощно возносящихся к облакам двух колонн, где ангелы водружают крест.

Современников поразила смелость композиционного решения алтарного образа. Однако асимметричность привнесла в работу естественность и непринужденность, а гармония целого была достигнута с помощью цвета и световоздушной среды.

В произведениях 1518-1530 гг. ярко выражены ренессансные гуманистические идеалы: интерес к человеческой личности, радость земного бытия, героический пафос. Главными жанрами этого времени являются алтарные образа, мифологические композиции, портреты и пейзажи. В последующие годы Тициан неоднократно обращался к античности, особенно после пребывания в Риме. Так в период с 1530 г. по 1550 г. он пишет на основе античной мифологии ряд картин с изображением обнаженной женской фигуры. Лучшей среди них считается «Венера Урбинская» (1538).

Образ Венеры, созданный Тицианом, более земной и полнокровный в сравнении со «Спящей Венерой» Джорджоне. Предполагают, что прообразом героини произведения Тициана является герцогиня Элеонора Урбинская – красавица-венецианка, современница автора. Художник изобразил богиню в интерьере патрицианского дома, на пышном ложе. Ее руку, держащую небольшой букет цветов, украшает браслет, у ног, свернувшись клубочком, дремлет собачка. На заднем плане у ларя с одеждой находятся служанки. Рядом с ними – окно, сквозь которое просматривается пейзаж. Все это создает атмосферу покоя и теплоты.

1540-е гг. стали годами расцвета портретного мастерства Тициана. Следует отметить, что ему в равной степени удавались мужские и женские, старые и молодые лица. Если в первой половине своего творческого пути он прославлял красоту, цельность натуры, молодость и силу своих моделей («Мужской портрет», «Юноша с перчаткой», 1515-1520гг., «Портрет дочери Лавинии»), то со временем в портретах мастера запечатлевалось то, что было скрыто от других глаз. Среди заказчиков Тициана были самые именитые особы Европы – правитель Священной Римской императории Карл V, испанский король Филипп II, несколько глав римско-католической церкви, дож Андреа Гритти, а также многочисленные кардиналы и представители высшего света. Сильные мира сего стремились быть запечатленными кистью этого великого художника, потому что верили, что его искусство их обессмертит.

Так, например, произошло и с папой Павлом III, чьи реалистичные портреты способны рассказать многое о правителе Ватикана. Первый портрет был написан в 1543 г. Здесь использовано поколенное изображение модели в трех четвертном ракурсе с поворотом головы на зрителя.

Понтификат, сидящий в кресле, вероятно, в этот момент находится один. Мы видим умного, несколько уставшего человека. Павел III задумчив и его взгляд как бы направлен внутрь себя. Внимание зрителя привлекает не только лицо папы, но и кисть его руки с тонкими красивыми пальцами.

Необычаен колорит этой работы, в которой сочетаются вишнево-бардовые и белые тона папского облачения и темный фон картины. Тициан так мастерски написал одеяния Павла III, что они кажутся вполне реальными.

На втором портрете понтификат изображен вместе со своими племянниками Алессандро и Оттавио Фарнезе. Для этой работы в 1546 г. Тициан был приглашен в Рим, где ему были отведены роскошные апартаменты в Бельведере (части Ватиканского дворца). Условия работы, как видно, способствовали тому, что художник смог почувствовать и передать не только индивидуальность каждого из портретируемых, но атмосферу папского двора с его атмосферой лицемерия, лжи и коварства.

Картина представляет собой парадный тип портрета, об этом говорят одежды моделей и характерный занавес на стене. Смысловым центром произведения является фигура папы, сидящего в кресле. Всего три года прошло с момента написания первого портрета, но как изменился Павел III! Если в первой работе это был еще физически довольно крепкий мужчина, то теперь его тело, скрытое парадной мантией, кажется немощным, но при этом возрастает роль психологической характеристики понтификата. Взгляд папы внимательный и цепкий говорит о том, что ум его по-прежнему ясен, а левая рука, сжимающая подлокотник кресла, является знаком того, что Павел III все также является сильным и волевым правителем.

Взор понтификата обращен к склонившемуся Оттавио, чья фигура выражает, скорее лесть и подобострастие, чем почтительность. По правую руку от Павла III стоит Алессандро Фарнезе, он отстраненно смотрит на зрителя. Таким образом, групповой портрет папы Павла III с племянниками Алессандро и Оттавио Фарнезе является психологической характеристикой обитателей Ватиканского дворца того времени.

По выполнении своей работы автор был обласкан заказчиками, получил от них много подарков, включая «церковную бенефицию с хорошим доходом для сына своего Помпонио» (другой сын был так же, как и отец, художником).

Живописный дар Тициана сочетался с великолепными деловыми качествами. Он быстро богател не только за счет заказов на картины, но и благодаря финансовым операциям с немецким банкирским домом Фуггеров. Великий венецианец владел не только великолепным палаццо в своем родном городе, но и имел множество других домов, вилл и поместий. Его называли алчным, расчетливым и честолюбивым, но не могли не признать его талант и славу, которая, благодаря стараниям его друзей и поклонников, широко распространилась по Европе.

Как и многие деятели Возрождения, Тициан обращался к жанру автопортрета. Эти работы передают образ сильного, волевого человека с умным лицом и проницательным взглядом. Характеристику дополняют царственная осанка, сильные руки и богатое одеяние патриция.

В1550 – 1560-е гг. Тициан создает множество работ на мифологические сюжеты, среди которых «Венера и Адонис», «Венера перед зеркалом», «Воспитание Амура», «Похищение Европы», «Даная» и другие. Работы поражают светоносностью и материальностью красок, богатством колорита, который становится более насыщенным. Манера мастера этого периода характеризуется широтой и свободой.

Судьба благоволила Тициану - он был богат и обладал отменным здоровьем. Мастер по-прежнему много работал, создавая шедевр за шедевром. Однако в общественной жизни происходили перемены – наступал кризис ренессансной культуры, отчего в работах художника появились новые темы: одинокого человека, трагедии и скорби. Новые герои Тициана – люди, находящиеся в драматических ситуациях, страждущие и лишенные покоя. Среди поздних работ мастера такие произведения, как «Кающаяся Мария Магдалина», «Святой Себастьян», «Коронование терновым венцом», «Оплакивание Христа» (1560-1570-е гг.). Колорит этих произведений поражает множеством неуловимых полутонов, краски, как будто, светятся изнутри. В это время художник использует новые приемы живописи: краски наносились на холст не только кистью, но и шпателем и, даже, пальцами. Но такие густые пастозные мазки, благодаря мастерству Тициана, казались полупрозрачными.

В 1576 г. чума вновь посетила Венецию, среди заболевших был и сын художника. Тициан сам ухаживал за ним, но страшная болезнь поразила и великого живописца, в результате которой он умер 27 августа 1576 г. Церковь Фрари, где находятся знаменитые работы Тициана, стала его последним пристанищем.