Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (1483-1520) – младший современник Леонардо да Винчи. Он родился в городке Урбино, столице небольшого герцогства провинции Умбрия. Отец Рафаэля, придворный художник, стал его первым учителем. В восемь лет мальчик потерял мать, а в одиннадцать – отца. Заботы о его воспитании взяла на себя жена герцога Елизавета Гонзаго.

В 1500 г. Рафаэль отправился в Перуджу, где поступил в мастерскую ведущего мастера умбрийской живописной школы Пьетро Перуджино, который нуждался в большом количестве учеников, чтобы справляться со своими заказами. От своего учителя Рафаэль перенял лиризм и плавность линий, которые так поражают в его творениях. Ранние работы молодого художника были написаны под влиянием Перуджино. Наиболее известная из них – алтарный образ «Обручение Марии» (1504), где автор впервые последовательно использовал линейную перспективу.

В 1504 г. Рафаэль приехал во Флорецию, где у него появилась возможность приобщиться к лучшим образцам искусства Ренессанса, углубить свои познания в анатомии и перспективе. В произведениях этого периода художник мастерски передает фигуры в самых сложных ракурсах. Обобщив опыт мастеров Раннего Возрождения, Рафаэль отказывается в своем творчестве от мелочной детализации, свойственной предыдущей эпохе.

Главная тема флорентийского периода изображение прекрасной и светлой материнской любви. Мадонны Рафаэля подкупают своей нежностью и поэтичностью образа. Многие мастера эпохи Ренессанса изображали мадонн, но никто из них не смог столь многогранно показать образ Богоматери, как это сделал Рафаэль.

Среди работ флорентийского периода – «Мадонна в зелени (на лугу)» (1505), «Мадонна - садовница (Прекрасная садовница)» (1507), «Мадонна со щегленком» (1507) и др. В этих произведениях Богоматерь представлена как идеал земной женщины, в гармонии физического и духовного начал. Ее движения, изящные и простые, в то же время величавы.

Дева Мария, младенец Иисус и юный Иоанн Креститель изображены среди цветов и трав на фоне пейзажа с далекими замками, где ландшафт имеет мягкие очертания гор и долин, у рек и озер спокойная гладь, в которой отражается синева неба. Человек в работах Рафаэля находится в согласии с окружающим миром.

Композиция строится на основе геометрического метода Леонардо да Винчи. Если в ранний период своего творчества Рафаэль использовал форму «тондо» (круг), как это было в произведении «Мадонна Коннестабиле», то теперь художник отказывается от нее.

В это же время Рафаэль начинает работать в жанре портрета. Во Флоренции им написаны портреты Анджело и Маддалены Дони (ок.1506), «Автопортрет» (1506), «Женщина с единорогом» (1505 –1506), «Портрет юноши» и др. В этих произведениях мастер использует тип портрета, созданный Леонардо - поясное изображение с трех четвертным поворотом фигуры и обязательным показом кистей рук. Фон работ как пейзажный, так и глухой (позднее он станет правилом для рафаэлевских портретов).

Если в других жанрах живописи Рафаэль стремился к идеалу, то в портретах он ничего не приукрашивает и, даже можно сказать, выступает как художественный судья, умеющий увидеть духовную сущность модели. Портретная живопись этого художника отличается продуманной композицией, четкой прорисовкой основных объемов и контуров фигур, точной передачей их внешнего облика, вниманием к характерным деталям, помогающим раскрыть образ модели.

В 1508 г. по рекомендации Браманте Рафаэль был приглашен в Рим для работы в Ватиканском дворце. Здесь он расписывает парадные залы (станцы) по заказу папы Юлия II.

В росписях станц, которые представляли собой небольшие комнаты со сводчатыми потолками и окнами во двор, Рафаэль проявил себя как непревзойденный художник - монументалист, учитывающий все особенности архитектуры. Первая из зал носит название станца делла Инчендио, за ней следуют станца делла Сеньятура, станца д’Элиодоро и станца Константина.

Самой знаменитой комнатой Рафаэля является станца делла Сеньятура. Предполагают, что она служила местом для скрепления подписями и печатями папских распоряжений, помещением для приема послов, библиотекой или залом для заседаний папского трибунала.

Здесь живописец создал фрески на важнейшие темы – «Богословие», «Философия», «Поэзия» и «Правосудие», раскрывающие главную идею этого цикла работ – торжество разума и красоты (1508–1512).

Теме богословия посвящена фреска «Диспута», где представлен воображаемый теологический спор, в котором принимают участие не только «отцы церкви», но и представители горнего мира. Композиция фрески симметрична, но при этом фигуры, представленные Рафаэлем находятся в свободном общении между собой.

В центре верхней части работы – изображение Иисуса Христа, справа от которого Богоматерь, слева – Иоанн Креститель. По обе стороны от них расположились восседающие на облаках христианские святые. Выше фигуры Спасителя можно видеть образ Бога-отца, а ниже - изображение Духа святого в виде голубя. Таким образом, вертикально выстроена композиция новозаветной Троицы.

Нижнюю часть фрески занимает изображение Церкви земной, где в центре на ступенчатом мраморном пьедестале помещен алтарь с дарохранительницей.

По обе стороны от него расположены группы отцов Церкви, священников и простых христиан, представленных в разнообразных ракурсах и многоцветных одеждах. В богословском споре о тайне причастия участвуют и исторические лица, и современники художника. Это и папы, правившие до Юлия II, и страстный флорентийский проповедник Савонарола, и великий поэт Данте, и известный монах-живописец фра Беато Анджелико, а также многие другие.

Следующая фреска – «Афинская школа» - посвящена теме философии. Мы видим просторный и величественный храм, в центре которого находятся фигуры философов античности – Платона и Аристотеля, которые, сохраняя достоинство и дружелюбие, ведут спор. Платон, которому автор придал черты Леонардо да Винчи, понял руку и указывает Аристотелю на небо, тем самым как бы говоря, что миром правят идеи. Аристотель же простер руку над землей, его жест символизирует материальную природу всех вещей. Фигуры спорящих философов движутся из глубины храма навстречу зрителю.

По обе стороны от них находятся великие ученые древности и их последователи. Так, Сократ беседует с молодым воином, Гераклит (Рафаэль ему придал черты Микеланджело), погруженный в раздумья, сидит на ступенях, неподалеку от него – Диоген. В левой нижней части фрески изображен Пифагор, объясняющий теорему, зачарованным слушателям. Его фигура символизирует не только геометрию, но и арифметику, а также и музыку. Симметрично этой группе автор изобразил Евклида (ему автор придал черты архитектора Браманте), который чертит геометрическую фигуру, его окружают ученики. А рядом с ними – группа астрономов, за которой просматривается изображение самого автора в черном берете. Убранство зала является незаконченной базиликой собора св. Петра, автором которого является Браманте.

Третья фреска, посвященная теме искусства, называется «Парнас». Она была написана на стене, прорезанной оконным проемом. Рафаэль как великий мастер превратил трудности в достоинства. Так над окном им была размещена вершина горы Парнас со стройными лавровыми деревьям, написанными на фоне облачного неба. В центре вершины находится Кастальский источник, дающий поэтическое вдохновение. У источника в окружении девяти Муз сидит покровитель искусств Аполлон, играющий на виоле – одном из самых распространенных инструментов эпохи Возрождения.

Справа и слева от Аполлона с Музами, а также на склонах горы художник изобразил знаменитых греческих и римских поэтов, рядом с которыми находятся поэты Возрождения. Здесь можно увидеть Гомера, Вергилия, Горация, Анакреона, Сапфо, Данте, Петрарку, Боккаччо, Аристо и Микеланджело как автора поэтических циклов.

Четвертая стена, где размещалась фреска, посвященная теме правосудия, была наименее удобна для росписей, так как ее оконный проем был смещен влево. Над ним Рафаэль написал крупные женские фигуры, символизирующие Мудрость, Меру и Силу. В двух простенках по обе стороны от окна изображены папа Григорий IX со сводом церковных законов и византийский император Юстиниан с кодексом гражданских законов – так были представлены сцены из истории церковного и светского права.

Колорит всех фресок мягкий и гармоничный. Разнообразные и изысканные тона от фиолетовых до нежно-зеленых, песочных и абрикосовых не контрастируют, а, оттеняя, дополняют друг друга. Масштабы героев всех росписей соразмерны масштабам зрителей, отчего фрески легко воспринимаются, а, кроме того, зритель чувствует свою сопричастность изображенным событиям.

Создавая цикл фресок станцы делла Сеньятура, автор стремился убедить зрителя в том, что мечты о совершенном обществе и совершенном человеке реальны и достижимы, поэтому так близок горний мир Рафаэля к миру земному, а среди мудрецов и людей искусства древности можно видеть современников художника. Никто до Рафаэля не мог так наглядно и естественно выразить идеалы гуманизма.

Станца д’Элиодоро, где нашли свое воплощение библейские и исторические темы, была названа по имени главного действующего лица фрески «Изгнание Гелиодора». Сириец Гелиодор вместе со своими воинами решил похитить сокровища из Иерусалимского храма, но молитва настоятеля этого храма была услышана – Бог послал небесных воинов, которые изгнали святотатцев.

Рафаэль изобразил этот волнующий момент под сводами храма, в центре которого мы видим молящегося настоятеля, просящего небеса о защите. Над ним вдали, в проеме полуциркульного окна, синеет облачное небо. В левой части фрески расположена группа молящихся, над ними возвышается фигура сидящего в кресле папы Юлия II. Его величественная и внешне спокойная поза передавали образ церковного властителя, благословляющего христиан и содействующего святым силам, которые наказывают осквернителей храма.

В правой части произведения мы видим самого Гелиодора и его спутников, которых изгоняют из храма воины Царя небесного. Композиция фрески строится на противопоставлении группы испуганных верующих, властного и уверенного в правоте своего дела папы Юлия II и преследуемых фигур преступников, что подчеркивает автор яркими цветовыми и световыми контрастами. Эта фреска воспринималась современниками Рафаэля как призыв к освобождению Италии от иноземных захватчиков.

Другая более знаменитая фреска станцы д’Элиодоро - “Освобождение апостола Петра из темницы” - рассказывает о том, как ангел освободил из темницы закованного в цепи апостола Петра. В центральной части композиции помещены уснувшие стражники, держащие цепи апостола, который спит.

Над фигурой Петра склоняется ангел, изображенный в сиянии золотых лучей. Он желает поднять и вывести из темницы ученика Христа. Все происходящее зритель видит через ячейки толстой решетки, отчего возникает ощущение некоторой угнетенности.

В левой части работы изображены римские воины. Один из них властно указывает подчиненному на темницу, желая помешать чуду освобождения. В правой части произведения Рафаэль показывает ангела, который ведет за собой Петра мимо фигур спящих стражников. Как и в предыдущем произведении, здесь все строится на контрастах тьмы и света, покоя и движения.

Работа над фресками станцы д’Элиодоро заняла три года (1512–1514). Кроме вышеназванных работ сюда вошли “Месса в Больсене” и “Встреча Аттилы”, предположительно выполненная учениками художника.

Фреска “Пожар в Борго” дала название станце дель Инчендио (по-итальянски инчендио – пожар), все росписи которой выполнены учениками Рафаэля по его эскизам и под наблюдением великого мастера (1514–1517). Эта работа, как и фрески станцы д’Элиодоро прославляла величие христианской Церкви и, в частности, папской власти – ведь только благодаря благословению папы Льва IV в 847г. был потушен пожар в квартале Борго недалеко от папского дворца.

Успех росписей станц Ватиканского дворца принес Рафаэлю множество других заказов. Так, в 1513 г. по заказу Агостино Киджи художником создана фреска “Триумф Галатеи”.

В центре произведения – фигура морской богини, дочери Нереиды, которая стоит на раковине и управляет стремительно плывущими дельфинами. Ее красного цвета накидка и золотые волосы развиваются на ветру. Их цвет контрастирует с серебристо-зелеными водами моря и голубым облачным небом. Движения богини полны гармонии. Галатея напоминает прекрасную античную статую. Справа и слева от Галатеи изображены морские божества и нимфы.

Дочь Нереиды повернула голову, прислушиваясь к любовной песне неуклюжего гиганта Полифема. В верхней части работы изображены купидоны, целящие свои стрелы прямо в сердце Галатеи. Произведение наполнено динамизмом и жизнерадостностью, оно воспринимается как гимн во славу молодости и красоты.

Позднее вилла Агостино Киджи, где была создана эта работа, перешла во владение семьи Фарнезе, откуда и пошло более позднее название “Фарнезина”. Здесь в 1517–1518 по эскизам Рафаэля его учениками были исполнены фрески, рассказывающие об истории Амура и Психеи.

Обилие заказов способствовало тому, что Рафаэль все чаще привлекал для их выполнения своих учеников. Так, росписи лоджий Ватиканского дворца выполнены с их участием. Фрески, написанные в небольших арочных сводах галереи второго этажа, представляют собой сочетание небольших композиций и великолепного живописного декора. Это был последний монументальный цикл великого мастера.

В последнее десятилетие жизни Рафаэль проявил себя как величайший художник-портретист. Это касается как монументальной, так и станковой живописи. Необходимо отметить, что портреты мастера в монументальных композициях оказали несомненное влияние на его станковое творчество.

Ряд работ написан Рафаэлем в соответствии с типом портрета, разработанным Леонардо да Винчи. К ним относятся, прежде всего, портрет донны Велаты (1514) и портрет графа Бальдассаре Кастильоне (1515). Дипломат, военачальник, философ и писатель, граф Бальдассаре Кастильоне, отличался цельностью и гармоничной уравновешенностью характера. Его понимание мира было в согласии с реальной действительностью.

На портрете Кастильоне спокойно и внимательно смотрит на зрителя. Плавные линии плечей, сомкнутых кистей рук, мягкой шляпы и бороды создают впечатление гармонии и покоя. Этой же цели подчинено цветовое решение работы. Белые, зеленоватые, серые, коричневые и черные тона дополняют друг друга, нигде не контрастируя. В этом произведении, в образе конкретного человека, воплотились представления художника об идеальном человеке эпохи Возрождения.

Один из лучших женских портретов – портрет донны Велаты. Черты ее лица отличаются мягкостью и нежностью. Красивые большие глаза доброжелательно смотрят на зрителя. Расчесанные на прямой пробор волосы уложены просто. Теплые и светлые тона подчеркивают нежность цвета кожи донны Велаты. Складки и сборки белой кофты и роскошного атласного платья привносят элемент движения и, даже, беспокойства, но плавные очертания покрывала, что на голове модели, успокаивают впечатление зрителя. Образ донны Велаты воплощает человеческое достоинство и красоту.

Кроме светских портретов Рафаэль пишет портреты церковных деятелей. К ним относятся “Портрет кардинала” (ок. 1512), “Портрет папы Юлия II” (1511), “Портрет папы Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси” (1518). Тип портрета в двух последних из названных работ разработан самим художником – это поколенное изображение модели в трех четвертном ракурсе с поворотом головы на зрителя.

Во время правления папы Юлия II Рим восстановил свое былое величие благодаря энергии этого незаурядного и неистового владыки. Рафаэль смягчил и возвысил образ этого деятеля Церкви. Юлий II изображен сидящим в кресле, его голова немного наклонена вперед, как будто папа о чем-то задумался. Плотно сжатые губы и левая рука, крепко сжимающая подлокотник кресла, говорят о волевом характере и властности этого правителя.

Приемником папы Юлия II стал кардинал Джованни Медичи, получивший имя Льва X во время избрания на папский престол. Рафаэль изобразил этого исторического деятеля сидящим за столом в массивном кресле, что придает основательность всей фигуре Льва X.

Полное лицо папы Льва X лишено одухотворенности, которое отличало его предшественника. Он только что оторвался от чтения фолианта с изысканными цветными миниатюрами, поэтому нежные, холеные руки папы

держат лупу. Рядом с книгой стоит ручной колокольчик тонкой ювелирной работы. Рафаэль не случайно столько внимания уделил этим деталям – тем самым он хотел подчеркнуть душевные склонности Льва X, из всех видов искусства отдававшего предпочтение декоративно-прикладному.

Пышные одежды из бархата и парчи придают торжественность невыразительной фигуре папы. Для того чтобы придать значительность образу Льва X, автор запечатлел его в окружении кардиналов. Стоящие фигуры кардиналов находятся на одной линии с сидящим папой. Их лица, изображенные в трех четвертном ракурсе, обращены к центру картины, но их взгляды не сходятся. Благодаря такому композиционному решению образ папы Льва X не довлеет на зрителя.

“Портрет папы Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси” не только портрет исторического деятеля, показанного без прикрас, но и первый групповой портрет эпохи Возрождения.

В Риме Рафаэль продолжает работать над воплощением своей излюбленной темы – изображением материнской любви. Здесь им написаны “Мадонна Альба” (1509), “Мадонна ди Фолиньо” (1511), “Мадонна в кресле” (“Мадонна делла седиа”) (ок.1516). Образ Богоматери получает новое звучание. Работы приобретают монументальную значительность и динамизм.

Лучшей работой Рафаэля на эту тему стал алтарный образ, написанный для церкви св. Сикста небольшого итальянского городка Пьяченце (1516). Работа поражает глубиной замысла и величавой простотой художественного языка.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна.

В центре композиции – Мадонна, держащая на руках сына. Она легко и решительно ступает босыми ногами по пушистым облакам навстречу зрителю. Встречный ветер развевает одежды Богоматери и покрывало, скрывающее ее волосы. Окруженная сонмом херувимов, Мадонна нежно прижимает к себе Иисуса. Ее взгляд ясен и, в то же время печален, в нем читается любовь к младенцу и осознание его будущего подвига во имя спасения людей. Маленький Христос смотрит на мир широко раскрытыми глазами, его взгляд не по-детски серьезен и тревожен.

В нижнем правом углу картины, слева от девы Марии находится коленопреклоненная св.Варвара, взгляд ее опущен. С другой стороны от Мадонны изображена фигура св. Сикста в тяжелых одеждах. Он снял перед Богоматерью тиару и правой рукой почтительно указывает на землю, куда следует дева Мария. Этим жестом автор подчеркивает главную идею произведения – явление Мадонны, заступницы людей перед Богом, жертвующей своим сыном во имя человечества.

Верхнюю часть картины обрамляет раскрытый занавес темно-зеленого цвета. Внизу изображены два ангела, взоры которых обращены к деве Марии. Таким образом, взгляд зрителя неизменно возвращается к центральной фигуре “Сикстинской Мадонны”.

После смерти Браманте (1514) Рафаэль был назначен Главным архитектором строительства собора св. Петра в Риме. Мастер составил новый план собора и окончательно оформил двор папского дворца. Через год к этим обязанностям добавились новые – Рафаэль стал Комиссаром древностей, то есть отвечал за археологические раскопки и охрану памятников античности, которые безжалостно разрушали.

Под руководством Рафаэля в Риме были построены произведения церковной и светской архитектуры, а также несколько знаменитых вилл недалеко от этого великого города, в их числе вилла Фарнезина (1514 –1518).

Вероятно, огромное количество заказов и обязанностей подорвало здоровье Рафаэля. В 1520 г., в день своего рождения, в расцвете творческих сил скончался великий художник. Его оплакивал весь Рим. Похоронен Рафаэль в римском Пантеоне.