Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи. Автопортрет.

Леонардо да Винчи (1452–1519) – гениальный живописец, оставивший после себя не так много работ, потому что интересы его был разнообразны: он был скульптором, архитектором, музыкантом, теоретиком искусства, театральным постановщиком, инженером, ученым, которого интересовали такие области человеческих знаний, как философия, математика, физика, астрономия, ботаника, зоология, анатомия, оптика, аэронавтика, гидравлика, картография и др.

Леонардо да Винчи родился в местечке Анкиано, что рядом с г. Винчи, расположенным недалеко от Флоренции, в семье состоятельного нотариуса. В 1469 г. семья переехала в столицу Тосканы. Художественная одаренность и природная наблюдательность Леонардо проявлялись уже в юном возрасте, поэтому в возрасте 14 лет он был отдан в обучение в мастерскую Андреа Вероккьо, где провел шесть лет. В эти годы да Винчи, как и всякий живописец того времени, изучает точные науки, наблюдает за природой, много экспериментирует – так складывался творческий метод первого из деятелей Высокого Ренессанса.

Художники, владеющие мастерской, имея заказ, часто основную, главную работу выполняли самостоятельно, а менее значимую часть работы или детали поручали своим ученикам. Поэтому, создавая произведение «Крещение», Вероккьо привлек к работе двадцатилетнего Леонардо, которому надо было написать фигуру коленопреклоненного ангела. Говорят, что когда Леонардо закончил работу, Вероккьо был настолько поражен мастерством своего ученика, что решил оставить занятия живописью навсегда. Уже в этом первом творении да Винчи проявился себя как художник новой поры. Фигура ангела поражала необыкновенной одухотворенностью образа и тончайшей светотеневой моделировкой.

После оставления мастерской учителя Леонардо обращается к распространенной в то время теме – созданию образа Богоматери. Одна из работ этого периода – «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа», ок. 1478 г.). До Леонардо Мадонну представляли грустной, задумчивой и величавой. Молодой художник иначе изобразил Богородицу. Он показал ее исполненной земной прелести. На коленях у Мадонны сидит младенец Иисус, в руках которого крестоцвет – символ будущих страданий. Маленький Христос пытливо

разглядывает цветок. Мать улыбается, глядя на сына. Ни Мадонна, ни маленький Спаситель не развернуты к зрителю. Композицию уравновешивает открытое окно с полуциркульным сводом, находящееся в правой верхней части картины.

В этой работе да Винчи впервые использовал светотень не только для моделировки, но и для «оживления» персонажей. Внимание зрителя художник, прежде всего, обращает на богатство внутреннего мира человека, движения его души.

Примерно в это же время была начала другая картина – «Мадонна Литта» (1480-е гг.), законченная значительно позднее. В этом произведении присутствуют такие характерные черты живописи северной Италии, как внимание к мелким деталям.

Здесь художник создал обобщенный образ, сочетающий красоту физическую и духовную. Леонардо, а вслед за ним и другие мастера Высокого Возрождения, считали, что внутренняя красота непременно отражается и во внешнем облике, поэтому положительных героев в творениях этих художников отличает возвышенная красота.

Как предполагают, в конце 70-х гг. молодой Леонардо по просьбе своего друга написал портрет его сестры, которую звали Джиневра да Бенчи. Она была влюблена в посла Венецианской республики во Флоренции. Неожиданно посол уехал на родину, и Джиневра оказалась покинутой. Именно в это время художник получил заказ на ее портрет.

На картине мы видим умное, открытое, приятное, несколько широкоскулое лицо молодой женщины, которое обрамляют каштановые волосы. Большие глаза широко раскрыты, в них читается затаенная обида, но сам взгляд выражает внутреннюю стойкость. Чистая, свежая, почти прозрачная кожа лица Джиневры контрастирует с темно-зеленым фоном огромного куста можжевельника (по-итальянски - ginepro, что созвучно с именем героини), известного твердостью своей древесины и редкой неподатливостью гниению.

Леонардо любил подобные сопоставления и намеки – ведь они помогали глубже раскрыть замысел. Следует заметить, что пейзаж был для художника не просто фоном для человеческих фигур – человек, по мысли Леонардо, составляет неотъемлемую часть природы.

В этой работе уже формируются черты портрета, окончательно разработанного да Винчи несколько позднее: погрудное изображение, трехчетвертной ракурс фигуры с поворотом головы на зрителя.

Летом 1481 г. монахи монастыря Сан Донато заказали Леонардо алтарный образ «Поклонение Волхвов». Молодой художник с энтузиазмом принял этот заказ. Он провел большую подготовительную работу, сделал множество эскизов и начал работу над картиной, однако да Винчи не смог уложиться в сроки, из-за чего заказчики расторгли соглашение, а картина осталась незаконченной. Та же участь постигла и другую работу художника - «Св. Иероним» (1481).

В это время Леонардо не смог найти применения своим талантам во Флоренции, так как при дворе Лоренцо Великолепного безраздельно царил Боттичелли. Вот почему в 1482 да Винчи покинул родной город и отправился в Милан.

Слава Леонардо да Винчи опередила самого художника. И все же миланцы были удивлены разносторонними талантами знаменитости. Молодой художник был необычайно хорош собой, образован, элегантен и обходителен. Он часто читал собственные сонеты и басни, охотно импровизировал и музицировал на серебряной лютне собственной конструкции.

Годы, проведенные в Милане (1482–1499), стали лучшими в творчестве мастера. Здесь Леонардо имел возможность проявить себя и как художник, и как инженер. Расположенный на севере Италии Милан часто подвергался нападениям неприятелей, поэтому его правитель – герцог Лодовико Моро поручает да Винчи разработать проект перестройки укреплений миланского замка. Как специалист в области техники да Винчи конструирует осадные и противоосадные орудия, разрывные снаряды, занимается созданием летательного аппарата. Именно в Милане Леонардо изобрел закрытую боевую машину («танк»).

Не смотря на опасности, которым подвергался город, жизнь в нем не замирала. В это время Леонардо работает над планом реконструкции Милана, проектом завершения городского собора, руководит сооружением каналов, конструирует токарные станки, оформляет придворные празднества, создает эскизы костюмов и т.д.

Вскоре после своего приезда в Милан да Винчи начал работу над огромной конной статуей отца герцога – Франческо Сфорца, своими размерамипревышавшую более чем в полтора раза конные статуи Донателло и Верроккьо. Ее глиняная модель была закончена в 1493 г. и выставлена на площади герцогского замка. Высота «от макушки до поверхности земли» составляла около 6 метров, а на отливку монумента требовалось 80 тонн бронзы. Однако замыслу Леонардо так не суждено было воплотиться в металле. К сожалению, погибла и сама модель, которую в 1499 г. после оккупации города французские солдаты использовали как мишень.

В 1483г. художник получает заказ от монахов-францисканцев на создание алтарного образа для капеллы миланской церкви Сан Франческо. Согласно контракту на картине должна была быть изображена обычная церковная композиция - Мадонна в окружении святых. Леонардо же создал светское по духу произведение. Он по-новому трактовал сюжет, поместив фигуры Богоматери, младенца Иисуса, юного Иоанна Крестителя и ангела в скалистую пещеру. Сквозь просветы скал синеет небо. Из каменистых расщелин пробиваются цветы и травы, написанные с необычайной точностью. С потолка грота свисают причудливые кристаллы. Из-за влажного сумрака пещеры очертания фигур становятся расплывчатыми, а световоздушная дымка делает лица трепетно-живыми. Фигуры действующих лиц изображены не на фоне пейзажа, как это было принято прежде, а среди природы.

Прием «дымчатой светотени», названный сфумато (дословный перевод –«погруженный в туман, затуманенный»), был излюбленным приемом художника. Леонардо считал, что свет и тени не должны быть контрастны, потому что в большинстве случаев границы их смутны. Для того чтобы получить этот эффект, художник помещал источник света спереди и сзади фигуры. Сфумато – это прием, не только передающий нежный полусвет в мягких, молочно-серебристых и голубовато-зеленоватых тонах, от чего линия становится как бы воздушной, но и позволяющий осуществлять взаимосвязь переднего и заднего планов.

Необычно было и композиционное построение этого первого монументального алтарного образа Высокого Возрождения, получившего название «Мадонна в гроте» или «Мадонна в скалах». Молодая мать одной рукой ласково обнимает опустившегося на колени юного Иоанна Предтечу, а другая ее рука тянется к сыну. Сидящий по левую руку Мадонны ангел, обращаясь к зрителю, указывает на эту сцену перстом.

В этой работе да Винчи применил собственный метод построения композиции, где очертания фигур действующих лиц образуют геометрическую фигуру. Герои произведения оказываются вписанными в правильный треугольник, вершина которого – голова Богоматери, стороны – ее простертые руки, а углы основания – фигуры Иисуса, Иоанна и ангела. Такое пирамидальное построение композиции стало классическим для Высокого Возрождения.

Работа над произведением, затянувшаяся на долгие годы, была закончена только в начале 90-х гг. XV столетия. Сославшись на невыполнение заказа к сроку, монахи отказались выплатить причитающуюся автору сумму. После многолетней тяжбы в 1505–1508 гг. с помощью одного из учеников Леонардо был написан новый, более традиционный вариант этого произведения: ангел

обрел крылья, Иоанн Предтеча – крест, а над головой Мадонны появился нимб.

Самое известное произведение миланского периода – «Тайная вечеря» (1495–1497), созданное для трапезной монастыря Санта Мариа делла Грацие. Тайная вечеря – это последняя трапеза Иисуса Христа и апостолов в Иерусалиме, которая состоялась накануне ареста Спасителя, и во время которой он объявил о том, что один из учеников предаст его.

Художники кватроченто в композиции «Тайной вечери» традиционно изображали учеников Христа сидящими за столом в ряд в однообразно повторяющихся позах, фигура Иуды выделялась – он находился по другую сторону стола. Леонардо же изменил композицию, чтобы рассказ об этом событии стал более драматичным.

В центре стола мы видим Иисуса. Он только что произнес: «Один из вас предаст меня» и, беспомощно опустив руки на стол, замолчал. Эти слова вызвали самые разные чувства в душах апостолов. Одни были потрясены, другие поражены, третьи возмущены, а четвертые опечалены. Как будто громом пораженный отпрянул назад Иуда, сжимая в кулаке кошелек с тридцатью серебряными монетами. Он со страхом ждет момента, когда его назовут по имени. Да Винчи поместил фигуру предателя в группе любимых учеников, говоря тем самым, что измена может скрываться среди самых близких людей.

Работа была выполнена на возвышении торцовой (узкой) стены вытянутого зала трапезной. По замыслу художника потолок с поперечными балками и стены, написанные в произведении, должны были стать живописным продолжением пространства монашеского зала. Стена как бы отсутствовала. Вместо нее вошедшие монахи видели обычный стол монашеской трапезной, за которым находился Спаситель и его ученики, а за ними – три окна с видом на горный пейзаж.

В этом монументальном произведении художник также применил геометрический метод построения композиции. Ее центром является фигура Иисуса, которую можно поместить в правильный треугольник. Все перспективные линии сходятся над головой Христа. Личность Сына Божьего подчеркнута просветом расположенного сзади окна.

По обе стороны от Учителя находятся апостолы, разделенные на 4 группы по 3 человека и расположенные симметрично. Очертания каждой группы также стремятся к треугольной фигуре.

Техника фрески, требовавшая быстрого исполнения без малейших поправок, не устраивала Леонардо, поэтому он экспериментировал с составом красок и грунта. Масляные краски, выбранные художником, грунт не держал, и она стала осыпаться, что было обнаружено уже самим автором. Позднее монахи, чтобы сократить путь из трапезной на кухню, пробили дверь как раз под центром произведения, что усилило осыпание красочного слоя, а кухонные пары ускорили ее разрушение. В середине XX века, используя новейшие достижения, специалисты-реставраторы смогли выявить и закрепить краски, нанесенные рукой Леонардо да Винчи.

В Милане художник продолжает работать в жанре портрета. Здесь им написаны «Портрет музыканта» (регента миланского собора), «Портрет дамы с горностаем», на котором, как полагают, изображена возлюбленная герцога Моро – Чечилия Галлерани. Внимание зрителя приковывает тонкое, умное и одухотворенное лицо молодой красивой женщины, которая грациозно держит зверька. Его величина и близость хищной мордочки к шее дамы вызывают тревогу, как будто говорят о сложностях придворной жизни.

В этих работах окончательно формируется тип портрета, разработанный Леонардо да Винчи – поясное изображение фигуры в трех четвертном развороте с поворотом головы на зрителя и обязательным показом кистей рук.

В октябре 1499 г. Милан был захвачен войсками французского короля Людовика XII. Герцог бежал из города. В начале зимы Леонардо покинул занятый неприятелями Милан, где художник провел немало счастливых дней. Спустя некоторое время он вновь оказался в родной Флоренции, где уже перестала господствовать династия Медичи. Ее изгнали из столицы Тосканы вследствие заговора, в котором участвовали многие знатные фамилии.

Члены городского совета желали показать, что Флоренция не уступает могущественным меценатам в деле поощрения искусств. С этой целью был устроен конкурс на создание картины, которая украсила бы большой зал палаццо Веккьо. Для увековечивания славы богатой Флорентийской республики был избран эпизод из времен пизанской войны.

Для участия в конкурсе были приглашены два знаменитых художника того времени – Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонарроти (Рафаэль Санти в ту пору был еще очень молод). Оба мастера начали с подготовки картонов. Сюжетом Леонардо стала битва при Ангиаре, состоявшаяся в 1440 г. между флорентийцами и миланцами, в ее наиболее выдающийся драматический момент. Микеланджело же изобразил победу флорентийского войска при Кашине в 1364 г.

Леонардо правдиво показал лицо войны. Так, в сцене борьбы за знамя можно видеть искаженные злобой лица воинов, клинки мечей, занесенные над головами, грызущих друг друга коней. Всюду царит дикость, озверение и хаос. Заказчики были смущены увиденным, они желали иметь произведение искусства, прославляющее Флоренцию и вызывающее чувство доблести, поэтому победа была присуждена Микеланджело, который изобразил воинов в момент перед боем. Купающиеся в реке Арно солдаты, заслышав сигнал тревоги, спешат привести себя в боевую готовность.

Печальная судьба постигла и “Битву при Ангиаре” Леонардо (1503 –1506). Уже созданная композиция была испорчена в момент просушки, погибли и картоны.

Здесь, во Флоренции, в 1503г. да Винчи начал работу, пожалуй, над самым знаменитым своим произведением – портретом моны Лизы, жены пожилого флорентийца Франческо дель Джокондо, славившейся своей красотой среди замужних женщин. Это первая работа западноевропейского искусства, написанная в жанре психологического портрета. Леонардо всегда старался показать в своих моделях не столько их облик, сколько движения их души.

Простой наряд и спокойная поза модели акцентируют внимание зрителя на главном – лице моны Лизы с ее загадочной полуулыбкой. Удивительное обаяние исходит от фигуры этой женщины. Взгляд зрителя втречается со взглядом Джоконды, на лице которой читаются сменяющие друг друга оттенки мыслей, ощущений и чувств. Портрет моны Лизы – высочайшее воплощение ренессансного идеала человека, совершенного в своей физической и духовной красоте.

В этой работе присутствуют все черты леонардовского типа портрета, сложившегося в миланский период, исключение составляет лишь пейзажный фон, написанный с применением сфумато. Да Винчи четыре года работал над этим портретом, но никогда не считал его оконченным.

В 1506 –1513 гг. художник вновь работает в Милане. Здесь им написаны последние работы – “Св. Анна” и “Иоанн Креститель”. Надеясь получить заказ от папы Льва X, Леонардо отправляется в Рим, где в ту пору велось большое строительство. Однако надежды мастера не оправдались, и он вернулся в Милан. Вскоре да Винчи получил приглашение от французского короля Франциска I. Осенью 1516 года великий художник покинул родную Италию и отправился в далекий путь.

Только в мае 1517 г. Леонардо да Винчи прибыл в одну из французских королевских резиденций – замок Клу близ Амбуаза, что на реке Луаре. Здесь он получил звание первого живописца короля. Однако оторванный от родной земли этот великий итальянец не мог найти в себе сил занятий живописью. Второго мая 1519 г. Леонардо умер на руках своего слуги в замке Клу.