Живопись

Как и искусство ваяния, живопись Возрождения постепенно преодолевает средневековые традиции, стремясь по-новому раскрыть роль человека в мире.

Так, крупнейшие мастера Проторенессанса Пьетро Каваллини и Чимабуэ положили начало таким приемам, как передача светотени, отход от плоскостности, придание образам пластичности и округлости.

Новое направление окончательно утверждается в живописи благодаря Джотто ди Бондоне (возможно, 1266-1337), который был не только живописцем, но также скульптором и архитектором (проект колокольни Флорентийского собора). Наиболее известная и лучше других сохранившаяся работа Джотто – это фрески капеллы дель Арена в г. Падуя. Они расположены в три ряда по глухой стене и освещаются благодаря окнам на противоположной стороне. Над входом в капеллу Джотто расположил фреску «Страшный суд», а напротив – «Благовещение». Все сцены связаны между собой в стройное единое повествование, имеющее поистине эпический характер. Каждая из фресок содержит какой-либо эмоциональный акцент и не оставляет равнодушным ни одного зрителя. Тема коварства и вероломства звучит в сцене «Поцелуй Иуды», тема скорби, безграничной материнской любви, трагизма – в сценах «Бичевание Христа», «Оплакивание», «Несение креста». Новаторство Джотто проявилось в создании пейзажного фона (вместо условного золотого), изображении трехмерного пространства, передаче естественных форм человеческого тела, в создании особых композиционных решений. Вместе с тем язык произведений Джотто экспрессивен, лаконичен и монументален.

Флорентийское кватроченто связано с творчеством Мазаччо, который впервые приблизился к созданию линейной и воздушной перспективы. Фрески Мазаччо (капелла церкви Санта Мария дель Кармине) привлекали огромное число молодых художников, которые учились у этого мастера и испытали на себе его влияние (среди них был и Микеланджело).

Позднее кватроченто ознаменовано появлением Сандро Боттичелли, ученика Филиппо Липпи. Неповторима его творческая манера (картины «Рождение Венеры», «Весна», образы Мадонны): фигуры персонажей утонченны и невесомы, образы романтичны, пейзажный фон фантастичен и декоративен.

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519) - живое представление эпохи Возрождения о совершенной и гармонической личности. Во всех своих начинаниях этот мастер был исследователем, первооткрывателем, выразителем гуманистических идей. Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остался загадочным и продолжает будоражить умы людей. Так как Леонардо да Винчи был в большей степени поглощен научными интересами, скульптурных и живописных работ он оставил немного. Но те произведения, которые дошли до наших дней, являются символами эпохи Возрождения.

Леонардо да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи, недалеко от Флоренции, он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастерскую Андреа Вероккьо. В картине учителя «Крещение Христа» фигура одухотворенного белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо. Среди его ранних работ картина «Мадонна с цветком» (1472). Картина воспринимается как простая, безыскусная сцена радостного материнства юной Марии. Две крупные фигуры заполняют все пространство картины, лишь за окном в темной стене видно чистое холодное голубое небо. Запечатлен конкретный момент: мама, сама еще ласковая и живая девочка, протягивает, улыбаясь, своему ребенку цветок и наблюдает, как серьезный малыш внимательно рассматривает незнакомый предмет. Цветок композиционно связывает обе фигуры между собой. Леонардо много экспериментировал в поисках различных составов красок, он одним из первых в Италии перешел от темперы к живописи маслом. «Мадонна с цветком» исполнена именно в этой, тогда еще редкой, технике.

Работая во Флоренции, Леонардо не находил применения своим силам ни как ученый-инженер, ни как живописец: изысканная утонченность культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи остались ему глубоко чуждыми.

Около 1482 года Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер зарекомендовал себя при этом в первую очередь как военный инженер, зодчий, специалист в области гидротехнических работ и только потом как живописец и скульптор. Однако первый миланский период творчества Леонардо (1482-1499 г.г.) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине.

Не все грандиозные замыслы, в том числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить. Выполнение конной статуи Францеско Сфорца, отца Лодовико Моро, продолжалось (с перерывами) более 10 лет, но она так и не была отлита в бронзе. Глиняная модель Монумента в натуральную величину, установленная в одном из дворов герцогского замка, была уничтожена французскими войсками, захватившими Милан. Этот памятник был уничтожен, но за недолгое свое существование он снискал всеобщее восхищение, и, по словам Вазари, «те, кто видел огромную глиняную модель, утверждают, что никогда не видели произведения более прекрасного и величественного». За грандиозность смысла, огромные размеры современники прозвали статую «великим колоссом».

До нашего времени дошли живописные работы Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала «Мадонна в гроте» (1483-1494 гг.). Живописец отошел от традиций ХV столетия, в религиозных картинах которого преобладала торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: женственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопреклоненный ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди темных базальтовых скал с просветом в глубине – типичный для Леонардо пейзаж: в целом фантастически таинственный, но в частностях – в изображении каждого растения, каждого цветка среди густой травы – выполненный с точным знанием природных форм. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы называли этот прием Леонардо сфумато.

В Милане, по-видимому, мастер создал полотно «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта»). Здесь, в отличие от «Мадонны с цветком», он стремился к большей обобщенности и идеальности образа. Изображен не определенный момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина, кормящая грудью ребенка. Выразительна четкость уравновешенной композиции с двумя симметрично расположенными окнами, между которыми вписан живой и гибкий силуэт женской полуфигуры. Холодный ясный свет озаряет ее тонкое, мягко вылепленное лицо с полуопущенным взором и легкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые темно-золотистые вьющиеся волосы Младенца, не по-детски серьезен его внимательный взгляд устремленный на зрителя.

Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495-1497 г.г. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви Санта-Мария делла Грацие в Милане. Судьба этого прославленного произведения Леонардо трагична. Еще при жизни мастера краски начали осыпаться. В XVII веке в стене трапезной пробили дверь, уничтожившую часть композиции, а в XVIII веке помещение превратили в склад сена. Большой вред фреске нанесли неумелые реставрации. В 1908 году были проведены работы по расчистке и укреплению росписи. Во время Второй мировой войны потолок и южную стену трапезной разрушила бомба. Предпринятая в 1945 году реставрация спасла роспись от дальнейшего разрушения, остатки живописи Леонардо были выявлены и закреплены. Однако о великом творении мастера можно составить теперь только самое общее представление. Огромная фреска (4,6 м х 8,8 м) занимает всю торцевую стену трапезной. Христос, фигура которого находится в центре дверного проема, и апостолы восседают за столом. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». Они вызывают у апостолов гамму разнообразных чувств: отчаяние, испуг, недоумение, гнев, некоторые вскакивают с мест бурно жестикулируют. Образ Христа – не только пространственный, колористический, но и духовный центр композиции. Учитель одинок в своем мудром спокойствии и покорности судьбе.

Когда в 1499 г. Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1505 г.). Портрет, известный как «Джоконда», стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи. Небольшой, окутанный воздушной дымкой образ молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зеленого странного скалистого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно увидеть биение пульса. Казалось бы, картина проста для понимания. Между тем в обширной литературе, посвященной «Джоконде», сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо шедевра. В истории мирового искусства есть произведения, наделенные странной, таинственной и магической силой. В их ряду одно из первых мест занимает изображение молодой флорентийки Моны Лизы. Она, по-видимому, была незаурядной, волевой личностью, умной и цельной натурой. Леонардо вложил в ее удивительный, устремленный на зрителя взгляд, в знаменитую, словно скользящую, загадочную улыбку, в отмеченное зыбкой изменчивостью выражение лица заряд такой интеллектуальной и духовной силы, который поднял ее образ на недосягаемую высоту.

В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска I, он уехал в 1517 г. во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете-рисунке (1510-1515 г.г.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И тем не менее его личность выходила за пределы своего времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо да Винчи неисчерпаемо. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в истории мирового искусства одно из почетных мест.

С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвященные точным наукам, но и работы по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498 г.) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объемной моделировке, линейной и воздушной перспективе.

Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры, оказали на нее огромное влияние.

С творчеством Рафаэля (1485-1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело-мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл.

Рафаэль первоначально учился в Урбино у своего отца, затем у местного живописца Тимотео Вите. В 1500 году он переехал в столицу Умбрии Перуджу, чтобы продолжить образование в мастерской известного живописца, главы умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошел своего учителя.

Рафаэля называли Мастером Мадонн. Настроение душевной чистоты, еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин - «Мадонна Конестабиле» (1502-1505 гг.) - приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля - «Обручение Марии» (1504 г.). Происходящее на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Эта небольшая картина уже целиком принадлежит искусству Высокого Возрождения. Главные действующие лица, группа девушек и юношей покоряют своим естественным изяществом. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты, например сближающиеся руки Марии и Иосифа, надевающего ей на палец кольцо. В картине нет ничего лишнего, второстепенного. Золотистые, красные и темно-зеленые тона, созвучные с мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение.

В 1504 году Рафаэль переехал во Флоренцию. Здесь его творчество обрело зрелость и спокойное величие. В цикле Мадонн он варьировал изображение молодой матери с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне пейзажа. Особенно хороша «Мадонна в зелени» (1505 г.). В картине использованы пирамидальные композиции Леонардо, а колориту присуща тонкая гармония красок.

Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 году его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. В этих помещениях Рафаэль и его ученики украсили потолки позолоченным стуком и росписями, пол выложили узорчатым мрамором, а каждую стену до декоративной панели покрыли многофигурными фресками. Росписи ватиканских станц (1509-1517 гг.) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии.

Как и прежде, Рафаэль вновь обратился к излюбленному образу Мадонны с младенцем. Мастер готовился к созданию своего великого шедевра - «Сикстинской Мадонны» (1515-1519 гг.) для церкви Святого Сикста в Пьяченце. В истории искусства «Сикстинская Мадонна» - образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. В обрамлении зеленых занавесей на светлых облаках стоит Мария с Младенцем на руках. Взгляд ее темных без блеска глаз устремлен мимо и как бы сквозь зрителя. Этому взору доступно то, что скрыто от других. В образе красивого ребенка, угадывается что-то не по-детски напряженное и провидческое. Художник достиг здесь редкого динамического равновесия: кажущаяся ясная простота, черты отвлеченной идеальности, божественность чуда и реальная весомость форм сплетаются, дополняют и обогащают друг друга. Благоговейно потупившая взор Святая Варвара, принадлежащая, как и Мария, небесам, легко парит в облаках. Два ангелочка, облокотившиеся на парапет, смотрят вверх и возвращают внимание зрителя к центральному образу.

Под руководством Рафаэля в 1519 г. была завершена роспись так называемых Лоджий - большой арочной галереи на втором этаже Ватиканского дворца. Многочисленные декоративные фрески исполнили ученики Рафаэля по его рисункам. Позже росписи были испорчены грубыми реставрациями. О творческой фантазии Рафаэля и его даре декоратора можно судить отчасти по копии росписей Лоджий, украсившей стены галереи Эрмитажного Дворца в Петербурге.

Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его безупречное, легкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внес и в архитектуру. Само имя Рафаэля – Божественного Санцио – в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника. С великими почестями он был погребен в римском Пантеоне, где его прах покоится и поныне.

Наивысшего расцвета в XVI в. достигла венецианская живопись с ее богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия, и в первую очередь поэтически-созерцательным творчеством Джованни Беллини, учителя великих мастеров Джорджоне и Тициана.

С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или 1477 – 1510), родился в маленьком городке Кастельфранко, о его жизни сохранились скупые сведения. Известно, что он, красивый и обаятельный человек обладал исключительным талантом живописца и был превосходным музыкантом. Джорджоне сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупные работы, выполненные по заказам, не сохранились.

Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне – художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. Музыка, меланхолия, созерцательное настроение – естественное содержание его картин, в которых как будто нет сюжета, нет и активного действия, но присутствует порой сложный подтекст. Вместе с тем творчество Джорджоне человечно, полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность. Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне – «Юдифь» (около 1502 г.) – посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Она отправилась в стан врагов и убила их полководца – Олоферна. Войско неприятеля отступило. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в картине высшую справедливость.

Герои Джорджоне чаще всего бывают в раздумье, погружены в свой внутренний мир. Его полные жизни картины светского характера навеяны античной мифологией, аллегориями или литературными произведениями. Знаменитая картина «Гроза» (около 1505 г.) полна таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряженно застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. Единство человека и природы воплощено и в ранней картине Джорджоне «Три философа», и в более позднем чудесном «Сельском концерте», где в спокойный пейзаж с округлыми купами деревьев под облачным небом вписана группа из юношей-музыкантов и обнаженных женщин. В 1507-1508 гг. Джорджоне создал «Спящую Венеру» – самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и Тициан дописал в ней пейзаж.

Широко известный при жизни, Джорджоне был забыт уже в конце XIX в. Сильное влияние он оказал на своего ученика Тициана, который по натуре, характеру и масштабу дарования был ему во многом противоположен.

В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне Тициан Вечеллио прожил почти столетие (1476 или 1477 – 1576). Он родился в местечке Пьеве де Кодоре близ Альп, учился в Венеции у Джентиле и Джованни Беллини, в 1507 г. перешел к Джорджоне и стал его помощником.

Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты – со сценами ликующей радости, религиозные композиции – с мифологическими и историческими картинами. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве.

Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как например, в самой известной картине этого периода «Любовь небесная и земная» (1515 – 1516 гг.). Картина радует прежде всего превосходной живописью, особенно в изображении сияющего красотой обнаженного женского тела и роскошных тканей. Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии.

Во втором периоде творчества (1519-1530 гг.) Тициан создал для церкви Санта-Мария дельи Фрари огромную алтарную картину «Вознесение Марии» (1510-1518 гг.), более известную как «Ассунта». На примере этого шедевра Тициана можно судить о том, насколько естественно и безупречно точно монументальные полотна великих венецианцев были связаны с архитектурным интерьером, являясь его драгоценным украшением. Картина подобна целостному организму, все части которого охвачены стремительным и торжественным движением. Прекрасная земной красотой Мария в темно-красной одежде неудержимо и плавно поднимается ввысь в золотистом токе воздуха; широк и одухотворен жест Ее воздетых к небу рук, Она оставляет на Земле смятенных, взволнованных апостолов.

В третьем периоде творчества (начиная с 1530 г.) возрос интерес художника к народным типам, деталям быта. Все это, однако, не выходило за пределы общей направленности его искусства. Картина «Введение во храм» (1534-1538 гг.) решена Тицианом как великолепное красочное зрелище: Мария торжественно шествует в храм по широкой лестнице. Написанная в 1538 г. для герцога Урбинского «Лежащая Венера» (или «Венера Урбинская») по сравнению с богиней Джорджоне более тесно связана с реальной жизнью. Облокотившись на подушки, она непринужденно раскинулась на ложе со спящей собачкой в ногах в просторной дворцовой комнате, где на дальнем плане служанки достают платье из большого сундука. Кажется, что Венера спустилась на землю, чтобы принять облик привлекательной и женственной венецианки. С тончайшим мастерством живописец передал нежность и теплоту ее обнаженного тела. В эти годы он создал немало изображений золотоволосых красавиц- мифологических героинь. 40-е гг. отмечены расцветом портретного искусства Тициана.

В последний период творчества, начиная с 50-х гг. (это уже эпоха позднего Возрождения), Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. Он написал картину «Бичевание Христа», где освещенные во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине «Святой Себастьян» герой, пронзенный стрелами, но не сломленный, возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением. Колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают четкость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует.

Последняя большая алтарная картина Тициана – «Оплакивание Христа» (1573-1576 гг.). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить ее безмолвное горе.

Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Возрождению. Однако его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет свое величие.

Большой вклад в развитие Европейской ренессансной культуры внесли нидерландские живописцы - Ян Ван-Эйк, Гуго Ван-дер Гус, Лука Лейденский, И. Босх, П. Брейгель, утверждавшие, в отличие от героического характера итальянского Возрождения, значительность простых людей, обыденных условий их жизни.

Гентский алтарь (Гент, церковь св. Бавона), созданный братьями Губертом и Яном ван Эйками, представляет собой слияние строгого религиозного чувства с радостным восприятием земной красоты.

Неподражаемым мастером Северного Ренессанса был Иероним Босх (1450-1516), в картинах которого средневековый аллегоризм и мистицизм уживается с изображением конкретной действительности, здоровым народным чувством: «Корабль дураков», триптих «Сад наслаждений», «Св. Антоний». Не случайно некоторые считают этого художника предтечей сюрреализма XX столетия.

Кульминация Возрождения в Нидерландах – это творчество Питера Брейгеля Старшего, прозванного Мужицким (1525-1569). Благодаря окончательно складывается пейзаж как особый жанр европейской живописи (цикл «Времена года»), получает развитие жанровая живопись («Крестьянский танец»), по-новому раскрываются религиозные темы («Вифлеемское избиение младенцев»). С исключительной символической силой рисует художник трагическую историю пяти слепых калек, которые, не догадываясь, что с ними происходит, друг за другом срываются в овраг, увлекаемые таким же слепым вожаком («Слепые»). В безобразных лицах и телах этих персонажей, их нелепой участи звучит тема бренности всякой человеческой судьбы, людского неведения и вместе с тем жалости и сострадания.

Высший подъем Возрождения в Германии приходится на первую половину XVI в. - время Крестьянской войны и Реформации, развития гуманизма, что обусловило особо тесную связь творчества А. Дюрера, Г. Гольбейна, М. Нитхарда, скульпторов П. Фишера, Т. Рименшнейдера, А. Крафта, немецкой агита­ционно-сатирической графики с политической и идеологической борьбой того времени.

Альбрехт Дюрер (1471-1528) воплотил в себе все достоинства ренессансного мастера: он был и живописцем, и гравером, и математиком, и инженером. Постоянно и много учась у итальянских и античных художников, Дюрер создал глубоко национальные по духу образы, разработал собственный язык – философичный, аллегорический, детальный и красочный. Самыми значительными гравюрами этого автора являются три: «Всадник, смерть и дьявол», «Св. Иероним» и «Меланхолия», которые удивительно точно воспроизводят атмосферу времени, в котором мрачно-драматичные ноты Средневековья перекликаются с жизнеутверждающими темами веры в разум, благородство человеческой натуры. В портретах и автопортретах Дюрера воссозданы типические образы гуманистов-современников: Эразма Роттердамского, ван Орлея и самого Дюрера. Величавостью и монументальностью преисполнено последнее произведение мастера – «Четыре апостола», где дается высокая оценка человеческому духу и звучит надежда на достойное будущее земных людей. Теоретическое наследие А. Дюрера – его трактаты «Руководство к измерению», «Учение о пропорциях человеческого тела», «Об укреплении и защите городов».

Прекрасным портретистом был немецкий живописец Ганс Гольбейн Младший (1497-1543). Его работы всегда точны и рационалистичны и поэтому практически не связаны со средневековой традицией. Они посвящены как соотечественникам, так и известным представителям Англии, где он работал при дворе Генриха VIII («Томас Мор», «Сэр де Моретт», «Генрих VIII»).

Замыкают Возрождение в Германии художники Альбрехт Альтдорфер и Лукас Кранах, которые прославились тонким и лиричным изображением природы. Религиозные произведения Л. Кранаха насыщены мягким лиризмом и утонченностью идеализированных образов (Мадонны) и предваряют наступление маньеризма.

Во Франции, где Возрождение совпало с развитием портрета (живописного, карандашного и скульптурного) государствен­ных деятелей и с монументально-декоративной скульптурой для дворцов и церквей, творили виднейшие представители французского Возрожде­ния: Ш. Фуке, семья Клуэ, скульпторы М. Колумб, Ж. Гужон, Ш. Пилон.