Концептуальное искусство

Еще в 1961 г. Герберт Флинт писал, что материалом концепту­ального искусства, прежде всего, является концепция, как мате­риалом музыки — звук.

Концептуализм — международное художественное движение 1960-1970-х гг., представители которого утверждали, что идея произведения имеет большее значение, чем ее визуальное изо­бражение.

Крупные представители концептуализма: Джон Хиллиард (1945), Ив Клейн (1928-1962), Джозеф Кошут (1945), Йозеф Бойс (1921-1986), группа Art/Language (группа из 7 художни­ков), Сол Левитт (1928), Роберт Моррис (1931), Эдвард Руша

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

(1937), Брюс Науман (1941), Элио Оитисика (1937-1980), Кики Смит (1954), Лоуренс Вайнер (1942), Дуглас Хьюблер (1924— 1997), Он Кавара (1933), Феликс Гонсалес Торрес (1957-1996), Джон Бальдессари (1931), Ганс Хааке (1936).

Концептуализм бросает вызов традиционному статусу произ­ведения искусства, предназначенного для коллекционеров и продажи. Главный вклад концептуализма в мировую художест­венную практику — распространение представления о том, что искусство может быть эстетическим опытом, структурирован­ным через усилия художника. То есть «подлинным» произведе­нием искусства является не физический объект, производимый художником, а некие концепции или идеи.

Сама идея, даже если она не нашла воплощения в визуальной форме, уже является произведением искусства, законченным художественным продуктом. Материальная вещь, выставленная в музее или галерее, рассматривается лишь как инструмент для передачи идей, значений или как средство отсылки к событиям, либо ситуациям, происходящим в определенный отрезок време­ни, обусловленным пространством самой презентации.

Концептуалисты оперируют понятиями и стремятся к «дема­териализации» творческого процесса, отказываются от привыч­ных материалов, используют вербальные способы выражения, математические выкладки, достижения теории информации, точ­ных наук, семиотики.

Поскольку произведение искусства не имеет традиционной формы бытования, оно требует и более активной ответной реак­ции зрителя, а в некоторых случаях концептуальные произведе­ния существуют лишь при ментальном участии зрителя. Кон­цептуалисты используют как средство коммуникации предметы из повседневной жизни, фотографии, карты, диаграммы, звуча­щие кассеты, видео и особенно сам язык.

Концептуальное искусство достигло своего апогея в 1966-1972 гг. В 1960-е гг. концептуализм получил распространение в Сан-Диего, Праге, Буэнос-Айресе, Нью-Йорке. Термин появил­ся в 1967 г., но ранние проявления концептуализма усматривают в «реди-мэйд» Марселя Дюшана. В своем главном труде «Искус­ство после философии» известный американский концептуалист

Джозеф Кошут писал, что реди-мейд Дюшана — «революция» от «видимости» к «концепции» и таким образом является началом современного искусства и истоком концептуализма.

Концептуальное произведение может быть идентифицирова­но в одной из четырех форм.

«Реди мейд» — термин, изобретенный Дюшаном для предме­та, взятого из повседневной жизни, названного «произведени­ем искусства», отрицающего уникальность арт-объекта и не­обходимость применения в том или ином виде ручного творче­ского процесса художника.

2. Вмешательство — когда какое-то изображение, текст или вещь
помещают в непривычный контекст, таким образом концен­
трируя внимание на этом контексте (музей или улица).

3. Документация — когда актуальное (современное) произведе­
ние или акция может быть представлено лишь как свидетель­
ство: в виде записей, карт, графиков, разговоров или, чаще,
в фотографиях.

4. Слова — когда концепция, предложение, исследование пред­
ставлено в лингвистической форме.

Пример формы «вмешательство» — проект доски для афиш и объявлениий американского художника Феликса Гонса-леса Торреса: фотография пустой двуспальной кровати со смятым бельем демонстрировалась на 24 досках для афиш в разных местах Нью-Йорка. Кровать на фотографии не имела конкретной привязки. Но для прохожего могла означать мно-

гое, в зависимости от обстоятельств. Она говорила о любви и отсутствии. Прохожие видели подобное, уходя на работу - утром. Необычно интимное изображение демонстрирова­лось там, где все могли его видеть. И контекст, в который его поместили, становится усложненным и решающим для его значения. Возможно, очень немногие прохожие знали, что это была работа Гонсалеса. И тогда они могли предполагать, что это кровать Гонсалеса и делать соответствующие умо­заключения.

Работа «Один и три стула» (i 965) известного американского концептуалиста Джеймса Кошута — пример формы «доку-

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы искусства

ментация», где настоящей работой является концепция,

рассуждение на тему: «Что такое стул? Как мы себе пред­ставляем стул?» И, соответственно, побуждает к размышле­нию на тему: «Что такое искусство? Что такое изображение?» Подобное утверждение кажется тавтологией: «Стул — это стул — это стул», как если бы мы заявляли, что «Искусство — это искусство — это искусство». Три элемента в работе Ко-

шута — фотография стула, настоящий стул и определение стула — дополняют ответ на поставленные выше вопросы:

обычный стул, определение из словаря и даже фотографию Кошут не делал сам, то есть художник не прикасался к своей

работе.

Если концептуальное искусство скорее начинается с опреде­ления «Что такое искусство?», нежели с выявления специфиче­ского средства или стиля, тогда оно может заканчиваться пред­положением: «Это могло быть искусством», если искусство представлено как предмет, образ, перформанс или идея, обнару­женная другим способом.

Симптоматично, что не существовало общепринятого терми­на для характеристики концептуального искусства, хотя можно назвать много определений концептуализма и концептуалистов. Лучшая формулировка концептуализма принадлежит известно­му американскому критику Люси Липпард: «Концептуальное ис­кусство означает творчество, в котором идея имеет первостепен­ное значение, а материал — вторичное: легкий, эфемерный, деше­вый, непретенциозный или дематериализованный»¹.

Концептуальное искусство было реакцией на выродившийся в формализм модернизм, сосредоточившийся исключительно на формах и стилях. Модернистское искусство стало использовать утонченный и герметичный дискурс. А концептуальное искус­ство было открыто философии, лингвистике, социальной науке, поп-культуре. Концептуальное искусство не только дает ответы на вопросы по поводу арт-объектов: «Почему это относят к ис­кусству? Кто такой художник? Что такое контекст?», — но и со­средоточивает внимание как на самом концептуальном произве-

¹ LippardL. Conceptual art. — New York, 1995. — P. 45.
дении, так и на тех, кто рассматривает произведение, читает о нем. Кто они? Что собой представляют?

Разные виды Концептуальное искусство можно разде-

концептуализма лить на семь категорий: серийные работы; скульптуры в стиле «антиформа»; работы, основанные на языке и теории; монохромные картины; произве­дения, основанные на «вмешательстве»; произведения, в кото­рых используется поэтический подход к «реди-мейд», и произве­дения, отождествляемые с «арте повера» («бедное искусство»).

К серийному творчеству относят работы Сола Левитта. В 1967 г. он опубликовал «Параграфы по концептуальному искусству» с многозначительной фразой: «Идея становится машиной, кото­рая создает искусство». Его рисунки основаны на математиче­ской идее. В «Четырех цветных рисунках» (1970) использовано 4 цвета и 4 типа линии. С 1968 г. Левитт начал создавать рисунки на стенах. Причем не сам. Их выполняли ремесленники по его инструкциям: 10 тысяч сделанных наугад прямых линий. Их изо­бразил один ремесленник (1000 линий в день в течение 10 дней) с использованием 4 цветов. Специфическая особенность такого искусства в том, что оно лишено иллюзионизма живописи, его нельзя продать или заказать новую работу. Это временное ис­кусство.

Некоторые концептуалисты занимаются осуществлением под­счета в своих произведениях. Польский художник Роман Опалка с 1965 г. делает одно и то же: пишет белым на сером фоне серии чисел от 1 до бесконечности. К 2001 г. он достиг 4 млн.

По-своему одержим числами японец Он Кавара. В 1971 г. он создал 10-томную книгу, в томах которой перечислены одна за другой даты за последний 1 миллион лет.

4 января 1966 г. он начал писать свои «датированные» карти­ны. Каждая состоит из «даты» создания работы, написанной на монохромном фоне. Он создавал по три картины в день. Если не успевал закончить картину до полудня, уничтожал ее. Картины выполнены очень тщательно, состоят из 4-5 слоев, лишенных индивидуального почерка. К 1991 г. он сотворил уже около 2 тыс. подобных картин. Они продавались в ящи-

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы искусства

ках, в каждый была вложена страница из местной газеты с датой написания картины.

Таким образом, благодаря картинам можно было обнару­жить, где находился Он Кавара в тот или иной день. И все же

он всегда оставался анонимным — не фотографировался, не давал интервью, не посещал своих выставок. В 1969 г. худож­ник послал своему другу телеграмму: «Не беспокойся, я не собираюсь совершать самоубийство». С тех пор он периоди­чески отправлял друзьям телеграммы с загадочным посла­нием: «Я еще живой». Вместе с работами часто выставля­лись его книги: «Я читаю» — коллекция вырезок из газет, «Я встречаюсь» — список людей, с которыми он встречался, «Я выходил» — список мест, в которых он бывал. Датирован­ные картины Он Кавары — своеобразная форма медитации.

В скульптуре того времени делался акцент на материалах и про­цессах. Их можно описать как «антиформу», процесс, постмини­мализм. «Я не концептуальный художник, — отмечал Карл Анд-ре, — потому что у меня нет идей в искусстве, есть лишь жела­ния»¹. Его интересовали не абстрактные идеи, но осознание опыта своего бытия в мире.

Антиформа, или акцент художников на процессе, а не на ко­нечном результате, во многом является реакцией на формализм в искусстве, ориентированном на лингвистические методы. В этот период многие художники начали оставлять в галереях груды земли, необработанных мотков проволоки, кучи сена, груды гру­бых и фрагментированных камней.

Ричард Лонг создавал простые линии и круги на полу гале- рей, сделанные из грязи и прутьев: Рафаэль Феррер сделал работы из льда и листьев так, что неизбежная гибель скульп­туры способствовала скорее акцентированию внимания на процессах, происходящих с материалами, нежели на самом творческом акте.

Что представляет собой искусство «как концепция, исключа­ющая все остальное»? Имеются в виду работы, основанные на языке, но как нужно было представить эти слова в произведени-

¹ Morgan R. С. Art into ideas: essays on conceptual art. — New York, 1997. — P. 35.

ях? С тонкой иронией в 1967 г. Джон Балъдессари сделал серии работ, в которых анекдоты или эпиграммы про живопись были написаны на холсте профессионалом, специалистом по подпи­сям. Бальдессари больше не «писал» картины сам, но презента­ция всегда была частью его искусства. Тем не менее, если живо­пись была необходима для обогащения значения произведения, то он использовал ее. А Джозеф Кошут рассматривал живопись как «вид отравы», которую концептуальный художник должен избегать.

Излюбленная тема Эдварда Руши — клише и знаки торговых фирм, воспроизведенные с помощью букв в технике, заимство­ванной из рекламы. Стремясь к максимальному упрощению и доступности своих знаков, он полностью отказался от живопис­ного жеста. Некоторые его работы состояли из одного слова — «Димпл», «Джеллибизнес».

Использование Поначалу роль фотографии в концептуаль-
фотографии ном искусстве сводилась к документиро-

в концептуальном ванию акций и перформансов. Оригиналь-
искусстве ная книга Брюса Наумана «Маленькие го-

рящие огни» (1967) состояла из серии фо­тографий художника, сжигающего копию работы Эдварда Руши «Различные маленькие огоньки и молоко». В ранних фотографиях концептуалистов камера использовалась как записывающее уст­ройство. Но постепенно художники стали применять фотогра­фию иначе. Дуглас Хьюблер заметил, что перед фотокамерой у людей возрастало самосознание.

В своем грандиозном архивном утопическом проекте «Пьеса с вариациями» он собирался «задокументировать» каждого прохожего. Он давал людям один из 80 случайно выбранных знаков с написанным на нем клише и фотографировал, снаб­жая снимки разными подписями, например: «Человек, кото­рый всегда оставляет за собой последнее слово». Это остро­умное пародирование научных ритуалов.

Англичанин Джон Хиллиард начинал как скульптор. Но мно­гие его скульптуры были настолько эфемерными, что важно бы­ло их «задокументировать» с помощью фотоаппарата. И он стал

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы искусства

делать скульптуры лишь для того, чтобы их сфотографировать. А затем начал заниматься исключительно фотографией, осу­ществляя систематический анализ того, как камера делала значи­мым то или иное изображение, исследуя все механизмы съемки.

Концептуальные художники во всем мире задавали вопросы об идее искусства и стремились интерпретировать цели искус­ства в более широком контексте. Они переосмыслили возмож­ности искусства посредством исследования социополитическои реальности, в которой мы живем.

Концептуальная форма искусства из-за своей относительной неформальности очень привлекала художников, ибо она пред­полагала более непосредственное вовлечение публики. С «дема­териализацией» артобъекта на первый план выдвигается язык, предоставляющий открытое пространство, где искусство могло пересекаться с другими сферами.

Благодаря языку, искусство и художники вошли в более жиз­ненный контакт с обществом. Среди других течений концепту­альное искусство было самым гибким, обращавшимся к разным дисциплинам: лингвистике, философии, социологии, этике, ло­гике, театру, истории, политологии, музыке, восточным религи­ям и поэзии. Междисциплинарный подход, использование по-литконтекста придает концептуализму специфический харак­тер и большой вес в современной культуре.