Информальная живопись (лирическая абстракция), или ташизм

Фундаментальная тенденция информальной живописи получи­ла развитие на Западе с 1944 г. В движение входили многие ху­дожники из разных стран. Информалисты стремились к введе­нию каллиграфических знаков, к лирическим сюжетам, часто реализованным в жестуальных техниках¹, как и аналог информа-лизма в США — абстрактный экспрессионизм. Информальное искусство — истинно европейский стиль.

Жестуальная живопись — близкий синоним «живописи действия», но чаще используется применительно к американской живописи. Термин не только напоминает о действиях художника во время живописания, но также свиде­тельствует и об эмоциях художника, его жестах в момент творческого процесса. Термин «жестуальный» применяется к живописи, в которой особенно под­черкивается визуальная чистота и манера применения краски. Иногда термин используется и как синоним для информального искусства, или ташизма.

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы искусства

С 1933 г. Ганс Гартунг являлся предшественником жестуаль-ной живописи. Он придавал линии специфический характер пси­хического сейсмографа. Термин «таишзм» с 1954 г. ввел фран­цузский критик Шарль Эстьен, чтобы охарактеризовать после­военную лирическую европейскую абстракцию и отличить ее от геометрической абстракции.

Характерный пример жестуальной живописи — творчество француза Анри Мишо. Но настоящим европейским двойником Джексона Поллока был представитель информальной живопи­си Жорж Матье, который устраивал настоящие сеансы экстати­ческих спектаклей для публики. В присутствии зрителей он бы­стро заполнял холст закорючками, пятнами, точками.

Концепция ташизма тесно связана с информальным искусст­вом. Часто их не различают. В ташизме больший акцент делается на спонтанной игре пятен и пучков цвета, нежели на сознатель­ной организации цветовых гармоний как «знаков» или «жестов», выражающих эмоциональное состояние художника. С другой стороны, в информальном искусстве художники стараются рас­сматривать абстракцию как форму бессознательной каллигра­фии. В узком смысле слова ташизм — применение пятен цвета без всякого соотношения с сюжетом или темой.

Лирическая абстракция, или информальное искусство, отли­чается:

♦ ярко выраженным жестуально-информальным характером;

♦ специфическим воспроизведением реальности посредством
линии и цвета (лирический характер);

♦ применением абстрактных знаков или арабесок, свободно рас-
• положенных, напоминающих каллиграфические знаки или вос­
точные картины;

♦ использованием значков или пятен, спонтанно нанесенных;

♦ свободой от схем;

♦ ограниченным использованием цвета, почти ахроматиче­
ского;

♦ импульсивной, абсолютно спонтанной реализацией;

♦ отсутствием задуманного плана.

Наиболее значительными представителями данного направ­ления являются художники Ганс Гартунг (1904-1967), Жорж Матъе (1921), Анри Мишо (1899-1989), Мария Виейра да Сильва, Вольс (1913-1951), Карл Аппель (1921-2005).

Поп-арт (популярное искусство)

Поп-арт возник в США и Великобритании около 1955 г. и стал типичным стилем 1960-х гг. Термин «поп-арт» впервые исполь­зовал критик Лоуренс Элоуэй в 1954 г. для определения творче­ской деятельности по созданию рекламы, промышленного дизай­на и комиксов в иллюстрированных журналах.

В Англии поп-арт зародился в группе художников, архитекто­ров, исследующих городскую культуру и современные техноло­гии. Ключевые фигуры — Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоц-ци. Вдохновляясь творчеством Дюшана, современной американ­ской культурой, они создавали коллажи, используя образность из рекламы промышленных изделий и печати. В 1956 г. члены «независимой группы» (куда входили Гамильтон, Паолоцци и другие художники) участвовали в выставке «Отзвуки завтрашне­го дня» в Лондоне, где демонстрировались сильно увеличенные изображения звезд и кадры из фильмов. После выставки в груп­пу вошли новые члены: Д. Хокни и Р. Б. Китаж. В 1961 г. они уст­роили выставку и объявили о появлении британского поп-арта.

Иконой поп-арта стала картина Гамильтона «Так что же дела­
ет наши жилища такими особенными, такими привлекатель­
ными?». В ней останавливал внимание мускулистый культу­
рист, прикрывающий наготу огромным леденцом на палочке,
и хорошенькая актриса, занятая косметическими процеду­
рами. Новоявленные Адам и Ева — «реальная аллегория»,
нацеленная на будущую инвентарную опись модернистской
цивилизации. Образная концепция Гамильтона — ирониче­
ское изображение Рая. Если посмотреть в верхнюю часть
картины, то оказывается, что идеальный интерьер — рас­
крытая вверх декорация, где на месте потолка парит Зем­
ля — фрагмент съемки из космоса.

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

В США поп-арт возник как реакция на доминирующий абст­рактный экспрессионизм. Авангардисты середины 1950-х гг. стре­мились создавать произведения, понятные, доступные, доставля­ющие удовольствие широкой публике, как противовес элитарной культуре. «Я — за искусство, которое развевается, подобно фла­гу, или помогает сморкаться, как носовой платок», — писал Кла-ас Ольденбург ¹

Поп-артисты продолжают традицию дада в своем уподобле­нии произведениям искусства любых материалов, делая несуще­ственными всевозможные границы и нормы. Муляж предлагает­ся вместо скульптуры, ряды бутылок кока-колы — вместо живо­писного изображения.

Создаются произведения из отходов. Поп-артисты использо­вали образы из рекламы, комиксов, мультфильмов, обращались к предметам и материалам из повседневной жизни. Они пере­осмысливали в живописи в холодной и имперсональнои манере образы масс-медиа, от американских флагов Джаспера Джон­са до бутылок кока-колы Энди Уорхола, комиксов Роя Лихтен­штейна и кинематографических «раскруток» Джеймса Розен-квиста.

Итак, художник поп-арта документирует в детализированной манере поп-культуру Америки, трансформируя в знаковые изо­бражения самые знаменитые образы и символы, предлагаемые масс-медиа.

Явное безразличие к формальным, качественным аспектам предлагаемых сюжетов, интерес к предметам тривиальным, а не эстетическим позволяет рассматривать поп-арт как «новый да­даизм». Но в поп-арте полностью отсутствует любой намек на критическую позицию.

Главная заслуга поп-арта — смелое документирование процес­сов, происходящих в массовой культуре, и прослеживание из­менений ценностей в потребительском обществе. Эти изменения заключались в предпочтении ценностей, связанных с потребле­нием материальных вещей. Проецирование общих идеалов на ценности изображения в этом случае предстает как видимость.

¹ Rose В. Claes Oldenburg. - New York, 1976. - P. 23.

В подобной ориентации обнаруживается стремление иден­тифицироваться с новыми мифами и идолами. Мифы, явно со­зданные рекламой и масс-медиа, проецируемые на обывателей, нуждаются в их трансформации для потребителей, испытыва­ющих все большую жадность к материальным благам. Американ­ские поп-артисты, прославляющие прекрасные, дешевые, всем доступные товары, тем самым прославляли социальное равенст­во. «Все бутылки кока-колы одинаково хороши», — говорил Уор-хол. Создаваемые поп-артистами образы сразу узнаваемы: зна­менитости, консервы, занавески для душа. В работах поп-арти­стов ящики, флаги, настоящие консервные банки сочетались в комбинациях или ассамбляжах с рисованными элементами, с ис­пользованием газетных вырезок, журнальных иллюстраций.

В «Комбинациях» Роберта Раушенберга живописные изобра­жения сочетались с настоящими предметами. Образность Роя Лихтенштейна связана исключительно с комиксами. Среди поп-артистов именно ему в наибольшей степени удается сотворить незабываемую манеру, которой он останется верен до последне­го периода. Сильно увеличенные образы из комиксов, предла­гаемые им, как в зеркале отражают появившуюся у американцев потребность окружить себя новыми предметами, образами, во­площавшими мечты о несостоявшейся жизни.

Это был новый способ «осквернить» искусство приемами из низшей культуры. Лихтенштейн блестяще владел техникой ис­полнения, поэтому образы в его картинах никогда не выглядели банальными. В дальнейшем он обогащает свое искусство, когда пересматривает творчество всех крупных художников и главные Движения XX в.: от кубизма, футуризма, экспрессионизма до «жи­вописи действия». Его художественная концепция считается од­ним из самых оригинальных проявлений американской культу­ры после Второй мировой войны.

Характерные Поп-арт возник на основе дадаизма (реди-
особенности мейд Дюшана и коллажи Курта Швиттер-
поп-арта са), популярной и массовой культуры, про-

паганды, рекламы и общества потребления. Основными особенностями поп-арта можно считать:

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы искусства

♦ отказ от стилистики абстрактного экспрессионизма pi стрем­
ление вступить в контакт с миром и предметной реальностью;

♦ фигуративный и реалистический язык, отсылающий к обыча­
ям, идеям современного мира;

♦ тематику, заимствованную из урбанистической среды больших
городов в социальных и культурных аспектах: комиксы, жур­
налы, периодические издания, колонки сенсаций, фотографии,
рекламные объявления, кино, радио, телевидение, народные
зрелища, элементы общества потребления (продукты, маши­
ны, дороги);

♦ отсутствие критической позиции: темы придумывались как
мотивы, свидетельствующие о «делании» живописи;

♦ нетрадиционную живописную трактовку формы (хотя язык
фигуративный и воспроизводит реальные предметы, он не
концентрируется исключительно на формальных особенно­
стях, а сочетает их с абстрактными, двусмысленными элемен­
тами благодаря использованию знакомых и легко узнаваемых
изображений);

♦ невыразительное воспроизведение (преимущественно фрон­
тальное и повторяющееся);

♦ сочетание живописи с настоящими предметами, интегриро­
ванными в композицию произведения («комбинации» Рау-
шенберга): пластмассовые цветы, бутылки, символы промыш­
ленной технологии;

♦ новый дадаистский подход в соответствии с новыми времена­
ми («неодадаизм»);

♦ предпочтение отсылок к социальному статусу, к славе, к на­
силию, катастрофам (Э. Уорхол), сексуальности и эротике
(Т. Вессельман), знаниям промышленной технологии обще­
ства потребления (Э. Руша, Р. Гамильтон);

♦ формы и форматы в натуральную величину и укрупненные
(большие изображения героев комиксов у Лихтенштейна);

♦ стилизованную иконографию со схематичными формами, пла­
нами, объемами;

♦ чистые, сверкающие цвета, заимствованные из мира промыш­
ленной продукции и предметов потребления.

Наиболее известные художники этого направления в США — Роберт Раушенберг (1925), Джаспер Джонс (1930), Эд Руша (1932), Мел Рамос (1935), Рой Лихтенштейн (1923-1997), Энди Уорхол (1928-1987), Джеймс Розенквист (1933), Том Вессельман (1935); в Великобритании — Дэвид Хокни (1937), Аллен Джонс (1937), Ричард Гамильтон (1935), Джим Дайн (1935), Питер Блейк (1932).

В Италии поэтикой поп-арта вдохновлялись Валерио Адами, Альдо Мондино, предлагая варианты, связанные с национальной фигуративной культурой.

Король поп-арта Трудно назвать другого художника, кото-
Энди Урхол рый бы сразу отождествлялся с поп-артом

так, как Энди Уорхол (1931-1987), прозван­ный королем поп-арта. Он внес огромный вклад в мировую культуру. И не только как художник. Уорхол является перво­классным хроникером, антропологом, музеологом, коллекцио­нером, музыкальным антрепренером, издателем журнала, гра­фическим дизайнером и скрупулезным документалистом своего времени.

Происходящий из семьи восточно-европейских иммигрантов, Уорхол рано понял, как научиться выживать в мире, руковод­ствуясь жесткими правилами, которые он применял в своем ис­кусстве. И очень быстро выходец из рабочей семьи стал амери­канской легендой.

Определяющие работы Уорхола — «Мэрилин», «Знак долла­ра», «Банка супа "Кэмпбелл"», «Мао» — позволяют понять самую суть поп-арта, заключающуюся в уравнивании всех вещей, в мо­нотонном повторении одного образа. Быть одним из всех — один из принципов Уорхола. На его шелкографиях (он блистательно владел этой техникой, усовершенствовал ее)¹ не существует раз­личий между портретом Жаклин Кеннеди, изображениями дол­лара, гамбургера, статуи Свободы. Как не существует границ меж-ду искусством и жизнью, с подачи короля поп-арта. И почти все

Шелкография — уникальный способ нанесения изображения на различные поверхности и материалы. Такого большого разнообразия типов красок, как в шелкографиях, нет ни в одном другом печатном процессе.

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы искусства

его изображения — картины. Они не требуют интеллектуально­го осмысления и рассказывают о власти товарного фетишизма.

Оригинальна и концепция портрета Уорхола: все портреты не написаны, а воссозданы по фотографиям путем перевода момен­тального снимка фотомеханическим способом на холст. Его пер­сонажи превращались в идеальные модели без недостатков, без морщин, жившие своей жизнью, словно воплощающие чувства, переживаемые всей нацией.

Уорхола интересует проблема восприятия информации и по­тери к ней интереса в массовой психологии. Он анализирует эф­фективность повторения известий об автомобильной аварии, казни на электрическом стуле, о Монро и Че Геваре, увиденные в газете, кино. Он изучает, как эта информация в образах пере­ворачивается в подсознании, упрощается и превращается в зри­тельные штампы. И тогда он находит некие лаконичные опозна­вательные знаки, узнаваемые для всех, — красное пятно обозна­чает губы Монро, черное пятно — бороду Че.

Уорхол родился в 1928 г. в Форест-Сити в Пенсильвании, в се­мье иммигрантов из Словакии. Отец работал на рудниках в Пен­сильвании. Уорхол рано проявил свой художественный талант. Он изучал коммерческое искусство в Университете Карнеги Меллон в Питтсбурге. В 1949 г. он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру в иллюстрированных журналах «Гламур», «Харперс базар». Работал также для коммерческой рекламы. Он получил известность, прежде всего, за рисунки обуви тушью в свободной и причудливой манере. Вскоре он приобрел извест­ность в Нью-Йорке как один из самых удачливых коммерческих иллюстраторов.

В 1952 г. состоялась первая персональная выставка Уорхола в галерее Ньюго в Нью-Йорке. В 1956 г. он впервые осуществил путешествие по миру: Япония, Камбоджа, Индия, Египет, Ита­лия.

Когда Уорхол начал заниматься живописью, некоторые худож­ники, отказавшись от абстрактного экспрессионизма, уже экспе­риментировали с поп-артом. Ему надо было найти свою нишу. Комиксы уже использовал Рой Лихтенштейн, типографские зна­ки — Джаспер Джонс. Энди хотел особенного сюжета. Друзья

посоветовали ему писать то, что он любит. Для первой персо­нальной выставки Уорхол написал «Коробки супа "Кэмпбелл"», ставшие его визитной карточкой. Этот суп он ел на ланч боль­шую часть жизни.

Он любил деньги, знаменитостей и стал их писать. Другой критерий для отбора сюжетов — они должны были воплощать философские понятия и метафизические свойства. Частично творчество Уорхола было средством зарабатывания денег, обес­печения его успехом и славой. В начале своей карьеры он ис­пользовал материалы, воплощающие американский образ жиз­ни и ценности: вырезки из газет, коммерческие продукты, бу­тылки кока-колы, почтовые марки. Когда он получил признание, то вернулся к своим истокам и стал выполнять заказы, в основ­ном потреты: атлеты, кинозвезды, политики, члены королевской

семьи.

К Уорхолу, непредсказуемому эстету, после его большого ус­пеха стекалось много людей, и он создал в 1962 г. фабрику, став­шую «Меккой» богемной молодежи. Здесь он использовал доволь­но хаотическим образом труд «рабочих искусства», чтобы обес­печить массовое производство, главным образом, плакатов и по­стеров, но также и предметов (например, обувь), нарисованных художником.

Шелкография была любимой техникой художника, как самая близкая к его идее распространения искусства. С 1962 г. он ис­пользовал технику шелкографических изображений на холсте, применял коммерческие трафареты и фотографии. Модели при­ходили в студию-фабрику Уорхола, где художник делал серию этюдов, используя полароид. Он выбирал одну фотографию, увеличивал ее и помещал шелкографическое изображение на холст, используя разные методы.

Творческая атмосфера фабрики трансформировала традици­онное понятие студии художника. Фабрика рождала ощущение непрерывного карнавала, где обсуждали показ мод, снимали филь-мы, экспериментировали, где царил дух свободы. Ассистенты Уорхола помогали снимать фильмы, писали его книги. На фаб­рике он сделал 300 экспериментальных андерграундных филь­мов, очень странных и даже порнографических.

Часть 1. Изобразительное искусство Европы и США

Живопись и новые формы.искусства

Уорхол работал с широким кругом изобразительных техник: живопись, рисунок, скульптура, фотография. Он также был пло­довитым создателем фильмов. Между 1963 и 1968 гг. он снял бо­лее 60 фильмов. Самый популярный и успешный, с критической точки зрения, фильм — «Девушки из Челси» (1966), новаторский, состоявший из двух 16-миллиметровых фильмов, проецируемых одновременно.

В июле 1968 г. в Уорхола три раза стреляла Валерия Соланис. Он чудом избежал смерти. После попытки убийства произошел радикальный поворот в процессе создания им произведений ис­кусства. Большую часть времени Уорхол тратил на создание ин­дивидуальных портретов богатых и влиятельных людей (Мик Джаггер, Майкл Джексон, Бриджит Бардо). Уорхол стал изда­вать журнал «Интервью». В 1975 г. он опубликовал книгу «Фи­лософия Энди Уорхола», в которой описал свое искусство так: «Делать деньги — искусство, и работа — также искусство, а хоро­ший бизнес — лучшее искусство»¹.

В процессе своей 40-летней деятельности Уорхол из коммер­ческого художника превратился в радикального новатора. Он сыграл важную роль в превращении художника в ведущую фи­гуру в американском обществе. Наследие Уорхола — за предела­ми им произведенного. Оно включает утверждение творческой свободы, которую он поощрял в других. Новаторским было за­явление Уорхола, что бизнес был наилучшим типом искусства, ведь ранее художники представали вспыльчивыми, ранимыми индивидуалистами, визионерами, аутсайдерами. Они никогда не являлись частью общества. Их позиция состояла в убежден­ном идеализме, основанном на вере в силу таланта.

Уорхол и другие поп-артисты помогли сформулировать новую позицию художника как профессионального, коммерческого твор­ца, популярного, являющегося логической и ценной частью об­щества. Они использовали методы и образность, доступные для всех. Возможно, это самый значительный результат поп-арта: фи­лософское и практическое введение искусства в общество, пони­мание искусства как продукта общества.

¹ Gidal P. Andy Warhol: films and paintings. -New York, 1991. — P. 32.