Создание советской оперы

Если оперный театр России ко времени Октябрьской рево­люции достиг небывалого расцвета, то сама русская опера как жанр переживает период исканий. Многие называют этот пе­риод кризисом оперы. Вслед за последними операми Римского-Корсакова в русской музыке не создаются оперы, подобные классическим образцам, которыми была так богата вторая по­ловина XIX века. Уже не создаются монументальные оперы, поднимающие большие общественные проблемы. Опера сосре­доточивается главным образом в области изображения интим­ных переживаний героев, она идейно мельчает. Наблюдается тенденция к миниатюризации, к камерности. В отличие от рус­ских композиторов XIX века, многие композиторы XX века, в том числе наиболее талантливые ученики Н. Римского-Кор-сакова А. Лядов, А. Глазунов, М. Штейнберг, не пишут опер. В творчестве С. Танеева и С. Рахманинова оперы не занимают значительного места. Оперы А. Аренского, М. Ипполитова-Ива-нова, А. Гречанинова не поднимаются до уровня классических. Поисками новых путей в опере отличаются первые оперы И. Стравинского и С. Прокофьева. Поисками нового стиля ха­рактеризуются оперные сочинения композиторов во всем мире.

Создание советской оперы явилось для советско­го музыкального искусства сложнейшей задачей. «Опера — это, — по выражению Б. В. Асафьева, — лаборатория стиля че­ловеческой интонации эпохи, в ней смыкаются в постоянном сопоставлении и соперничестве, при взаимном «недоверии» к эмоционально-выразительным качествам музыкальная и рече­вая интонации, словно две соперйичающие ораторские шко­лы» ⁱ. Каждая эпоха характеризуется своими, ей присущими, особенностями быта, ритма жизни, особенностями психическо­го склада человека, его языка, поэзии, музыки. Опера отра­жает эти особенности своими средствами. Основой оперного жанра всегда являлось пение, т. е. эмоциональное воспроизве­дение красивым певческим звуком мелодий, характеризующих настроения, переживания, события, происходящие на сцене. Б. В. Асафьев определяет оперное бельканто как «...превра-

¹ Б. В. Асафьев. Опера. «Советская опера». Сборник критических ста­тей. М., Музгиз, 1953, стр. 43.

3 Основы вокальной методики

щение гласных и согласных, ассонансов и ал итераций челове­ческой речи в мелодию — гениальное явление человеческого искусства, как метаморфозу управляемой дыханием интонации в эмоциональное длительное звучание, в волнующее нас своим душевным теплом пен и е, волнующее безоговорочно и глубо­ко человечно...» «Опера,— пишет он далее, — без вокальной ме­лодии немыслима, ибо у нее, образно выражаясь, «отлетает ду­ша», и никакой симфонически развитый, пышный и драматиче­ски чуткий оперный оркестр, при всех своих правах на эволю­цию, не может заменить непосредственное, безоговорочное обаяние человеческого голоса как выразителя эмоций персона­жей драмы, вокально-лирически выявляемой. Но без интонаци­онно осмысленной напевной речитации, в которой через различ­ные стилевые оттенки—от бытового говора и почти разговор­ной манеры до 'величавого и страстного риторского подъема выражают себя характеры действующих лиц, — опера тоже не­мыслима, так как у нее изымается гибкое, выразительное ка­чество: живая речь в ее музыкальной природе как средство раскрытия драматического содержания и сюжетной линии»¹.

Советская опера зарождалась и формировалась в сложной обстановке становления нового, социалистического строя. Путь ее был противоречив и полон исканий.

Перед оперой встала задача создания спектаклей на совре­менные темы. «Сложность заключалась в том, что на оперную сцену должны были выйти небывалые герои—революционеры-большевики, рабочие, крестьяне. Казалось, решение подобной задачи вступало в противоречие с природой оперного искусства. Понадобились годы напряженного труда и «еканий для того, чтобы, опираясь на общий политический и экономический подъ­ем страны, советская опера добилась первых успехов»².

Русская классическая опера оставила богатейшее.наследст­во-— сложившиеся традиции оперного жанра, но эти проторен­ные пути без творческого подхода к ним не могли привести к созданию советской оперы. Иные люди, иная динамика жизни, иной подход к оценке событий требовали нового музыкально-драматического раскрытия идейного содержания произведения. Невозможно было вложить^ новые чувства советского человека, советский быт в старые формы. И оперы, которые примитив­но, шаблонно использовали установившиеся традиции, не полу­чались сколь-либо убедительными. Поиск нового стиля в опере, нового интонационного строя, отражающего современность, шел различными путями. Создавались оперы, построенные на музы­кально-декламационном принципе, использовавшие агитацион­но-лозунговые приемы и отрицавшие песенное начало. Другие композиторы приближались в опере к ораториальному стилю.

¹ Б. Асафьев. Опера. Указ. изд., стр. 44.

театр. Л., «Музыка»,

² А. Г о з е н п у д. Русский советский оперный
1963, стр. 132.

Третьи же искали разрешения проблемы нового стиля в разра­ботке формально логических музыкальных построений, в услож­нении выразительных средств. Их оперы получались рациона­листичными, схоластическими, оторванными от жизни и отли­чались вычурностью музыкального языка. Старые формы не удовлетворяли, а новые еще не были найдены.

Создать полноценный революционный спектакль, отразить в нем современные события пока не удавалось. Еще не были найдены особенности музыкального языка, в которых получили бы свое отражение пульс современной жизни, характерные ритмы, интонации. Не было той палитры красок, которыми должен свободно располагать художник для того, чтобы создать глубоко современное произведение.

«...начать всегда трудно,—замечает Б. В. Асафьев,—ибо у инициаторов новых художественных устремлений еще нет под руками того, что называется рутинной техникой, и пото­му многого, — и именно, что еще непривычно, не можешь вы­сказать» *.

Большую помощь в задаче возрождения героического стиля оперного спектакля, а только такой спектакль мог быть созву­чен величию современных событий, и показа новых, советских людей, типических характеров, сформированных Октябрьской революцией и новой социалистической эпохой, советской музыке оказали постоянные направляющие указания партии и прави­тельства. Постановление ЦК ВКП(б) «О перестройке литера­турно-художественных организаций» в 1932 году, ликвидировав­шее «диктатуру» РАПМа, выправило путь советского оперного искусства.

К тридцатым годам советское оперное искусство проходит сложный путь развития, накопления опыта, что приводит в предвоенное десятилетие к появлению зрелых советских опер, являющихся заметными вехами в развитии оперного искусства.

Оперный театр и исполнительское искусство

Надо сказать, что русский оперный театр пришел к Октяб­рю, обладая крупнейшими исполнительскими силами и неся большую музыкальную, вокальную и сценическую культуру. К этому периоду относится зенит творчества таких замечатель­ных русских певцов, как Ф. Шаляпин, А. Нежданова, Л. Соби­нов, И. Ершов, В. Петров, И. Тартаков. Уже расцвело ма­стерство выдающихся певцов и певиц: К- Держинской, Е. Сте­пановой, Н. Обуховой, Е. Катульской, В. Барсовой, С. Мигая, Г. Пирогова, Л. Савранского, Н. Озерова.

Московская и Петербургская императорские оперы, театр

¹ Б. Д. с а ф ь е в. Опера. Указ. изд., стр. 57.

Зимина, Театр музыкальной драмы и крупнейшие оперные теат­ры периферии, например, в Киеве, Одессе, Тбилиси — имеют высококвалифицированные оперные труппы, музыкальное руко­водство которыми осуществляют замечательные музыканты—-В. Сук, У. Авранек, Э. Купер, И. Альтани, Н. Голованов и дру­гие. Режиссерское искусство в русской опере представлено име­нами В. Шкафера, П. Оленина, П. Мельникова, Ф. Ком.иссар-жевокого, В. Лосского, И. Лапицкого, Ф. Шаляпина, В. Мейер­хольда, А. Бенуа.

Реалистические традиции русской оперной классики и креп­кий, художественно зрелый основной состав крупнейших опер­ных трупп помогают опере не растерять своих исполнительских традиций, своего мастерства во времена модернистических увле­чений, которые характерны для первых двух десятилетий XX ве­ка во всем мире и в частности в России. Модернистические влияния, ставшие особенно сильными в эпоху реакции после революции 1905 года, не смогли пустить прочных корней на рус­ской оперной сцене. Хотя искания такого рода имели место, например, в Театре музыкальной драмы, где классику стара­лись осовременить, не считаясь с партитурой автора, но они не привились. И на императорской сцене крупнейшие мастера рус­ской национальной школы тения, всегда прочно стоявшие на позициях реализма, впитавшие его всем своим существом, ак­тивно сопротивлялись попыткам модернистической трактовки классических опер. Например, известна та оппозиция, с которой отнесся талантливый и чуткий ко всему новому И. Ершов, к формалистическим увлечениям В. Э. Мейерхольда в.постанов­ке оперы. Стиль оперных постановок того времени остается реа­листическим, верным традициям русской оперы и русского дра­матического театра. Репертуар русских оперных театров пред­революционных лет по-прежнему в основном составляют русские классические оперы и лучшие образцы зарубежных опер, в том числе музыкальные драмы Р. Вагнера. Наряду с этим включаются в репертуар оперы К- Дебюсси «Пеллеас и Ме-лизанда» и Рихарда Штрауса. Однако основным, формирую­щим исполнительский стиль началом является русская и зару­бежная классика, на которой и воспитывается оперная моло­дежь. Этот традиционный оперный репертуар остается на сцене советского оперного театра в первые годы после Октябрь­ской революции.

«Наследие русской оперной классики, которое оставалось здоровой основой репертуара, определяло собой все то лучшее, прогрессивное, те здоровые артистические искания, какие были гордостью русской оперной школы и на какие могла в известной мере опираться наша оперная традиция. Великие оперные про­изведения Глинки, Чайковского, Мусоргского, Бородина, Рим-ского-Корсакова, утвердившие силу и своеобразие русской опер­ной школы в различных жанрах не только продолжали

воспитывать русских артистов (разрядка моя.— Л. Д.), но и укрепляли.и расширяли прогрессивную, оплодотво­ряющую силу русского искусства за рубежом» ¹.

Оперному театру в сильнейшей степени свойственна сила тра­диции, которая может превратиться и в рутину, сковывающую новые прогрессивные тенденции развития искусства. С другой стороны традиция и некоторая косность, инертность оперы по­могает ей быть устойчивой к переходящим влияниям моды, к мелководным течениям в искусстве. Эти качества в известной степени помогли оперному театру преодолеть целый ряд отри­цательных влияний, которые на него оказывали в двадцатые годы последовательно Пролеткульт, АСМ и РАПМ. Пусть, как справедливо отмечает Б. В. Асафьев, академические театры первой половины двадцатых годов живут займами из прошлого, бед надежды на свежую струю, на возрождение и на планомер­ность в выполнении художественных заданий. На репертуаре этих лет, состоявшем почти исключительно из произведений рус­ской и западноевропейской классической оперы и популярных оперы Массне, Делиба, Пуччини, Леонкавалло вырастает плеяда замечательных певцов, которые осу­ществляют мост преемственности между рус­ской.и советской школами пения. Это живое связую­щее звено сыграло важнейшую роль <в формировании поколения молодых советских певцов.

Крупнейший оперный театр страны—Большой театр, оста­ющийся традиционным в отношении своего репертуара активно сопротивляется попыткам навязать ему постановки новых запад­ных опер, бережно хранит певческие традиции. В своей доклад­ной записке Главреперткому в 1927 году, режиссура театра пи­сала, что она не может принять к постановке предложенные новые западные оперы, так как «... упомянутые немногие оперы не дают певцам возможности применить пение в буквальном и исчерпывающем смысле слова. Принципы «атональности», «ре­читативности» и ряд новых архитектонических приемов.исклю­чают возможность удовлетворения как производственной массы, так и масс, воспринимающих вокальное творчество. Оперный театр — прежде всего театр для пения, и произвести в нем на­сильственный поворот от классического искусства к новым го­ризонтам — значит обескровить его»². Чутко и осторожно обновляя свой репертуар, Большой театр в эти годы ставит вы­дающуюся оперу С. Прокофьева «Любовь к трем апельсинам» и оперу «Декабристы» В. Золотарева. К постановке других опер советских композиторов он приходит в тридцатых годах, когда они обретают достаточную зрелость.

' В. Ф е р м а н. Оперный театр, стр. 310.

² Цит. по кн. А. Г о з е н п у д. Русский советский оперный театр, стр. 105.

Одной из трудностей в создании новой советской оперы бы­ло еще то, что театры сопротивлялись постановкам иовых, обычно еще незрелых опер, носивших «поисковый» характер. Композиторы же не могли работать без надежды увидеть свою оперу поставленной. Зрелые оперы не могли появиться сразу. Нужно было широ открыть двери новому советскому репертуа­ру в существовавших в то время театрах и организовать новые, основной целью которых было бы воплощение советских опер.

В Москве из старых театров новые оперы ставил театр С. Зимина, который под разными названиями существовал до 1924 года, после чего сделался филиалом Большого театра. В Ленинграде большинство постановок новых опер осуществлял Малый оперный театр (МАЛЕГОТ), а также и Государствен­ный театр, оперы и балета (ГОТОВ, впоследствии им. С. М. Ки­рова).

В. Ферман так пишет о задачах театра того периода: «Унич­тожить все, что мешало движению оперного искусства вперед, но бережно сохранить прекрасное наследие великих оперных композиторов-классиков и лучшие традиции всей русской опер-но-исполнительской школы — такова была труднейшая задача, стоявшая перед Советами в первые годы революции»¹.

Нужно было готовить кадры таких певцов, кото­рые отвечали бы задачам советского оперного театра, и найти организационные формы, которые помогали бы разви­тию оперного жанра. Такой формой явились оперные сту­дии. Б. Асафьев писал: «...со времени Октябрьской революции вошли в сознание лучших представителей Большого театра идеи безусловно назревшей реформы оперного исполнительства и не­обходимости организации оперной студии. Тем самым вполне естественным был факт сближения творческих сил театра с ве­ликим Станиславским»². Если прежде многие талантливые рус­ские оперные певцы становились синтетическими артистами-ре­алистами, следуя по преемственности высоким образцам искус­ства своих предшественников, то в новое время встала задача массовой подготовки таких певцов.

Надо было готовить кадры «поющих актеров», и К. С. Ста­ниславский, приглашенный в Большой театр в 1918 году, начи­нает работу с молодыми артистами театра. Потом, после отде­ления студии от театра — с большой группой студийной моло­дежи.

«Опер:ный певец имеет дело не с одним, а сразу с тремя ис­кусствами, то есть вокальным, музыкальным и сценическим... Все три искусства... должны быть слиты между собой и направ­лены к одной общей цели. Если же одно искусство будет воз-

¹ В. Ф е р м а н. Оперный театр, стр. 311.

² Б. Асафьев, Большой театр. В сборнике «Государственный Акаде­
мический большой театр СССР». М., изд. ГАБТ, 1947, стр. 104.

действовать на зрителя, а другое — мешать воздействию, то ре­зультат получится нежелательный. Одно искусство будет уни­чтожать то, что творит другое»¹.

Эти слова К- Станиславского лежат в основе его деятельно­сти по воспитанию молодых оперных певцов. Идея соедине­ния всех трех искусств и направления их к общей цели создания реалистических образов, идущая от лучших традиций русского оперного исполнительского стиля, становится руководящей в деле воспитания молодого поколения оперных артистов нашей страны.

Если в первые годы Советской власти академические театры были в значительной мере рутинны и традиционны, то новые веяния нашли свое выражение в организации ряда студий и театров, во главе которых стояли передовые режиссеры и музыканты.

Такими театрами, которые были призваны обновить оперный жанр, развивать его дальше и служить своего рода эксперимен­тальной базой для сценического воплощения новых советских опер, прежде всего явились Малый оперный театр в Ленингра­де и музыкальные театры-студии в Москве, которые возглавили одну К. С. Станиславский, вторую — В. И. Немирович-Данченко.

Эти «экспериментальные» театры начали свою твор­ческую жизнь с нового прочтения ранее созданных образцов оперного и оперетточного жанра. Малые оперные формы и опе­ретта явились теми наиболее доступными, демократическими вокальными формами театральных представлений, с которыми они познакомили нового слушателя. Малый оперный театр последовательно ставит ряд оперетт и комических опер. Испы­тывая на себе большое влияние современной музыки запада и, находясь под большим влиянием АСМ, он ставит ряд опер ком­позиторов-модернистов, в частности, атональных опер Кшенека, весьма модных в ту пору. Одновременно он отдает дань и рус­ской классической опере, однако с 1925 по 1929 год ставит лишь одну классическую оперу, отдавая все свое внимание современ­ной музыке. В 1925 году МАЛЕГОТ ставит первую советскую героическую оперу «За Красный Петроград» Гладковского и Пруссака, чем кладет начало постановке серии советских опер, которые он последовательно осуществляет на протяжении все­го своего существования.

В 1919 году В. И. Немирович-Данченко организовал при Московском Художественном театре Музыкальную студию, которая в 1926 году была реорганизована в музыкальный театр.

Студия, а затем Театр В. И. Немировича-Данченко создает замечательные, новаторские, яркие спектакли, по-новому ин­терпретируя классические оперетты: «Дочь Анго» Лекока, «Пе-

¹ К. С. Станиславский. Моя жизнь в искусстве, стр. 523.

риколу» Оффенбаха, «Корневильские колокола» Планкетта, ставит «Карменситу и Солдата» («Кармен») Визе, «Девушку из предместья» Де-Фалья. Этот театр также отдает некоторую дань западному модернизму, ставя Кшёнека. Здесь получает свое сценическое воплощение опера Шостаковича «Нос», произведе­ние спорное, противоречащее всем привычным оперным законо­мерностям. К советской тематике театр приходит только в 1930 году, поставив «Северный ветер» Л. Книппера. В тридцатых го­дах советская тематика уже занимает почетное место в репер­туаре этого театра.

Оперная студия им. К- С. Станиславского возник­ла в 1924 году в результате реорганизации Оперной студии Большого театра, в которой с 1918 года Станиславский руково­дил воспитанием молодых певцов на принципах своей системы. Многие известные певцы получили свое артистическое воспита­ние в этой студии: Н. Озеров, Е. Степанова, Ф. Павловский, С. Мигай, К. Антарова, Н. Печковский, А. Алексеев, С. Леме­шев и др.

В 1926 году на базе Оперной студии организуется театр-сту­дия, которая в 1928 году превращается в Оперный театр им. К. С. Станиславского. Театр-студия им. К- С. Станиславского начала свою деятельность с осуществления постановок класси­ческих опер. Впервые к постановке оперных спектаклей были применены режиссерские принципы Станиславского. Класси­ческие оперы получают новое воплощение в руках этого новато­ра сцены. Осуществив серию замечательных спектаклей и вы­растив талантливый коллектив артистов, этот театр в 30-х годах приходит к советской опере, поставив «Дарвазское ущелье» Л. Степанова, «Семена Котко» С. Прокофьева» и «Станционного смотрителя» В. Крюкова.

В двадцатые годы еще поют замечательные артисты стар­шего поколения А. Нежданова и Л. Собинов, в полном расцвете находится искусство певцов, деятельность которых началась еще в дореволюционные годы, и вырастает плеяда молодых артистов, формирующаяся в новое время. Эти певцы воспитываются как артисты нового советского оперного театра, для которых идей­ность, реализм, социальная направленность об­разов являются основой творчества. Развивая вокально-техническое мастерство, они раскрывают и свои дра­матические способности, используя достижение русского драма­тического искусства — систему Станиславского. Все это вместе служит задаче создания реалистических образов.

Социальная направленность искусства советских оперных певцов находит свое выражение не только при создании образов новых оперных спектаклей революционного плана, но и в пере­осмыслении образов классических опер. Молодое поколение оперных певцов формируется, отчетливо понимая воспи­тательное значение искусства, силу его воздействия

на развитие эстетического мировоззрения масс слушателей, на их духовный облик.

Характерными чертами певцов этого периода является пре­емственность лучших традиций артистов старшего поколе­ния и новое отношение к задачам искусства, идущее от совет­ского общественного строя.

Развитие камерно-концертного пения

Совершенно новое место в советское время заняло камерно-концертное пение. Перед концертными организациями встала задача музыкального развития народа посредст­вом широкой пропаганды музыки. Пение — наиболее демократический, доходчивый вид музыкального искусства, по­этому распространению камерно-концертного жанра уделялось большое внимание.

В д о р ево л юц ион н ое время камерное пение за­нимало весьма скромное место. Как правило, лишь узкие круги слушателей в гостиных и салонах могли слушать камерную му­зыку. Это тонкое искусство не имело широкого доступа к боль­шой аудитории. Только крупные певцы позволяли себе органи­зовывать открытые камерные концерты на больших сценических площадках. Обычно такие концерты устраивались частной ант­репризой и охватывали только большие города. Часто исполни­тели на свои деньги, заработанные педагогикой или пением в опере, снимали зал, чтобы дать концерт камерной музыки. Естественно, что это было под силу не многим. Иногда деньги давал какой-нибудь меценат или фортепианный фабрикант с целью рекламы своего инструмента.

В соответствии с этим и консерватории мало уделяли внима­ния камерному пению. Певцы формировались прежде всего как оперные исполнители, способные петь ходовой репертуар. А. Л. Доливо, характеризуя музыкальное развитие певцов в дорево­люционных консерваториях, пишет, что «...слово «певец» в кон­серватории было символом музыкального и художественного недоросля», что «...только немногие педагоги, как, например, Мазетти в Москве и Ирецкая в Петербурге, занимались разви­тием музыкальности и артистичности у своих питомцев». Как правило, педагоги сами были как музыканты весьма ограни­ченны, и поэтому «...подавляющее большинство оканчивающих консерваторию певцов было невежественным в музыкальном отношении» *.

Только немногие, высокоталантливые молодые певцы, обла­давшие достаточно хорошим музыкальным развитием и общей

'А. Доливо. Подготовка концертных и камерных певцов. Материалы Всесоюзной конференции по вокальному образованию. М., Музгиз, 1941, стр. 133.

культурой, преодолевая рутину вокальных классов консерва­торий, включали в программы своих выступлений романсы и песни. Выдающиеся русские оперные певцы обычно включали в программы своих концертов довольно ограниченный круг ка­мерных произведений, которые пелись как дополнение к опер­ным ариям. Тонким исполнением камерных произведений отли­чалось творчество А. Неждановой, Л. Собинова, Ф. Шаляпина, Н. Забелы-Врубель, В. Касторского, И. Тарггакова, М. Дейши-Сионицкой, И. Ершова и еще некоторых выдающихся певцов-музыкантов. Большую роль в распространении камерной вокаль- 1 ной музыки в начале этого века играл «Кружок любителей рус­ской музыки» (1896—1912), организованный А. и М. Керзиными. 1 В этом кружке принимали деятельное участие певцы Л. Соби- 1 нов, М. Дейша-Сионицкая, И. Грызунов и др. Концерты участ­ников кружка знакомили аудиторию с произведениями русских композиторов и отличались высокой музыкально-исполнитель­ской культурой.

Певцы, посвятившие себя только камерному пению, были совсем немногочисленны. Среди них надо выделить М. Олени-ну-д'Алыейм, Зою Лодий, которые проявили себя как высоко­одаренные музыканты, снискавшие себе любовь и популярность русской публики. Их искусство познакомило слушателей с боль­шим кругом камерных произведений отечественной и зарубеж­ной классики.

М. Оленина-д'Алыейм, меццо-сопрано, ученица А. Молас и
Ю. Платоновой, одна из первых отважилась петь целые концер­
ты, посвященные камерному творчеству классиков. Ц. А. Кюи
пишет о ее выступлении в 1901 году в Петербурге: «Оригиналь­
ность ее заключается в следующем: во-первых, она дает кон­
церты одна, без пособия пианистов, скрипачей, виолончелистов,
и таким образом получаются настоящие романсные вечера, без;|
посторонних примесей. I

Во-вторых, на этих вечерах она исполняет целые группы ро­мансов одного и того же автора. Так, вчера она исполнила 8 ро­мансов Шумана и 10 Мусоргского, вследствие чего получилась цельность впечатления и возможность многосторонней оценки

автора.

В-третьих, г-жа Оленина все поет наизусть...

В-четвертых, г-жа Оленина артистка убежденная, она не идет 1
за публикой, не гоняется за успехом, не подлаживается под eel
вкусы; она поет то, что она ценит, что ей дорого, и в пропаганде 1
любимой музыки она проявляет замечательную самостоятель-1
ность и смелость. Достаточно сказать — horribile dictu (страшно!
сказать — лат. — Л. Д.) —она поет Мусоргского!..»¹. ■

Из этой цитаты ясно, что концерты из романсов, посвящен­ные какому-либо автору, — являлись событием, из ряда вон вы-]

Газета «Россия» № 352, 1901, 18 декабря.

ходящим, что пение произведений наизусть, концерт без анту­ража были событием, которое обращало на себя внимание, а исполнение новых, малоизвестных произведений (Мусоргско­го) — большой смелостью.

То, что в наше время является естественным, в те времена расценивалось как оригинальное и выдающееся событие. Одна­ко для того чтобы прийти к современному уровню исполнитель­ской культуры, камерное искусство прошло сложный путь раз­вития.

Оленина-д'Алыейм, не обладая выдающимся голосом, поко­ряла слушателей необыкновенно впечатляющим исполнением произведений Шуберта, Шумана, Бетховена и русской классики, особенно Мусоргского. Она умела заставить публику слушать сложные и тонкие произведения Мусоргского, раскрывала перед ней высокие музыкальные красоты его камерных сочинений, ув­лекала слушателя, вела за собой в новый мир прекрасной музы­ки. Как истинно русская певица, Оленина-д'Алыейм обладала даром перевоплощения и замечательным мастерством создавать образы красками голоса. С целью пропаганды камерного твор­чества композиторов певица и ее муж Пьер д'Алыейм в 1908 го­ду организовали «Дом песни».

Другая замечательная русская камерная певица, Зоя Лодий, начала свою конпертную деятельность в 1912 году. Если талант М. Олениной-д'Алыейм больше лежал в сфере драматического пения, то в даровании Зои Лодий преобладало лирическое на­чало. 3. Лодий были подвластны произведения всех эпох и сти­лей. Замечательно удавались ей произведения старинных ком­позиторов запада, романсы Шуберта и Шумана. Основное место в ее необъятных по широте творческого диапазона программах составляли произведения русских композиторов. Особенно впе­чатляло исполнение ею романсов П. Булахова, А. Гурилева, А. Варламова, а также М. Глинки и А. Даргомыжского. Ее ис­кусство, необычайно тонкое, возвышенное легко проникало в сердца слушателей как изысканной аудитории меломанов, так и массового слушателя. Искусство 3. Лодий шло «от сердца к сердцу». Голос Зои Лодий, сопрано, не обладал большой силой, но был необычайно полетный, выразительный, всегда одухотво­ренный глубоким чувством. Звук ее голоса сравнивали со скрип­кой Страдивариуса, настолько он был чист, богат тембровым со­держанием, настолько много он умел говорить слушателю.

«Достаточно было посетить хотя бы один вечер ее песни, чтобы понять и почувствовать, что перед вами выступает боль­шая актриса с голосом, напоминающим звук «Страдивария», актриса, которая в своем исполнительском творчестве поднялась на ту вершину перевоплощения, где стираются грани между ис­кусством художника и правдой рожденного им образа... Очаро­вание его (голоса.— Л. Д.) прокладывало себе дорогу к каждой душе, заражая и овладевая ею. Зоя Лодий лепила свои образы,

как великий художник, до конца зримые со всеми живыми де­талями и отношениями. Она преображалась то в пастушку, то в шестнадцатилетнюю девушку, то увлекала вас с собой в мир детских переживаний... ее талант все освещал каким-то трепет­ным светом жизни. Выразительность слова, красочность инто­наций и какая-то искрящаяся мимика — были поистине удиви­тельны» *.

Зоя Лодий — крупнейший певец-художник в камерном жан­ре, расцвет творчества которого наступил уже после Октябрь­ской революции. Ее искусство донесло нашему поколению за­веты композиторов «Могучей кучки», воспринятые ею у отца П. А. Лодия. П. А. Лодий был близок с кучкистами и сам был отличным певцом².

После Великой Октябрьской социалистической революции как чисто камерное искусство, так и камерно-концертный жанр получают государственную поддержку и широчайшее распрост­ранение. Концертные залы и эстрада с первых дней нового вре­мени открывают свои двери для этих видов вокального искус­ства. Мост преемственности осуществляют лучшие русские пев­цы. В двадцатые годы еще дают свои концерты Ф. Шаляпин, Л. Собинов, А. Нежданова, И. Тартаков, И. Ершов и другие оперные певцы старшего поколения. Камерное искусство этих лет представлено именами К- Н. Дорлиак, Зои Лодий. Начинает свою выдающуюся деятельность камерного певца А. Л. Доливо. С сольными программами камерных произведений выступают: Н. Г. Райский, В. И. Садовников; позднее — В. Духовская,

Е. Андреева-Рябова.

А. Л. Доливо, крупнейший камерный певец, музыкант-худож­ник, отличавшийся широчайшей эрудицией в музыкальном ис­кусстве, оказал большое влияние на развитие камерного жанра. Его концерты, посвященные музыкантам различных стран и эпох, были «музыкальными университетами» для слушателей. А. Л. Доливо был большим мастером в области этнографическо­го пения, замечательно владея стилем исполнения русских бы­лин. Выступая с крупнейшими музыкантами, такими, как М. Мирзоева, М. Гринберг, он показал образцы художественного ансамблевого исполнения. В течение долгих лет возглавляя класс камерного пения в Московской консерватории, он оказал большое влияние на формирование эстетических вкусов и му­зыкального мировоззрения большой плеяды молодых советских

певцов.

Со второй половины двадцатых годов, в связи с развитием радиовещания, камерное искусство делается достоянием самых широких слоев народа, и радиопевцы становятся в а ж-

¹ П Ко г а и. Зоя Лодий. Изд. Ленинградской государственной консер­ватории им. Н. А. Римского-Корсакова, 1956, стр. 12—14.

°ГдедЗои Лоди! Хп: Лодий -певец, ученик М. И. Глинки.

Г тт о _ __ ТТ___» Л ГТ Плпмп ___ ПРРШТТ АГЦРИИК' /W

нейшими пропагандистами романсового твор­чества. Их воздействие на воспитание музыкального вкуса широких масс становится одним из главных факторов повыше­ния музыкальной культуры народа.

С этого времени появляется новый тип пев­ца — «р а д и о п е в е ц», характеризующийся не столько мас­штабами голоса, сколько большой музыкальной культурой, спо­собного охватывать большой, постоянно меняющийся репертуар, чувством ансамбля. Радиопевец-—исполнитель широкого про­филя, способный петь и оперу, и романс, и песню. Многих радио­певцов можно причислить к разряду первоклассных камерных исполнителей.

Значение самодеятельности

Приобщение всего народа к достижениям музыкальной куль­туры уже |В первые годы советской власти носит организованный характер. Организация самодеятельности, самого массового ви­да музыкально-просветительской работы, охватывала все уголки нашей необъятной страны. Это в большой степени способствова­ло поднятию культурного уровня народа и послужило важней­шим средством выдвижения талантливой молодежи для про­фессионального обучения. Самодеятельность — это не­исчерпаемый источник, которым питается про­фессиональное искусство. Большое число известных певцов настоящего времени обязано своим первоначальным раз­витием и выдвижением самодеятельности. Среди певцов, выдви­нутых самодеятельностью в двадцатые годы, следует назвать С. Лемешева, И. Козловского, тридцатых — сороковых годов — В. Борисенко, Л. Масленникову, Е. Смоленскую, И. Петрова, В. Фирсову, А. Огнивцева, И. Архипову, В. Левко и других. Не будет ошибкой сказать, что подавляющее большинство совре­менных певцов начинало певческую деятельность с участия в самодеятельности.

Исключительно большую роль в подготовке будущих про­фессиональных кадров сыграла самодеятельность на­циональных республик, особенно там, где профессио­нального искусства до революции не существовало вовсе. Малые угнетенные народности, искусство которых существовало только в форме народных песен и игры на народных музыкальных ин­струментах, передаваемых по традиции из поколения в поколе­ние, получили возможность создавать свою профессиональную музыкальную культуру.

Одним из первых и главных моментов в этом процессе было создание широкой системы самодеятельного искусства, которое послужило базой для выявления наиболее одаренных народных певцов-сказителей, инструменталистов. Обычный путь формиро-

вания певца из таких народностей — это: пение в самодеятель­ности, выдвижение на смотре, профессиональное обучение в од­ной из консерваторий Советского Союза или училище, и затем — профессиональная работа. Таков же был путь национальных композиторов и инструменталистов.

Но не только отдельные артистические дарования развива­лись и становились на профессиональную дорогу через самодея­тельность. Целые коллективы из самодеятельных превращаются в профессиональные. Таков путь многих самодеятельных хоров, многих драматических самодеятельных коллективов, превратив­шихся затем в театры-студии или просто в профессиональные

театры.

Характерным для процесса зарождения национального опер­ного исполнительского искусства различных народностей и на­циональных республик является его возникновение на основе труппы драматического театра. Как пра­вило, национальные драматические театры включают в свои по­становки в большом количестве национальные песни и пляски. На этом материале воспитывается коллектив профессионалов, инструменталистов и вокалистов, который затем выделяется в. особую группу. Эта группа ставит вначале оперы с речитати­вами или музыкальные комедии, после чего, обретя зрелость, принимается за освоение серьезной оперы, классической или своей национальной, если к тому времени она уже успела обра­зоваться.

Таким образом, самодеятельность служит главным источни­ком, питающим профессиональное искусство. И если в двадца­тые годы оно еще не успевает дать зрелых плодов, то результаты его развития ярко сказываются в искусстве тридцатых годов и последующего периода, когда наблюдается бурный расцвет всех видов музыкального творчества. Достижения музыкаль­ного искусства тридцатых годов являются ре­зультатом той большой работы по музыкаль­ному воспитанию народа, основы которого были заложены в предшествующее десятилетие.

Филармонии

К двадцатым годам относится возобновление филармониче­ской деятельности. Создание филармоний, государственных уч­реждений, призванных осуществлять концертную работу среди населения, началось с организации в,1925 году филармонии в.

Москве.

Основная задача филармоний заключалась в приобщении широких масс слушателей к музыкальной культуре путем про­паганды лучших произведений классической и современной му­зыки. Филармонии используют для своей работы как концертные

залы, так и клубные площадки в городе и на селе. В последую­щие годы филармонии были организованы во многих городах Союза, что в высокой степени способствовало поднятию уровня музыкальной культуры народа. В настоящее время существует около 130 филармоний. Они есть в самых отдаленных уголках нашей страны. Все они имеют собственные кадры солистов му­зыкантов-исполнителей, певцов, а многие в постоянном штате содержат ансамбли, хоры, оркестры и т. п.