Беспредметное искусство 20 века

Абстракционизм. художники 20 века. Абстракционизм-направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. В живописи России ХХ века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции), Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, основавшие в 1910—1912 гг. «лучизм», и, считавший себя основоположником нового типа творчества супрематизм, Казимир Малевич, создатель знаменитого «Чёрного квадрата». Родственным абстракционизму течением является кубизм, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо. Кандинский Василий Васильевич (1866–1944), русский и немецкий художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров авангарда первой половины 20 века. вошел в число основоположников абстрактного искусства. Родился в Москве 22 ноября (4 декабря) 1866 года. Еще в гимназические годы начал активно заниматься музыкой и живописью. С 1885 Кандинский изучал юриспруденцию в университете в Москве, но в дальнейшем решил посвятить себя искусству. Определили его выбор два момента: во-первых, яркие впечатления от русских средневековых древностей и художественного фольклора, полученные в 1889 году в этнографической экспедиции по Вологодской губернии, во-вторых, посещение французской выставки в Москве (1896), где Кандинский был потрясен картинами Клода Моне. С 1897 года жил в Мюнхене, где занимался в местной Академии художеств под руководством Франца фон Штука. Много путешествовал по Европе и Северной Африке (1903–1907), с 1902 года Василий Кандинский жил в основном в Мюнхене, а в 1908–1909 в селе Марнау (Баварские Альпы). От ранних, уже достаточно ярких импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры (картины «Пестрая жизнь», «Дамы в кринолинах» и другие). В 1910 году Кандинский создал первые абстрактные живописные импровизации и завершил трактат «О духовном в искусстве» (книга была опубликована в 1911 на немецком языке). В 1914 Василий Кандинский вернулся в Россию, где жил в основном в Москве. Своеобразная «апокалиптика», чаяния всеобщего преображения в искусстве, характерные для его абстракций, приобретают в этот период все более тревожный и драматический характер («Москва. Красная площадь», 1916, Третьяковская галерея; «Смутное», там же; «Сумеречное», Русский музей; «Серый овал», Картинная галерея, Екатеринбург; все работы – 1917). В 1918 Василий Кандинский издал автобиографическую книгу «Ступени». Активно включился в общественную и гуманитарно-исследовательскую деятельность, входил в состав Наркомпроса, Института художественной культуры (Инхук) и Российской академии художественных наук (РАХН), преподавал в Высших художественно-технических мастерских (Вхутемас), однако, не приняв коммунистическую идеологию, навсегда покинул Россию в 1921 году. Проживал в Германии. Его космологические фантазии (графическая серия «Малые миры», 1922) обретают в этот период более рационально — геометричный характер, сближаясь с принципами супрематизма и конструктивизма, но сохраняя свою яркую и ритмичную декоративность («В черном квадрате», 1923; «Несколько кругов», 1926; обе картины – в Музее С.Гуггенхейма, Нью-Йорк).. После прихода нацистов к власти в 1933 году переехал во Францию, где жил в Париже и его пригороде Нёйи-сюр-Сен. Испытав значительное воздействие сюрреализма, все чаще вводил в свои картины – наряду с прежними геометрическими структурами и знаками – биоморфные элементы, подобные неким первичным организмам, парящим в межпланетной пустоте («Доминирующая кривая», 1936, «Голубое небо», 1940, Центр Ж.Помпиду, Париж; «Разнообразные действия», 1941, Музей С.Гуггенхейма, Нью-Йорк). С началом немецкой оккупации (1939) намеревался эмигрировать в США и провел несколько месяцев в Пиренеях, но в итоге вернулся в Париж, где продолжал активно работать, в том числе над проектом комедийного фильма-балета, который намеревался создать совместно с композитором Гартманом. Умер Кандинский в Нейи-сюр-Сен 13 декабря 1944 года. Пестрая жизнь 1907, Ленбаххаус, Мюнхен Казаки 1917, Третьяковская галерея Желто-красно-голубое 1925 Ларионов Михаил Федорович (1881-1964)

М. Ф. Ларионов родился в семье военного фельдшера. В провинциальном Тирасполе прошли его детские годы. В 1898 г. он поступил в МУЖВЗ. В училище Ларионов познакомился с Н.С Гончаровой, ставшей его верной соратницей. На годы учебы приходится ранний, импрессионистический период творчества Ларионова. В унаследованной от французских художников манере создавал он целые живописные серии. Напряженность цвета, богатство живописных фактур отличают такие картины, как «Розовый куст», «Сад», «Рыбы при закате» (все 1904). Эти и им подобные произведения пользовались успехом на выставках Общества русских акварелистов, СРХ, «Мира искусства», на русской экспозиции Осеннего Салона 1906 г. в Париже. В 1907 г. Ларионов открыл для себя народное примитивное искусство — русский лубок, ремесленную вывеску и т. и. Этап примитивизма в творчестве художника едва ли не самый плодотворный. Ларионов увлекается так называемой уличной культурой. Появляются его серии «Франты» и «Парикмахеры». На выставке «Бубновый валет» 1910 г. он демонстрирует полотно «Хлеб», напоминающее вывеску булочной. На выставке «Ослиный хвост» 1912 г., организованной самим Ларионовым, были выставлены картины из «солдатской серии». В них сказались собственные впечатления художника от военной службы, которую ему пришлось проходить после окончания училища в 1910 г. Примитивизм Ларионова находил источники вдохновения даже в заборных рисунках и надписях. В 1910-х гг. Ларионов проявил себя как блестящий организатор: он возглавил группу молодых московских художников, в 1913 г. подготовил выставку лубка, которая включала восточные и европейские народные картинки, вывески, печатные пряники и т. п., многие — из коллекции Ларионова; в том же году провел выставку иконописных подлинников и лубков. Он принимает активное участие в художественных диспутах, получивших распространение в ту пору. В частности, в 1913 г. состоялся диспут на тему «Восток, национальность и Запад», предшествовавший открытию выставки «Мишень». На нем Ларионов и его группа четко обозначили свою «восточную» ориентацию. На выставке «Мишень», где демонстрировались также произведения художников-самоучек и детские рисунки, Ларионов представил работы из незавершенного цикла «Венеры» и четыре холста «Времена года» (1912), которые были расценены критиками как вызов. Казимир Северинович Малевич Родился в семье выходцев из Польши, был старшим среди девятерых детей. В 1889-94 гг. семья часто переезжала с места на место; в селе Пархомовка близ Белополья Малевич закончил пятиклассное агрономическое училище. В 1895-96 гг. непродолжительное время занимался в Киевской рисовальной школе Н. И. Мурашко. С 1896, после переезда в Курск, служил чертежником в техническом управлении железной дороги. Осенью 1905 приехал в Москву, посещал с ознакомительными целями занятия в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и Строгановском училище; жил и работал в доме-коммуне художника В. В. Курдюмова в Лефортове, Посещал занятия в частной студии Ф. И. Рерберга (1905-10). Проводя лето в Курске, Малевич работал на пленэре, развиваясь как неоимпрессионист.

ВХОЖДЕНИЕ В КРУГ НОВАТОРОВ

Малевич участвовал в выставках, инициированных М. Ф. Ларионовым: «Бубновый валет» (1910-11), «Ослиный хвост» (1912) и «Мишень» (1913). Весной 1911 сблизился с петербургским обществом «Союз молодежи», членом которого стал в январе 1913 (вышел в феврале 1914); в 1911-14 экспонировал свои работы на выставках объединения, участвовал в вечерах-диспутах. Декоративно-экспрессионистические полотна Малевича рубежа 1900-10-х гг. свидетельствовали об освоении наследия Гогена и фовистов, трансформированного с учетом живописных тенденций русского «сезаннизма». На выставках художником был представлен и его собственный вариант русского неопримитивизма — картины на темы крестьянской жизни (полотна так называемого первого крестьянского цикла) и ряд работ с сюжетами из «провинциальной жизни» («Купальщик», «На бульваре», «Садовник», все 1911, Стеделик музеум, и др.). С 1912 началось творческое содружество с поэтами А. Е. Крученых и Велимиром Хлебниковым. Малевич оформил ряд изданий русских футуристов. Его живопись этих лет демонстрировала отечественный вариант футуризма, получивший название «кубофутуризм»: кубистическое изменение формы, призванное утвердить самоценность и самостоятельность живописи, соединилось с принципом динамизма, культивируемым футуризмом [«Точильщик (Принцип мелькания)», 1912, и др.]. Работа над декорациями и костюмами к постановке в конце 1913 футуристической оперы «Победа над Солнцем» (текст А. Крученых, музыка М. Матюшина, пролог В. Хлебникова) впоследствии была осмыслена Малевичем как становление супрематизма. В живописи в это время художник разрабатывал темы и сюжеты «заумного реализма», использовавшего алогизм, иррациональность образов как инструмент разрушения окостеневшего традиционного искусства; алогическая живопись, выражавшая заумную, трансрациональную реальность, была построена на шокирующем монтаже разнородных пластических и образных элементов, складывавшихся в композицию, наполненную неким смыслом, посрамляющим обыденный разум своей непостижимостью («Дама на остановке трамвая», 1913; «Авиатор», «Композиция с Моной Лизой», обе 1914; «Англичанин в Москве», 1914, и др.). Чёрный квадрат Малевича Феномен «Черного квадрата». Казалось бы, что может быть проще: на белом фоне черный квадрат. Любой человек, наверное, может нарисовать такое. Но вот загадка: черный квадрат на белом фоне – картина русского художника Казимира Малевича, созданная еще в начале века, до сих пор притягивает к себе и исследователей, и любителей живописи. Как нечто сакральное, как некий миф, как символ русского авангарда. Рассказывают, что Малевич, написав «Черный квадрат», долгое время говорил всем, что не может ни есть, ни спать. И сам не понимает, что такое сделал. И действительно, эта картина – результат, видимо, какой-то сложной работы. Когда мы смотрим на черный квадрат, то под трещинами видим нижние красочные слои – розовый, зеленый, по-видимому, была некая цветовая композиция, признанная в какой-то момент несостоявшейся и записанная черным квадратом. Художник впоследствии много думал о черном квадрате, писал теоретические работы, связывал его с космическим сознанием. Малевич считал, что «Черный Квадрат» – это вершина всего.

23. Элитарное и массовое искусство: оппозиция или сотрудничество

Термин «культура» (от латинского «возделываю») имеет в литературе около 500 определений. Первое определение культуры дал английский культуролог и антрополог Тайлор. Он считал, что культура - сумма всех видов человеческой деятельности, включающая знания, верования, искусство, мораль, законы, обычаи, язык, а также способности, навыки, усвоенные человеком. Многозначность понятия «культура», различные его интерпретации ограничивают возможности дать его единственное и четкое определение. В современной отечественной культурологии выделяют три подхода в определении культуры: антропологический, социологический и философский. Многочисленность определений свидетельствует о том, что культура – сложное явление, и каждое определение подчеркивает какую-либо сторону культуры. Особое место в культуре человека занимает его духовная культура. Она выступает важнейшей системой воспитания и образования, то есть формирования человека. Духовная культура не может существовать без ее опредмечивания. Поэтому духовность проявляется только как интеллигентность — деятельностно-практическое проявление духовности. Поскольку культура — результат деятельности общества, то существует определенное общее содержание культуры. Отсюда можно сделать вывод о том, что культуру творят массы. Но культура есть в то же время результат деятельности отдельных личностей. Отсюда можно сделать вывод о том, что творцами культуры являются отдельные личности — элита. Эти представления отражают реальные факты развития культуры. Отчуждение широких масс от высокого искусства — тоже реальный факт. Значительная часть населения пользуется заменителями подлинных художественных ценностей, так называемым «массовым искусством» или «массовой культурой». На Западе ее превозносили как чудо современной цивилизации. У нас считали ее недостойной советского человека и объявляли, что ее в советском обществе нет. Но “массовая” и элитарная культура — это характеристики любой культуры, а прогресс общества сближает их.В зависимости от того, кто создаёт искусство, каков её уровень и кто является её потребителем, различают массовое и элитарное искусство. Одни и те же виды искусства могут принадлежать высокой и массовой культуре: классическая музыка — высокой, а популярная музыка — массовой, фильмы Феллини — высокой, а боевики — массовой. Однако существуют такие жанры литературы (фантастика, детективы и комиксы), которые всегда относят к популярной или массовой культуре, но никогда к высокой. То же самое происходит с конкретными произведениями искусства.

ФОРМИРОВАНИЕ МАССОВОГО ИСКУССТВА. Хотя массовое искусство встречаются в истории, начиная с древнейших цивилизаций, подлинная массовая культура зарождается только в Новое время в ходе процессов индустриализации и урбанизации, трансформации сословных обществ в национальные, становления всеобщей грамотности населения, деградации многих форм обыденной культуры доиндустриального типа, развития технических средств тиражирования и трансляции информации и т.п. Особое место в современной жизни массовое искусство заняло в результате процессов социокультурной модернизации во второй половине ХХ века и перехода от индустриального к постиндустриальному (информационному) этапу технологического развития. Именно тогда средства массовой информации (радио, печать, телевидение) проникли в большинство стран мира и стали доступны представителям всех социальных слоев. В условиях «индустриального общества» и научно-технической революции человечество в целом обнаружило отчетливо выраженную тенденцию к шаблону и однообразию в ущерб любым видам оригинальности и самобытности, идет ли речь об отдельной личности или об определенных социальных слоях и группах. Современное государство, подобно гигантской машине, с помощью единых систем образования и столь же скоординированной информации непрерывно «штампует» безликий человеческий «материал». С середины двадцатого столетия процессы стандартизации повседневной жизни приобрели во всем мире, за исключением отдаленной периферии, непроизвольный и всеобъемлющий характер.

ОСОБЕННОСТИ ЭЛИТАРНОГО ИСКУССТВА Элитарная культура включает изящное искусство, классическую музыку и литературу. Высокая культура (например, живопись Пикассо или музыка Шенберга), трудна для понимания неподготовленного человека. Как правило, она на десятилетия опережает уровень восприятия среднеобразованного человека. Круг ее потребителей — высокообразованная часть общества: критики, литературоведы, завсегдатаи музеев и выставок, театралы, художники, писатели, музыканты. Поэтому элитарное искусство принципиально обращается только к элите, это искусство "аристократического инстинкта". Оно не стремится к тому, чтобы быть понятой всеми: оно замкнуто, герметично, доступно лишь незаурядным людям. У массы излюбленным является такое искусство, в центре внимания которого находится человек и его страсти. Противопоставляя себя массе, стремясь создать искусство, ориентированное на элиту, его творцы сегодня нередко вступают на путь дегуманизации, последовательного отказа от изображения в искусстве "человеческого, слишком человеческого". И если способом восприятия прежнего искусства служило сопереживание, то подлинно эстетическое восприятие нового искусства предполагает чистое, холодное, бесстрастное созерцание, не замутненное чувством. Формула элитарной культуры — «искусство для искусства». Долгое время особенности элитарной культуры рассматривались "от противного", точкой отсчета была массовая культура. Унифицированности и тривиальности последней элитарная культура противопоставляет оригинальность и индивидуальность в поисках новых художественных решений; простоте и доступности – закрытость и зашифрованность культурных кодов; минимуму изобразительных средств – самый широкий спектр средств выразительности и т.д.Но главное отличие элитарной культуры от массовой состоит в том, что истинно творческой является культура элитарная: именно здесь создаются новые культурные формы и определяются пути дальнейшего развития. Знаменитый "Улисс" Дж.Джойса, произведения Г.Гессе и Х.Л.Борхеса, французский "новый роман"; картины П.Пикассо, К.Малевича, В.Кандинского; фильмы А.Тарковского, А.Сокурова, Дж.Джармуша, П.Гринуэя; музыка Дж. Кейджа и Э.Денисова являются тому примером. В элитарной составляющей культуры происходит апробация того, что, спустя годы, станет общедоступной классикой, а возможно и перейдет в разряд тривиального искусства (к которому исследователи относят так называемую "поп-классику" - "Танец маленьких лебедей" П.Чайковского, "Времена года" А.Вивальди, например, или еще какое-нибудь чрезмерно растиражированное произведение искусства). Время стирает границы между массовой и элитарной культурами. То новое в искусстве, что сегодня является уделом немногих, через столетие будет понятно уже значительно большему числу реципиентов, а еще позже может стать в культуре общим местом.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ К середине ХХ века элитарная культура в своем стремительном развитии уходит (в сопровождении немногочисленных поклонников) так далеко вперед, что к массам вполне приложимым становится эпитет "искусствооставленные". Вынужденные довольствоваться поставленными на поток культурными суррогатами, массы не особенно беспокоятся по этому поводу, но представители элитарной культуры, обнаружив себя в своего рода "культурной изоляции", встревожились. Со второй половины столетия наблюдаются попытки сближения двух культур, вначале робкие, потом все более и более решительные. Ярким примером такого рода творчества может служить произведение итальянского философа и писателя, специалиста по средневековой эстетике и семиотике У.Эко "Имя розы", написанное в провокационном для высокой культуры жанре детектива. Автор попытался удовлетворить чаяния всех без исключения реципиентов – от школьников и домохозяек до профессоров философии и богословов. Тот факт, что книга продержалась в списке бестселлеров больше десятилетия, говорит о том, что ему это удалось. Человечество вступило в новую культурную эпоху, имя которой – постмодернизм. Культурная парадигма постмодернизма пытается снять проблему противостояния культур: элементы массовой культуры включаются в контекст элитарной и наоборот и обе они помещаются в иронический контекст. Насколько удастся постмодернизмусгладить крайности обеих культур – покажет время.