Рембрандт — великий голландский художник

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество Р, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII века, один из пиков мировой художественной культуры. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, был непревзойденным мастером рисунка и офорта. После кратковременного обучения в Лейденском университете (1620) Р решил посвятить себя искусству и учился живописи у Я. ван Сваненбюрха в Лейдене (около 1620-1623) и П.Ластмана в Амстердаме (1623); в 1625-1631 работал в Лейдене. Картины Рембрандта лейденского периода отмечены поисками творческой самостоятельности (“Принесение во храм”, около 1628-1629). В картинах “Апостол Павел” (около 1629-1630 и “Симеон во храме” (1631) он впервые использовал светотень как средство усиления одухотворенности и эмоциональной выразительности образов. В эти же годы Р упорно работал над портретом, изучая мимику человеческого лица. В 1632 Рпереехал в Амстердам, где вскоре женился на богатой патрицианке Саскии ван Эйленбурх. 1630-е годы - период семейного счастья и огромного художественного успеха Р. Картина “Урок анатомии доктора Тюлпа” (1632), в которой художник новаторски разрешил проблему группового портрета, придав композиции жизненную непринужденность и объединив портретируемых единым действием, принесла Р известность.

Но более свободны и разнообразны по композиции его автопортреты и портреты близких ему людей, в которых художник смело экспериментировал в поисках психологической выразительности (автопортрет, 1634; “Улыбающаяся Саския”, 1633). Искания этого периода завершил знаменитый “Автопортрет с Саскией” или “Весёлое общество”), смело порывающий с художественными канонами, выделяющийся живой непосредственностью композиции, свободной манерой живописи, мажорной, наполненной светом, красочной гаммой.

Библейские композиции 1630-х годов (“Жертвоприношение Авраама”, 1635) несут на себе печать воздействия живописи итальянского барокко. Особое место в творчестве Рембрандта 1630-х годов занимают мифологические сцены, в которых художник бросил вызов классическим канонам и традициям (“Похищение Ганимеда”).

воплощением эстетических взглядов художника стала композиция “Даная” (1636-1647), в которой он вступает в полемику с мастерами Возрождения: обнажённую фигуру Данаи, далекую от классических идеалов, он выполнил со смелой реалистической непосредственностью, а чувственно-телесной, идеальной красоте противопоставил красоту духовности и теплоты человеческого чувства.

В 1640-х годах назревает конфликт между творчеством Рембрандта и ограниченными эстетическими запросами современного ему общества. Наглядно он проявился в 1642 году, когда картина “Ночной дозор” вызвала протесты заказчиков, Приток заказов Р сокращается, его жизненные обстоятельства омрачаются смертью Саскии. Творчество Р утрачивает внешнюю эффектность и присущие ему ранее ноты мажорности. Все более художника привлекают образы простых людей, стариков, служащих воплощением жизненной мудрости и духовного богатства (“Портрет жены брата художника”, 1654, “Портрет старика в красном”, 1652-1654).

В середине 1650-х годов Р обрел зрелое живописное мастерство. В 1656 году Р был объявлен несостоятельным должником, все его имущество продано с аукциона. Он переселился в еврейский квартал Амстердама, где в крайне стесненных обстоятельствах провел остаток жизни. 32. П.П. Рубенс — выдающийся мастер фломандской живописи

Рубенс, точнее Рюбенс Питер Пауль (1577-1640), великий фламандский живописец. С 1589 жил в Антверпене, где получил всестороннее гуманитарное образование. Рано посвятив себя живописи, учился (с 1591) у Тобиаса Верхахта, Адама ван Ноорта, Отто ван Веениуса. В 1600-1608 Рубенс побывал в Италии, где изучал произведения Микеланджело, живописцев венецианской школы, Караваджо. Вернувшись в Антверпен, Рубенс занял место главного придворного живописца правительницы Фландрии инфанты Изабеллы Австрийской. Уже в его первых после возвращения картинах проявилось стремление к переработке итальянских впечатлений в духе национальных художественных традиций. Созданные им в начале 1610-х годов монументальные религиозные композиции “Воздвижение Креста”, около 1610-1611, “Снятие со Креста”) отмечены характерными для живописи барокко театральностью композиции, драматизмом, бурным движением, яркими цветовыми контрастами. Вместе с тем в них уже угадываются черты полнокровного, жизнеутверждающего реализма, полностью раскрывшегося в последующем творчестве художника. Тогда же Рубенс выполнил несколько парадных портретов в духе нидерландских традиций 16 века (“Автопортрет с женой Изабеллой Брант”, 1609), отличающихся интимной простотой композиции, любовной тщательностью воссоздания облика модели и нарядных одеяний, сдержанным изысканным колоритом. В 1612-1620 складывается зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной мифологии, художник трактовал их с исключительной смелостью и свободой. Фигуры людей, античных божеств, животных, изображенные на фоне цветущей и плодоносящей природы или величественной фантастической архитектуры сплетаются в картинах Рубенса в сложные композиции, то гармонически уравновешенные, то пронизанные буйной динамикой. Со страстным “языческим” жизнелюбием Питер Рубенс воссоздаёт красоту обнаженного человеческого тела, воспевает чувственную радость земного бытия (“Союз Земли и Воды”; “Похищение дочерей Левкиппа”, около). Постепенно отказываясь от характерного для его ранних работ локального цвета, художник достиг исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, воздушных рефлексов; теплые и свежие тона его картин мягко перетекают один в другой, телесно-розовые, жемчужно-серые, красно-коричневые и мягкие зеленые оттенки сливаются в ликующую праздничную гамму. К концу 1610-х годов Р получил широкое признание и известность.

Существенное место в творчестве Рубенс занял пейзаж: ландшафты с гнущимися по ветру могучими деревьями, вздымающимися холмами, зелеными рощами и долинами, стремительно несущимися облаками он населял мирно пасущимися стадами, идущими, едущими на повозках или беседующими крестьянами. (“Возчики камней”, около 1620).

Особой виртуозностью и лиричностью отличаются интимные портреты Рубенса, в том числе “Портрет камеристки инфанты Изабеллы”, в котором он с помощью прозрачных цветовых переходов и мягких рефлексов передает поэтическое обаяние и трепетную жизненность модели. Около 1611-1618 Р выступил и в качестве архитектора, построив отмеченный барочной пышностью собственный дом в Антверпене. В 1626 году, потеряв свою первую жену, Р на время оставил живопись и занялся дипломатией

В 1630-е годы он работал в приобретенном им замке Стен в Элевейте, где писал портреты своей второй жены, Елены Фаурмент (“Шубка). В творчестве Р ярко выражены мощный реализм и своеобразный фламандский вариант стиля барокко. Всесторонне одаренный, блестяще образованный, Р выдвинулся как художник огромного творческого размаха. Прирожденный живописец-монументалист, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, дипломат, ученый-гуманист, он пользовался почетом при княжеских и королевских дворах Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона. 33. Классицизм. Пуссен. Лоррен

Классицизм, художест. стиль в европейском искусстве 17–нач 19 века, одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 века. Лежащие в его основе принципы рационалистической философии обусловили взгляд теоретиков и практиков классицизма на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил; закреплению теоретических доктрин классицизма, способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий – живописи и скульптуры и архитектуры.

Пуссен Никола (1594-1665), французский живописец и рисовальщик.. С 1624 жил в Риме, в Париже, испытал влияние Рафаэля, Тициана, изучал трактаты Леонардо да Винчи и Дюрера, зарисовывал и обмерял античные статуи, занимался анатомией и математикой. С 1620-х годов Пуссен создавал картины высокого гражданственного звучания, заложившие основы классицизма в европейской живописи (“Смерть Германика”, 1626-1627), поэтические композиции на мифологические и литературные темы, отмеченные возвышенным строем образов, эмоциональностью интенсивного, мягко сгармонизированного колорита (“Ринальдо и Армида”, 1625-1627; “Танкред и Эрминия”, 1630-е годы,; “Парнас”). Господствующий в произведениях Пуссена 1630-х годов ясный композиционный ритм воспринимается как отражение разумного начала, придающего величие благородным поступкам человека (“Аркадские пастухи”; “Нахождение Моисея”, 1638). С 1650-х годов в творчестве П усиливается этико-философский пафос. Обращаясь к сюжетам античной истории, уподобляя библейских и евангельских персонажей героям классической древности, художник добивался полноты образного звучания, ясной гармонии целого (“Отдых на пути в Египет”, 1658). Развивая принципы идеального пейзажа, Пуссен делает природу воплощением совершенства и целесообразности (“Пейзаж с Полифемом”, около 1649, серия пейзажей “Времена года”, 1660-1664, “Аполлон и Дафна”). Вводя в пейзаж мифологические персонажи, олицетворяющие различные стихии, используя в них эпизоды библейских сказаний, П выражал идеи высшей необходимости или судьбы, как начала, регулирующего взаимоотношения человека и мироздания.

Клод Лоррен (1600-1682 гг.) французский живописец, рисовальщик и гравер, один из создателей классического пейзажа. Родился в 1600 в Шамони (Лотарингия). Большую часть своей жизни провел в Риме; существенное влияние оказало на него творчество его современника Н Пуссена. Л учился гравюре во Фрейбурге-им-Брейсгау, а затем работал в Неаполе. С 1619 он учился в Риме у Агостино Тасси. Спустя шесть лет художник вернулся во Францию. В 1627 он уехал в Рим. Уже в 1630-е годы его пейзажи привлекали внимание знатоков искусства и богатых заказчиков, среди которых были испанский король и папы. В "идеальных" пейзажах Л господствует мягкое элегическое настроение; рассеянный утренний или вечерный свет окутывает легкой дымкой очертания деревьев и холмов. Библейские, мифологические или пасторальные сюжетные мотивы полностью подчинены изображению прекрасной, величественной природы, например, картины Отплытие св. Урсулы; Л оставил множество рисунков. Среди них большое количество этюдов с изображением деревьев и растений. В коллекции герцога Девонширского в Чатсуорте находится знаменитая серия Liber veritatis, которая состоит из 200 пейзажных рисунков. Умер Л в Риме в 1682.

34. Украинское барокко и классицизм Стиль барокко возник в Италии в конце XVI в. и пришёл на смену стилю Возрождения в результате кризиса гуманистической ренессансной культуры.

На Украине барокко характеризуется своеобразными особенностями, в частности использованием традиций народного искусства. Его самобытный стиль наиболее ярко проявился в архитектуре Левобережья и Слобожанщины.

Одним из первых зданий, полностью соответствовавших архитектурному стилю барокко, был иезуитский костёл Петра и Павла во Львове, построенный в 1610-1630 гг. итальянским зодчим Джакомо Бриано. В плане – это базилика с типичным для средневековой архитектуры высоко поднятым центральным нефом т.е. чертами, восходящими к готической архитектуре. Здание костёла почти полностью копирует римскую церковь капитула иезуитов Иль Джезу, построенную в 1575 г. одним из основателей стиля барокко Джакомо делла Порта.

Несмотря на то, что приезжие мастера принесли в архитектуру создаваемых ими зданий определённые черты, свойственные их творческой индивидуальности, стиль, сформировавшийся на Украине во второй половине XVII в., имел свои особенности, обладал устойчивой общностью конструктивных и художественных черт, что даёт полное основание назвать его украинским барокко. Существенным обстоятельством было то, что католическое барокко, ассоциировавшееся с деятельностью иноземных угнетателей, было ненавистно украинскому народу настолько, что многие дворцы польских магнатов, а также католические постройки были разрушены. И вполне понятно, что новостроящиеся здания не должны были ни в какой мере на них походить. В связи с этим украинское барокко быстро вырабатывает свои стилевые особенности. Компонентами стиля были национальные приёмы типов и композиций зданий, а также некоторые черты русской архитектуры, выразившиеся в характере декора.

Замечательным памятником жилой украинской архитектуры конца XVII в., отлично сохранившим свои первоначальные формы, является дом Якова Лизогуба в Чернигове – большой, одноэтажный, перекрытый высокой двухскатной крышей и треугольными фронтонами. К общественным зданиям того времени относится Черниговский коллегиум, построенный в 1700-1702 гг. Большой двухэтажный дом коллегиума стоит рядом с главными постройками Черниговского кремля и входит в его ансамбль. В западной части здания –высокая башня, необычная по форме –на верхнем ярусе её окружают цилиндрические выступы. Южный фасад здания богато декорирован наличниками со сложными фигурными украшениями.

Наиболее выразительно национальные черты проявились в каменных храмах, идущих от деревянных церквей. К постройкам этого типа относится один из лучших памятников украинского зодчества – трёхчастнный в плане, увенчанный тремя высокими живописными главами Покровский собор в Харькове.

Одновременно с Андреевской церковью в Киеве строится здание Императорского (Мариинского) дворца, также по проекту Растрелли, вернее по образу построенного Растрелли дворца Разумовского под Москвой. Киевский дворец в первоначальном виде до наших дней не сохранился. Также как и Андреевская церковь он был украшен барочной пластикой. Андреевскую церковь и дворец строил архитектор И.Ф.Мичурин, работавший главным архитектором Москвы. Мичурин приезжает в Киев со своей «командой» –группой архитекторов и учеников, помогавшим ему в строительстве и самостоятельно строивших некоторые объекты в Киеве. Так, его ученики Ф.Панов и М.Юрасов строят большое здание Софийской бурсы, в архитектурной пластике и высокой с заломом крышей видны черты украинского барокко.

Настоящим шедевром барочной архитектуры Украины является колокольня Дальних пещер Киево-Печёрской лавры, построенная С.Д.Ковниром в 1754-1761 гг. Композиционный эффект двухъярусной колокольни построен на контрасте горизонтальных и вертикальных элементов. Велико значение для украинской архитектуры XVIII в. творчества другого выдающегося русского архитектора –А.В.Квасова. Он был из тех русских архитекторов, которые старались продолжить традиции петровского барокко во время повсеместного расцвета растреллиевской пышной и насыщенной пластикой и декором архитектуры.

Классицизм. Почти накануне Великой Французской революции Жан Жак Руссо кинул клич поворота к природе и простотеи суворосте жизни. Клич стал основой для создания классического стиля.

Старейшей из классических строений Украины была палата гетьмана Кирила Розумовскогов Почепе. Строил её украинский зодчий Яновский на основе планов французского архитектора Вален де ля Морта.

Почепская резиденция была задумана как сложный ансамбль главного здания, объединённого овальными крыльями с жилыми и хозяйскими домами, занимала площадь около шести тысяч кв. метров и была настоящей революцией на украинской почве. Центральная палата была одноэтажной, симметрично скомпонованой, а её центральный ризалит с портиком на щести колоннах и классическим фронтоном был её выражением и характеристикой. Яркость конструкции, гармония и выражение спокойствия — это основные элементы, которые внесла почепская резиденция.

Палата графа Завадовского в Ляличах на Черниговщине не отставала от пышности гетьманской резиденции в Почепе. 16 тыс. кв метров, которые занима комплекс служат свидетельством в соревновании увеличить гетьманский размах. Строил итальянский архитектор Джакомо Кварнеги, который принёс с собой в Украину римский оттенок классического стиля, куда более солнечный и интимный.

Классицизм продержался на Украине до середины 19 века. Следом за вельможами новый стиль подхватили и помещики. Которые построили на Украине тысячи помещичьих двориков с портиками, колонадами. Московская администрация на востоке, а австрийская на западе застроили домами классического типа украинские города. Построенные в больших количествах на основе шаблонов они уже меньше отражали дух и вкус эпохи и справедливо заслужили себе оценку «казарменного стиля».

35. Украинская живопись 18-19 столетия В XVIII ст. усиливаются контакты украинской живописи с российской. Как уже упоминалось, в Киеве работает над росписью Андреевской церкви художник В. Антропов. Из Украины выезжают в Петербург и становятся там прославленными художниками Д. Левицький, В. Боровиковський, А. Лосенко, Г. Сребреницький, К. Головачевський, И. Саблуков.

Достигает высокого профессионального уровня декоративно-прикладное искусство этой порой. Торгово-ремесленные центры и Западной Украины, и Поднепровья оказывали содействие развитию мастерства: в Киеве было 20 ремесленных объединений, в Льве - 37 цехов. Сам перечень изделий красноречив: ткачество, гутництво, ковроделие, мебель, художественное литье (серебряные пояса, пуговицы, столовые изделия, посуда, ювелирные изделия, серебряные кресты, оружие, дверные замки, оковки дверей и ворот, звоны), керамика (посуда, кафеля, которыми излагали целые сюжеты), вышивка и шитье (плащаницы, вышиваемые и вышитые иконы - например, вышиваемая золотом и серебром на белом атласе икона "Богоматерь" в Путивльском монастыре) и др.

Изобразительное искусство прошло за это время разные стадии, решило немало профессиональных задач и создало памятки неувядаемой красоты и ценности.Исторический жанр в украинском искусстве еще не отмечался широтой тематики. Художники большей частью прибегали к героической истории казачества ("Сторожа запорожских вольностей", "Казачий пикет" С.И. Васильковского, "Проводы на Сечь" О.Г. Сластиона, "Запорожцы вызывают врага на герць" А.И. Кандаурова, "Тревога" Г.С. Крушевского, "Похороны кошевого" 0.0. Мурашка и др.).

Пейзажный жанр представлен прежде всего в творчестве выдающегося украинского художника-реалиста СИИ. Васильковского (1854- 1917). Интересны в его коллекции - произведения, посвященные родной природе, - "Казачья левада", "Остатки векового леса", "Степь на Украине", "Утро" и др. Обворожительность родной земли стремился раскрыть в своих пейзажах К.Я. Крижицький (1858-1911) - "Хутор на Украине", "Перед грозой", "Лесные дали", "Косари на Украине", "Жатва".

В творчестве западноукраинских художников, которые получили образование в Вене, Кракове и Мюнхене, довольно выразительно сказывалось влияние академических традиций. Постепенно их живопись приобретает все более демократичный характер. Зачинателями западноукраинской реалистической школы были К.М. Устиянович (1839-1903) - "Бойковская пара", "Гуцулка возле источника", "Шевченко в ссылке" и др.; Т.Д. Копистинский - «Гуцул с Липовице», «В крестьянском доме», «Погорельцы». 36. Эволюция художественных напрвлений в европейском искусстве 19 века

Романтизм как метод и направление в художественной культуре был явлением сложным и противоречивым. В каждой стране он имел яркое национальное выражение. Романтики занимали разные общественные и политические позиции в обществе. Они бунтовали против итогов буржуазной революции, но бунтовали по-разному, так как у каждого был свой идеал. Но при всей многообразии у романтизма есть устойчивые черты. Разочарование в современности порождало у романтиков особый интерес к прошлому: к добуржуазным общественным формациям, к патриархальной старине.

Стремясь как бы подняться над прозой бытия, раскрепостить многообразные способности личности, предельно самореализоваться в творчестве, романтики выступали против формализации. Все они исходили от отрицания Просвещения и рационалистических канонов классицизма, которые сковывали творческую инициативу художника. Романтизм противопоставляет внутреннему миру гармонию. Основной задачей романтизма было изображение внутреннего мира, душевной жизни, а это можно было делать и на материале историй, мистики и т.д.

В своем воображении романтики преображали неприглядную действительность или же уходили в мир своих переживаний. Разрыв между мечтой и действительностью, противопоставление прекрасного вымысла объективной реальности лежали в основе всего романтического движения.Однако романтизм не был однородным течением: его идейное развитие шло в различных направлениях.

Романтизм оставил целую эпоху в мировой художественной культуре, его представителями были: в литературе В.Скотт, Дж. Байрон, Шелли, В. Гюго, А.Мицкевич, и др.; в изобразительном искусстве Э. Делакруа, Т. Жерико, Ф.О. Кипренский и др.; в музыке Ф. Шуберт, Р.Вагнер, Г.Берлиоз, Н. Паганини, Ф.Лист, Ф. Шопен и др.

Передвижники. Самобытные таланты русские художники 19 века в течении многого времени уставшие от академической монополии в изобразительном искусстве, стремились к независимости творческой работы. Так или иначе, созданию членства объединенных художников способствовала заинтересованность многих художников, реально сблизить искусство с народными массами, тем самым, обеспечить свою независимость от различных учреждений, меценатов и организаций покровительствуемых правительством. В 1863 году 14 выпускников художников во главе с И. Крамским отказалась писать дипломную картину на предложенную мифологическую тему и потребовали самим выбрать сюжет картины, на что им было категорически отказано, после чего многие художники демонстративно покинули академию. Решение было такое: что необходимо было образовать самостоятельную артель художников по типу коммун, независимую от академической монополии союз русских художников. Просуществовала она не долго и распалась через 7 лет, правда к этому времени в 1870 году зародилось новое движение товарищество передвижников или товарищество передвижных художественных выставок ТПХВ и передвижение их по городам России, это объединение художников профессионалов. Творчество передвижников сближало многих художников в единстве и идейными позициями, неприятиями академизма с его декоративными пейзажами, бутафорской театральностью и различной мифологией. Русские художники передвижники стремились показать в своих работах идейную сторону изобразительного искусства 37. Европейский романтизм

Жерико Теодор (1791— 1824), выдающийся французский живописец, основоположник революционного романтизма во французской живописи. Родился в Руане в зажиточной семье. Живописи учился у баталиста Ш. Берне и представителя позднего классицизма П. Герена. Главную роль в творческом самоопределении художника сыграло изучение живописи старых мастеров и окружающей жизни. Уже первая картина Жерико — «Офицер конных егерей, бросающийся в атаку» (1812), написанная в начале похода французской армии в Россию, отличалась остротой жизненных наблюдений, бурной динамикой, эмоциональной насыщенностью колорита. Более драматичный характер носит картина «Раненый кирасир» (1814), задуманная как парная к предыдущей, где вместо устремленного к победе героя изображен едва держащийся на ногах офицер, покидающий поле боя. В героико-монументальном плане была исполнена самая значительная из картин Жерико, выдающееся произведение французского романтизма «Плот Медузы» (1818—19), созданная на сюжет, подсказанный жизнью, на событие, всколыхнувшее общественное мнение Парижа. У берегов Африки, по вине неопытного капитана, потерпел крушение фрегат «Медуза». Немногие из спасшихся пассажиров избежали смерти на плоту, который много дней носился по бушующему морю. Выставленная в Салоне 1819, эта картина вызвала резкую полемику и была воспринята как обличение правительства, погубившего фрегат и сотни людей. Для показа картины в Англии Жерико предпринял путешествие в Лондон. За время, проведенное в Англии (1820—22) он создал ряд акварелей и литографий со сценами народной жизни: «Телега с углем», «Пахота Англии», «Кузница» и др. В суровой сдержанной манере изобразил Жерико открывшиеся ему эпизоды жизни английской бедноты, нищих, бродяг. Одна из самых значительных работ этого цикла — композиция «Старый нищий, умирающий у дверей булочной» (1821). Интерес к внутреннему миру человека, к его переживаниям определяет тональность серии остротрагедийных портретов душевнобольных из госпиталя Саль-петриер.

Делакруа Эжен (1798—1863), выдающийся французский живописец, крупнейший представитель романтизма во французском искусстве.Родился в Шарантоне в семье префекта. Получил блестящее образование. Живописи обучался вначале в Школе изящных искусств в Париже, затем в мастерской П. Герена (1816—22). Решающую роль в формировании живописного стиля Делакруа сыграло копирование работ старых мастеров, в особенности П.П. Рубенса, П. Веронезе и Д. Всласкеса. В 1822 дебютировал в Салоне картиной «Ладья Данте» («Данте и Вергилий») на сюжет из первой песни «Ада» («Божественная комедия»). Делакруа сразу же был признан новатором, стал самым выдающимся живописцем-романтиком. Огромное впечатление на современников произвела и картина Делакруа «Резня на Хиосе». Это был эмоциональный отклик художника на героическую борьбу греческого народа против турецких завоевателей. К заметным работам художника относятся акварели, гуаши, рисунки 1820-х, обнаруживающие родство с рисунками Леонардо, где новое понимание динамичности сочеталось с ярким колоритом. Истинный шедевр того периода — «Испуганный молнией конь» (1824). Об этой гуаши, вызвавшей большой интерес на двух грандиозных выставках художника (1830 и самая последняя — 1863), говорили, что в ней «романтизм превзошел самого себя»: молния, сверкающая в грозовых облаках, привела в неистовство красивого белого коня, и он поднялся на дыбы. Но, бесспорно, вершиной творчества Д стала картина «Свобода, ведущая народ» («28 июля 1830 года»), хранящаяся в Лувре, — наиболее значительное произведение европейского искусства XIX века, посвященное вооруженному выступлению народа против угнетения (1830). Многие из романтиков учились у Д, но никто не достиг его выразительности.38. Творчество Милле, Домье, Курбе

Милле Жан-Франсуа (1814—1875), выдающийся французский художник.

Родился в Грюши на побережье Ла-Манша в зажиточной крестьянской семье. Уроки брал в Шербуре у ученика Ж. Давида. В 1837 приступил к учебе и парижской Школе изящных искусств у популярного тогда Делароша. 1848 год — год революции — стал главным в его творчестве. Выставленная в Салоне картина «Веятель» привлекла большое внимание и вызвала множество споров. После революции к управлению искусством пришли люди более демократически настроенные, оценившие талант художника. С этого времени живопись Милле уже принадлежала истории искусства. Тема труда — основная в его творчестве. Особая духовность человека физического труда чувствуется в его картине «Сеятель» — фигура, господствующая над бескрайним простором полей, стала символом. Картина произвела фурор на выставке в Салоне 1851, и каждая последующая картина Милле воспринималась как общественное событие. Естественность своих крестьян, их чистоту Милле сознательно противопоставил нравственной деградации высших сословий Второй империи.

Настоящую известность Милле приобрел после Всемирной выставки в Париже (1867), на которой был награжден Большой золотой медалью.

Домье Оноре (1808—1879), выдающийся французский карикатурист и живописец. Родился в Марселе в семье багетного мастера.. Около 1822 поступил в мастерскую А. Ленуа-ра, позже занимался в Академии Сюисса. Многому научился, копируя в Лувре старых мастеров, особенно П.П. Рубенса и Ф. Гойю. Рано освоил искусство литографии (ок. 1822), которому посвятил большую часть жизни. Вероятно, ранние его работы публиковались безымянно, но к 1830 в иллюстрированных парижских журналах появились подписанные Домье карикатуры. Большинство из них (вначале в журнале «Карикатюр», с 1832 — в журнале «Шаривари») было безжалостной сатирой на политических деятелей, находившихся у власти во Франции. За литографию «Гаргантюа» (1831) — карикатуру на короля Луи Филиппа — был арестован и осужден на шестимесячное заключение. После освобождения он продолжал делать политические карикатуры: на реакционных министров и депутатов («Маси»; «Законодательное чрево»,). Обогащавшейся буржуазии художник противопоставлял образы рабочих-революционеров, сражавшихся и умиравших за свободу: «Свобода печати», «Этого можно отпустить на свободу — он больше не опасен», «Улица Транснонен».

Домье создал несколько прекрасных портретов (А. Дюма-отец, Г. Берлиоз)

Курбе Гюстав (1819—1877), выдающийся французский живописец, замечательный мастер реализма.Родился в Орнане, на юго-западе Франции.. Обучался рисованию в семинарии в Орнане. Брал уроки у живописца Флажуло. Уехал в Париж (1840), где изучал работы старых и современных ему мастеров, писал с натуры. Первые работы художника (середина 1840-х) — картины на религиозные сюжеты, несколько автопортретов и портретов, ряд романтических по характеру композиций. Дебютировал в Салоне 1844 «Автопортретом с собакой». Для творчества Курбе оказалась очень важной поездка в Голландию (1847), где его привлекла жанровая живопись. Первым по-настоящему значительным произведением художника явилась большая картина «Послеобеденный отдых в Орнане» (1849).

1850-е — наиболее благоприятный период для творчества Курбе, когда созданы самые выдающиеся его произведения: «Каменотесы» (1849), «Похороны в Орнане» (1849), «Деревенские барышни» (1851).

В период Парижской коммуны Курбе активно участвовал в событях: и как художник, и как общественный деятель, президент федерации художников, «блюститель всех видов искусств и музеев Парижа». 39. Реалистическая живопись в руском искусстве 2половины 19 века. И. Репин, В. Суриков, И. Крамской, В. Перов.

Илья Ефимович Репин (1844-1930) выдающийся русский художник, представитель демократического реализма. Он, как и остальные передвижники, видел содержательность картин в том, что можно из них вычитать, поэтому он постоянно прибегал к литературным темам, стремился как можно выразительнее написать злую сатиру («Крестный ход в Курской губернии»), веселую проповедь («Запорожцы»), мрачную трагедию («Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года»), бытовую сцену с политическим подтекстом («Арест пропагандиста», «Проводы новобранца», «Не ждали»). Действующие лица на его картинах, очень точно расположенные, выразительно жестикулирующие, все-таки лицедеи, играющие роль, а не глубоко чувствующие люди. Лишь в «Бурлаках», написанных в юношеские годы под непосредственным впечатлением виденного во время путешествия по Волге, просто и ясно выражена драма.Но все чисто живописное расценивалось им как праздное, пустое, а следовательно безнравственное; в этом состояло неразрешимое противоречие твор чества Репина. Пересмотрев свои взгляды на искусство, он порвал с В.Стасовым, осуждая художников, которые иллюстрируют популярные идеи, пусть даже служащие общему благу, поскольку это опошляет искусство.

Недостаток творческого метода передвижников состоял в том, что они подходили к отображению жизни с уже готовой идеей, а затем подстраивали под эту идею свои картины. А. Бенуа, исследуя творчество «шестидесятников», писал, что на своих картинах они показывали жизнь только с темной стороны, подменяя жизненное житейским. Но передвижники победили Академию, и в этом состоит их главная заслуга.

Суриков Василий Иванович (1848—1916), выдающийся русский исторический живописец и жанрист.

Родился в Красноярске в семье казачьего офицера. Был зачислен в Академию художеств в Петербурге, учился у П. Чистякова. Уже в годы пребывания в Академии сложился как исторический живописец-реалист. В 1875 за картину «Апостол Павел благовествует перед царем Агриппой и его сестрой Вероникой» удостоен звания классного художника.

В 1876—77 исполнял живописные работы в московском храме Христа Спасителя. Он обращал внимание на переломные этапы истории. Таково и первое крупное произведение художника «Утро стрелецкой казни» (1878—81). В 1689 восстание, поднятое стрельцами, было подавлено, а сотни стрельцов были по приказу Петра казнены. На картине изображена не сама казнь, а последние минуты перед ней. Картина принесла Сурикову известность и выдвинула в ряды наиболее выдающихся художников-передвижников. На страницах прессы она вызвала бурю.

В 1881 С вступил в члены Товарищества передвижных художествен-х выставок.В следующей картине «Меншиков в Березове» (1881—83) Суриков показал трагедию друга и сподвижника Петра I, отправленного в ссылку. В 1887 Суриков закончил центральное свое произведение «Боярыня МорозоваВ 1891 Суриков написал картину «Взятие снежного городка», изображавшую игру, распространенную в Сибири. Работая над другой своей картиной «Суворов на Сен-Готарде», известной под названием «Переход Суворова через Альпы» (1899), побывал в Швейцарии.

Среди первых русских художников, которые в духе прогрессивной печати 60-х годов превратили свои картины в бичующую проповедь, был Василий Григорьевич Перов (1834-1882).Род в Тобольске.Закончил Училище живописи. Картина «Крестный ход на Пасху» была по резкости вполне «базаровской» и созвучной самым мрачным обличительным романам того времени.

И священнослужители, и мужики представлены в самом непривлекательном виде, не оставляя сомнения в том, что все в России никуда не годно и требует коренной ломки и переустройства. Все остальные картины Перова, за исключением «Приезда гувернантки» и «Тройки», скорее грустного, нежели обличительного характера, исполненные скорби за «бедное человечество». По сравнению с ранними картинами, отличавшимися излишними повествовательными деталями, дробностью формы и отсутствием чувства цвета, в поздних произведениях Перова появилась цельность. Особенно хороши портреты Ф.М.Достоевского и А.Н.Островского, великих русских писателей. Эти работы с полным правом позволяют причислить Перова к основоположникам психологического портрета в русской живописи -так точно и полно сумел он показать духовность своих героев. Невзирая на «идейность» его искусства, Перов остается очень крупным мастером по точности и убедительности характеристик.

Главный художественный деятель в живописи 60-70-х годов - Иван Николаевич Крамской (1837-1887), великая заслуга которого перед русским искусством состоит в его вдохновенной борьбе против мертвой академической схоластики за содержательность живописи. Родился в Острогожске Воронежской губернии. Закончил Петербургскую Академию художеств. В стенах Академии сложились у Крамского взгляды на искусство, близкие к взглядам Чернышевског, Добролюбова, Белинского. Вся его деятельность сводилась к призыву: «Вперед без оглядки к жизни, подальше от мертвенных формул!» Главный вопрос для него заключался в том, как и чем оправдать «бесцельное» занятие искусством на фоне бедствий и несправедливости общественной жизни. Этот социальный максимализм и стремление как можно правдоподобнее иллюстрировать жизнь привели к подмене художественных задач дидактическими.

«Проповедническая» деятельность Крамского в известной мере мешала ему как живописцу: он пытался решать живописными средствами то, что под силу было только публицистике, и замыслы его не находили адекватного живописного воплощения. Поэтому он и переходил от «Христа в пустыне к «Русалкам», от «Иродиады» к «Неутешному горю», от «Лунной ночи» к «Неизвестной». Крамской — один из первых русских художников, кто испытал интерес к состояниям на грани сна и яви, реальности и фантастики. По рисунку и по живописи картины Крамского абсолютно точны. Портретная живопись тем не менее несет на себе отпечаток фотографичности, чего-то скучного и безразличного. Крамской долгое время работал ретушером фотографии, а затем исполнял по заказу Румянцевского музея несколько сотен портретов знаменитых русских людей с фотографий и гравюр. Нет сомнения, портреты Крамского похожи на свои модели и в большинстве случаев хорошо нарисованы, но в них не хватает страсти, темперамента. Кисти Крамского принадлежат замечательные по глубине психологической характеристики портреты таких гениев русской словесности, как Л.Н.Толстой и Н.А.Некрасов. С портрета Толстого на нас смотрит умный, мудрый и чрезвычайно зоркий человек.

«Неутешное горе» — последняя по времени создания картина Крамского, навеянная тяжёлыми личными переживаниями (смертью двух младших сыновей).

Значение его жизни и творчества для русского искусства трудно переоценить. 40. Национальные особенности украинского искусства 19 века

В русское искусство еще в XVIII веке вливалось немало художников-выходцев с Украины: Д.Левицкий, В. Боровиковский, А.Лосенко и др. Богатая тема русского академизма в творчестве украинских художников, работы которых хранятся в России и на Украине, пока почти не изучена. Введение в историко-культурологический пласт многих имен талантливых русских и украинских художников является важной задачей и значительно обогащает представления как об украинской, так и русской культуре, о глубоких корнях их взаимообогащения, дальнейшее развитие которого как никогда актуально.

Проблема сохранения общечеловеческих ценностей, их применение в эстетической деятельности освоения мира прослеживается в искусстве в целом, независимо от исторического периода. В эпохи переломные, и тем более в такую, какой была эпоха конца XIX — начала XX века, на Украине эта проблема включала в себя важнейшие эстетические вопросы. Искусство рубежа веков представляло собой внутренне противоречивую, сложную, пеструю картину, отразившую духовный мир художника.

Хронологические рамки охватывают период культурной жизни России и Украины конца XIX - начала XX веков. Этот период связан с творчеством А.Г. Лазарчука и других русских и украинских художников, повлиявших на создание украинской живописной школы. Творчество А.Г. Лазарчука развивалось в переломное время в истории художественной культуры Украины. Рубеж веков отмечен сложнейшим переплетением социальных и духовных проблем. Художественные события рассматриваемого периода устанавливают его преемственную связь с предшествующим, в них ярко прослеживается творческая судьба мастеров искусства. Особенности их художественного мироощущения составляли сложное и противоречивое целое поисков творческого самовыражения. Многообразие проявлений культуры интерес к столь короткому отрезку времени в развитии отечественной культуры имеет серьезные основания, т.к. он способствует переосмыслению и активизации изучения многих принципиальных вопросов истории культуры.

Как и любая другая хронологическая грань в истории художественной культуры Украины, рубеж XIX - XX столетий не может абсолютизироваться. Многие процессы, определившие собой культурный обмен украинского искусства на рубеже веков, восходят к 80-м гг. XIX в. В 80-90-е годы XIX в. нашли свое более зрелое, классическое выражение те идейные и эстетические принципы и тенденции изображения народной тематики, которые были заложены еще в 60-е годы. Они явились заметной чертой украинской культуры рассматриваемого периода. Если во второй половине XIX в. главное размежевание прогрессивных тенденций происходило вокруг двух направлений: академизма и передвижничества, - то в начале XX в. возникают и существуют новые тенденции. Они либо резко расходились, либо переплетались. Представители этих тенденций, стремясь утвердить свое положение, отсекали все, что им мешало, своих антиподов, а еще больше последователей. Тем не менее, в этой сложной, противоречивой, иногда запутанной ситуации решался ряд новых кардинальных проблем художественного творчества, которые имели глубокую преемственность с прошлым. Более интенсивно происходило и усвоение традиций родной культуры. 41. Живопись и графика Т. Г. Шевченко

Уровень еще доакадемических работ Тараса поражает. Туши «Смерть Олега, князя древлянского», «Смерть Богдана Хмельницкого», акварель «Александр Македонский выражает доверие своему врачу Филиппу» (1836—1837) — это произведения зрелого мастера высокого полета, мирового значения. Каждая фигура говорит — они действительно кричат, грустят, страдают, размышляют, наблюдают, живут... Эти работы гармонично сконструированы, они (в том числе и их персонажи) раскованные, подвижные, живые.

Тарас часто посещал Эрмитаж, где обсуждал с друзьями гениальные произведения искусства, иногда с Брюлловым, что помогло ему особенно. Как известно, Ш был разносторонне одаренным художником и занимался разными видами искусства — живописец, график, иллюстратор, мастер офорта, скульптор, замечательный дизайнер, к тому же он был великим мыслителем и пророком. А в творчестве одно влияет на другое.

Шевченко ориентировался на западных великих классиков — Рембрандта, Рубенса, Рейсдала и сравнивал других художников, которых тоже ценил и брал с них пример, с ними. «Карл Павлович чрезвычайно прилежно работает над копиею с картины Доменикано «Иоанн Богослов». Копию эту заказала ему Академия художеств.

Уже с 1840 года проявляется ярко выраженное новаторство и художественная индивидуальность в живописи Шевченко. И новаторство это — до сих пор не оцененное — представляет собой общемировой прорыв в живописи.

Тарас воплощает в своих работах художественные, философские, идейные, духовные замыслы и размышления, его произведения и их модели, в частности, разнопланово говорящие.

На его акварелях, картинах слышен церковный звон, пение птиц, петухов, звуки жизни в селе или монастыре, чувствуется атмосфера казачьей славы, тогдашней жизни, реалистическая осязаемость домов, храмов, солнечная погода, солнце, свежесть, ароматы местности, какая-то свобода (хотя Украина и была порабощенной), прохлада и очарование пруда, движение туч, шелест деревьев, ветер, запах, вкус (физический и духовный); трава, иногда, например, «читается» в черно-белых репродукциях сепий и акварелей, где она изображена одним тоновым пятном (серия «Во Вьюнище», акварель «Чигирин с субботней дороги» (1845).

Все произведения Ш отмечены мощным художественным духом, атмосферой Ш-художника. Его картины, рисунки никогда не спутаешь с чьими-то еще. Они отмечены индивидуальностью, оригинальностью Тараса. Они и их персонажи — очень глубоки, таинственны, мистичны, загадочны. Ш владел сплавом духовности, духовного видения и техники, сплавом физической стороны жизни с мистической.

Глубоко индивидуальны акварели «Женщина в кровати», «Мария. По поэме Пушкина «Полтава», «Цыганка-гадалка» (1841) (серебряная медаль), масляные портреты друзей: супругов Закревских, Маевской (1843), Е.Кейкуатовой (1847), О.Лукьяновича (1845), серия офортов «Живописная Украина», рисунки «Уголок Смоленского кладбища в Петербурге» (1840), «Мальчик с собакой в лесу» (1840), и, разумеется, Шевченковская украинская «Джоконда» — «Катерина» (1842) (единственная сохранившаяся точно известная сюжетная масляная картина академического периода Тараса).

Шевченко раньше Гогена творил в «таитянском» стиле гения-новатора. Еще в 1843 году Тарас написал украинскую семью в картине «На пасеке» в этом стиле, с той же мощью, мыслями, духом, мистичностью, таинственностью, загадочностью и силой! В ссылке Шевченко пишет и похоже на Сезанна. Масляный «Автопортрет в черной фуражке» (1848—1849) просто удивительно перекликается с «Автопортретом в каскетке» Сезанна (1873—1875). При жизни Шевченко иногда называли «украинским Рембрандтом». 2. Национальные мотивы в украинской живописи 2 половины 19 века

Во второй половине 19 в. особенное значение на Украине приобретает бытовой жанр, в котором раскрывается своеобразный уклад жизни украинского народа. Тематика произведений становится шире, круг отражаемых явлений — богаче и разнообразнее, хотя обычно не выходит за пределы несложного повествования. Работы Константина Александровича Трутовского (1826—1893) как раз наиболее полно воплощают в себе эту типичную для украинского искусства тенденцию. Знаток традиционных обрядов, художник с мягким юмором изображает массовые жанровые сценки, проникнутые любовным отношением к народным типам. Одна из наиболее характерных картин этого рода—«Свадебный выкуп». Иногда в его работах звучат драматические ноты сочувствия к народной судьбе («Сбор недоимок на селе») или высмеивается помещичье-дворянский уклад жизни («Помещики-политики»).

Творчество художников, сложившихся в пореформенный период, обогатило бытовой жанр новым содержанием. В нем острее зазвучали мотивы социальных противоречий, связанные с расслоением и обнищанием крестьянства. Вместе с тем именно в жанровой картине поиски красоты и радости жизни находят свое выражение в создании поэтических крестьянских образов; как правило, они даны в окружающей их природе. В числе художников, посвятивших себя крестьянской теме, заметное место занимает Кириак Константинович Костанди (1852—1921) с его картиной «В люди». В грустном раздумье девушки, едущей в вагоне поезда на заработки, художник рисует судьбу крестьянской молодежи. Эта же тема развивается в картинах Н. Д. Кузнецова и других. Одним из крупнейших украинских жанристов был Николай Корнилович Пимоненко (1862—1912). Художника волновали темы рекрутских наборов, которые еще более усугубляли тяжкое положение крестьян («Проводы рекрутов») или религиозного фанатизма, насаждающегося самодержавием в украинских селах («Жертва фанатизма»). Но более всего его увлекали бытовые народные сцены, дающие возможность показать различные характеры персонажей («Свадьба в Киевской губернии. На протяжении всего творчества в картинах Пимоненко проходит тема труда, которая воспринимается им через опоэтизированный образ украинской женщины-труженицы, прекрасной своим здоровьем, статностью. Именно для работ подобного рода («Страда») характерно обращение к пленэрной живописи, сообщающее им особую свежесть. Творчество Пимоненко пользовалось большой популярностью.

Во второй половине 19 в. украинское искусство теснейшим образом было связано с Товариществом передвижных художественных выставок, экспонентами и членами которого были крупнейшие украинские художники. По примеру передвижников в Одессе в 1890 г. было основано Товарищество южнорусских художников, устраивавшее выставки в Харькове, Севастополе и других городах. В формировании национальных художественных кадров большую роль наряду с Петербургской Академией стали играть местные художественные школы: Киевская художественная школа Н. И. Мурашко (основана в 1875), Одесская рисовальная школа (1865), Харьковская художественная школа М. Д. Раевской-Ивановой (1869). Одновременно с этими центрами художественного образования огромное значение для многих художников Украины имела деятельность И. Е. Репина, который был для них своего рода духовным отцом.