Скульптура 1 страница

Зарубежное искусство ХХ века. Вопросы к экзамену

Дюшан 1887, Блэнвиль — 1968, Нёйи-сюр-Сен. Французский художник. Начал заниматься живописью с 1902. В 1904 прибыл в Париж, где обучался в Академии Жюлиана. В ранних работах осваивал приемы постимпрессионизма и фовизма (Отец художника, 1910; Игра в шахматы, 1910; Куст, 1910—1911, все — Филадельфия, Музей искусств). В 1911—1913 сформировал вместе со своими братьями Жаком Вийоном и Реймоном Дюшан-Вийоном группу "Пюто" — объединение художников, продолжавших новаторские начинания аналитического кубизма. Пластическими средствами кубизма (дробление форм, взаимоналожение мелких граней и плоскостей) Дюшан стремился передать движение, что сближает его живопись начала 1910-х с исканиями футуристов. Двоящиеся, наслаивающиеся друг на друга объемы фиксируют, как в хронофотографии, разные фазы движения фигуры (Грустный молодой человек в поезде, 1911—1912, Венеция, фонд П. Гуггенхейм; Портрет, или Дульсинея, 1911; Обнаженная, спускающаяся по лестнице № 2, 1912; Король и королева в окружении быстрых обнаженных, 1912, все — Филадельфия, Музей искусств). В последующих работах сложные живописные структуры вытесняются лаконичными, жесткими машиноподобными формами, создающими противоречивые соотношения объема и плоскости (Новобрачная, 1912; Дробилка для шоколада, 1914, обе — Филадельфия, Музей искусств).

В 1913—1914 Дюшан, разочаровавшись в живописи, показал на выставках свои первые реди-мейд — промышленные изделия, обретающие в контексте экспозиции характер неутилитарной, отвлеченной формы (Велосипедное колесо, 1913; Сушилка для бутылок, 1914). Эти акции знаменуют начало дадаистского периода в творчестве художника.

В 1915 Дюшан прибыл в Нью-Йорк, где вместе с Пикабиа и Мэн Реем основал группировку дадаистов. В 1915— 1923 работал над композицией под названием Большое стекло: Новобрачная, раздеваемая ее же холостяками (первоначальный вариант, оставшийся незаконченным, разрушен; авторская реконструкция 1936, Филадельфия, Музей искусства). Композиция, выполненная в сложной технике (живопись маслом и лаками по стеклу, коллаж из бумаги, фольги, проволоки), символизирует "сексуальную механику" — циркуляцию инстинктивных желаний и потаенных потоков подсознания.

В 1923 Дюшан заявил о своем отказе от художественного творчества и посвятил себя, главным образом, шахматной игре. Однако время от времени он выступал с саркастическими, провокативными манифестациями "антиискусства". Его реди-мейд, сюрреалистические "объекты", инсталляции, вращающиеся конструкции вошли в предысторию таких направлений, как оп-арт, поп-арт, кинетическое искусство, "новый реализм". В 1935—1941 им создан своего рода портативный музей: миниатюрные реплики и репродукции собственных произведений, разложенных в коробки, упакованные в чемодан (Париж, Нац. музей современного искусства). Лишь после смерти художника было обнаружено еще одно его создание, под названием Данности: 1. Водопад. 2. Газовый светильник (1946—1966, Филадельфия, Музей искусств). Эту инсталляцию с вызывающе эротической женской фигурой, распростертой со светильником в руке на фоне странного пейзажа, можно увидеть только в щель ветхой двери, наглухо перекрывающей загадочную сцену.

В конце жизни Дюшан приобрел славу первопроходца и стал кумиром нового поколения авангарда, возобновившего экспериментальные начинания дадаизма.

2. Немецкий экспрессионизм. Группа «Мост»

С группы "Мост" начинался экспрессионизм - одно из важнейших и самое "немецкое" явление в искусстве ХХ века. К тому же слабых работ у этих художников, похоже, просто не было ни& в каких периодах.

В отличие от только что завершившейся демонстрации футуризма, где «наши» с помощью организаторов вчистую переиграли итальянцев, выставку художников группы «Мост» везут совсем не из провинциального музея, дополняя собранным с миру по нитке.

Берлинский музей — хранитель хоть и не самых знаменитых шедевров Эрнста Кирхнера, Эриха Хеккеля, Карла Шмидт-Ротлуфа, Макса Пехштейна, располагает весьма представительным собранием, развивающимся на основе роскошного дара Карла Шмидт-Ротлуфа.

К тому же слабых работ у этих художников, похоже, просто не было ни в каких периодах — на выставке можно видеть и то, что они делали много позже, когда история группы была завершена.

«Мост» создали в 1905 году студенты-архитекторы Высшей технической школы в Дрездене. Утомленные академической муштрой и красотами стиля модерн, юные художники устремились к простоте, ясности, непосредственности изложения мыслей и чувств. В искусстве, которое они создавали, не оставалось места классической красоте, визуальным иллюзиям и изящным гармониям. Социальное и физиологическое напряжение, страх, боль, ужас, наполняющие картины художников «Моста», закономерно сделали их в 1937 году экспонентами популярной гитлеровской выставки «Дегенеративное искусство». Предложенное Шмидт-Ротлуфом название понравилось его коллегам скорее многозначностью, чем определенностью, и позже его трактовали по желанию, благо мост может соединять и разъединять близкое и противоположное, к тому же он непременно куда-то ведет, но двигаться можно и вперед, и назад. Программа группы звучала весьма приблизительно: «Каждый, кто непосредственно и неподдельно передает то, что его понуждает творить, принадлежит нам». Постепенно группа расширялась, к ней присоединился Макс Пехштейн, на короткий период — Эмиль Нольде. Приглашали Мунка, Матисса, были и менее известные участники и «пассивные члены», участвовавшие в деятельности «Моста» деньгами. К заслугам группы относят не только изобретение экспрессионизма, но и вдохновленное даже не отпечатками, а досками старых немецких мастеров возвращение самостоятельной роли гравюры не дереве — ксилографии.

За несколько лет от увлечения «ван Гогами» и «Мунками», работами фовистов, искусством первобытных народов они пришли к единству стиля, так что работы некоторых художников стало трудно различать, затем снова разошлись. Конец «Мосту» положили переезд художников в Берлин и, как водится, разные представления о своей роли в первой же написанной истории группы.

Отто Францевич Кирхнер (нем. Kirchner Otto Francevich; 11 марта 1848 — 6 ноября 1901) — немецкий предприниматель, основатель фабрики «Светоч»

Из информации, содержащейся в электронном архиве Эриха Николаевича Амбургера в Петрикирхе, известно, что Отто Кирхнер родился 11 марта 1848 года, в Ангальт-Цербсте. Подобно тысячам других немцев он переехал в Россию, чтобы организовать своё дело. Здесь, в Петербурге, у него было больше возможностей, чтобы реализовать свои честолюбивые планы по сравнению с Ангальт-Цербстом. Как отмечает И. М. Эйзен в книге «Очерк истории переплетного дела…»: «некоторые её лучшие переплётчики покинули свою родину, не встречая в своей стране ни сочувствия к своим трудам, ни должной оценки своих работ, они, лишний раз убедившись в истине, что нет пророка в своём отечестве, покинули Германию, чтобы вдали от неё, хотя и на чужбине, работать в целях подъема переплётного искусства»[1].

[править] Открытие мастерской в Санкт-Петербурге

30 ноября 1871 года на Малой Морской, в доме № 14 23-летний немецкий мастер Отто Францевич Кирхнер открыл переплётную мастерскую в очень небольших размерах и с весьма ограниченными средствами.[1] В первые годы Отто Кирхнер работал сам с двумя учениками, имея при себе только самые необходимые инструменты для производства. Все работы в мастерской они выполняли вручную. Отто Кирхнер приехал в Санкт-Петербург, будучи профессионалом, прекрасно знающим своё дело. Именно этот профессионализм позволил его мастерской в кратчайшие сроки закрепиться на рынке переплётных услуг. Годы шли, число заказов увеличивалось, и мастерская работала с каждым годом все лучше и лучше. Мастерской Отто Кирхнера приходилось соперничать с другими переплётными предприятиями, которых на тот момент в Петербурге существовало 160, выпускавшими роскошные, но дорогие переплёты в небольших количествах (некоторые и единично).[2] Заветной же целью Кирхнера было добиться того, чтобы иметь возможность изготавливать изящный, прочный и в то же время, доступный и дешевый для простых людей переплёт. Именно эта цель помогла ему расширять своё производство год за годом.

Через 10 лет своего существования в 1881 году дело совершенно упрочилось. Тяжёлые времена для Отто Кирхнера и его производства остались в прошлом. В его мастерской трудились уже не 2 ученика, а 25-30 рабочих. И имелись не только необходимые инструменты, но и новейшие для своего времени 13 машин. Ежедневно в мастерской Кирхнера переплеталось от 250 до 300 книг. Но на этом достижении энергичный немецкий предприниматель не остановился. Он задумал ещё более расширить и усовершенствовать своё дело. В этих целях Отто Францевич несколько раз выезжал на стажировку за границу. Там же одновременно он покупал материалы, посещал лучшие переплётные фабрики, перенимая опыт, и делился своим. Он побывал в крупнейшем полиграфическом центре Германии — Лейпциге. Там, в центре переплётного дела, он ознакомился с новейшей техникой, лучшими машинами и наиболее рациональной системой производства, также посещал в те времена очень известные предприятия Краузе, Мансфельда и Фомма. Количество заказов, увеличивавшихся со дня на день, подвигло Отто Кирхнера приобрести в 1884 году котёл и паровую машину. С расширением производства, помещение становилось все более тесным и ему приходилось приобретать новые площади в том же доме № 14 на Малой Морской. Как известно, в каждом промышленном предприятии в течение года бывает некоторое затишье. Чтобы рабочие его производства в такие месяцы затишья не оставались без зарплаты, Кирхнер открыл уже в 1879 году собственное издательство. Первое, чем он занялся — это издание отрывных календарей. Как и переплётное дело, издание календарей так же увенчалось успехом.

«Синий всадник»

Синий всадник (нем. Der Blaue Reiter) — творческое объединение представителей экспрессионизма, в основном, художников в начале XX века в Германии.

Объединение «Синий всадник» было основано в декабре 1911 года в Мюнхене Василием Кандинским и Францем Марком. Основной целью было освобождение от окаменелых традиций академической живописи. Помимо них в группе также были Август Маке, Марианна Веревкина, Алексей Явленский и Пауль Клее. В работе этой художественной группы участвовали также танцоры и композиторы. Их объединял интерес к средневековому и примитивному искусству и движениям того времени — фовизму и кубизму.

Август Маке и Франц Марк придерживались мнения, что у каждого человека есть внутреннее и внешнее восприятие действительности, которые следует объединить посредством искусства. Эта идея была обоснована теоретически Кандинским. Группа стремилась достичь равноправия всех форм искусства.

Название Синий всадник мы придумали за кофейным столом в саду в Зиндельдорфе. Мы оба любили синий, Марк - лошадей, я - всадников. И название пришло само.

· Василий Кандинский

· Франц Марк

· Марианна Веревкина

· Габриэла Мюнтер

· Пауль Клее

· Моисей Коган

· Алексей Явленский

· Август Маке

· Альфред Кубин

Васи́лий Васи́льевич Канди́нский (4 (16) декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция) — русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества.

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря ст. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 семья осела в Одессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получает также художественное и музыкальное образование. В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова, изучая экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля)совершил этнографическую экспедициию по северным уездам Вологодской губернии.^[1]

В 1893 г. В.Кандинский окончил юридический факультет. В (1895—1896) трудился художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёва и К°», на Пименовской улице, в Москве.

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. Явленским, М. В. Верёвкиной, Д. Н. Кардовским, М. В. Добужинским, И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем.

С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе.^[2]

В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой сам же и преподавал.

С 1900 г. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников.

В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

В 1909 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник», членами которой стали известные художники-экспрессионисты, Франц Марк, Алексей Явленский, Марианна Верёвкина а также Пауль Клее. Тогда же у него прошла первая персональная выставка.

В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.

После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой.

В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).

В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он уже не вернулся.

В Берлине Василий Кандинский начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре Кандинский получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства.

В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.

С 1933 по 1944 г. он жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе.

В 1939 г. Василий Кандинский принял французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.

Аристид Майоль (1861, Баньюльс-сюр-Мер — 27 сентября 1944, там же) — французский скульптор и живописец каталанского происхождения. Аристид Майоль родился 8 декабря 1861 г. на юге Франции — в городке Баньюльс-сюр-Мер в провинции Руссильон (Пиренеи). Учился в Школе изящных искусств и Школе декоративных искусств в Париже, занимался рисунком и живописью в классе Александра Кабанеля. Но ухудшение зрения заставило его обратиться к скульптуре.

Аристид Майоль был сыном потомственного виноградаря (слово «майоль» на каталонском наречии означает «виноградная лоза»). На родине в крестьянском труде и робких попытках заниматься искусством прошли первые двадцать лет его жизни.

В 1881 г. Майоль поселился в Париже. Сначала он посещал школу при Академии изящных искусств, затем Школу декоративных искусств, где познакомился с творчеством современных французских художников. В то время Майоль увлёкся живописью и изготовлением гобеленов — вытканных вручную шерстяных ковров-картин без ворса. Он вернулся домой и организовал мастерскую. В 1894 г. первые его работы были представлены публике. Ткачество открыло Майолю забытые возможности декоративно-прикладного искусства, а созданные им гобелены, очаровав многих художников, принесли мастеру известность и поклонников среди коллекционеров.

В сорок лет Майоль занялся скульптурой. Огюст Роден, посетив первую персональную выставку мастера в 1902 г., был восхищён его работой «Леда» (1902 г.). Это был невероятный успех, признание правильности избранного пути, более того — своеобразное благословение великого Родена.

В 1901—1905 гг. Майоль создал первую большую мраморную статую, у которой два названия: «Средиземное море» и «Мысль». Её композиция чиста и логична, а пластика формы естественна и проста.

Майоль, проверив в свои силы, начал участвовать в конкурсах проектов памятников. В 1906 г. появился монумент «Скованная свобода» (1905—1906 гг.), изображающий могучую женщину, воплощение жизненной энергии, способной к преобразованию мира. Таким Майоль представил памятник коммунисту-утописту Луи Огюсту Бланки. Заказчики остались недовольны. Они попытались скрыть непривычный облик скульптуры, поставив её на очень высокий постамент и окружив деревьями.

Скульптор мечтал увидеть памятники Древней Греции. В 1908 г. у него появилась такая возможность. Новый друг Майоля немецкий меценат и коллекционер граф Гарри Кесслер осуществил его желание. Созерцая скульптуры Парфенона и храма Зевса в Олимпии, рисуя в афинских музеях, мастер ощутил родство своего таланта с пластическим мышлением древних греков, почувствовал связь, прошедшую через тысячелетия. Одновременно Майоль осознал невероятный разрыв культур — древней и современной. «Что должен был я выбрать? — спрашивал себя скульптор. — Нашему времени не нужны больше боги. Мне остаётся следовать природе…»

Так появилась «Флора» (1911 г.), спокойная, как мудрая богиня, и сильная, как простая крестьянка. За ней последовала более изящная скульптура, олицетворяющая Иль-де-Франс, историческую область в центре Франции («Иль-де-Франс», 1910—1932 гг.). «Не подражая природе, я работаю, как она», — говорил Майоль.

В 1912 г, скульптор начал памятник художнику Полю Сезанну. (Майоля иногда называли «Сезанном в скульптуре».) Он занимался памятником более десяти лет, разрабатывая композицию с полулежащей женской фигурой. Однако жителям Экса, родного города Сезанна, монумент показался слишком простым. После громкого скандала в прессе он нашёл приют в парижском саду Тюильри.

В 1934 г архитектор Жан-Клод Дондел познакомил 73-х летнего Майоля с иммигранткой из Румынии, 15-летней Диной Верни, которая стала сначала его натурщицей, а затем и музой. Он представлял её в виде разнообразных ню в бронзе, мраморе и прочих материалах (композиции «Река», «Воздух», «Гармония» и множество других) и благодаря этому творческому содружеству Майоль вновь начал рисовать.

В 30-х гг. Майоля всё больше привлекала природа («Гора», 1935—1938 гг.; «Река», 1939—1943 гг.). Скульптура «Гора» — снова женщина, она душа горы, её незримый образ, её сущность. Одна нога женщины уходит в камень, другая согнута; голова её склонена. Пальцы рук женщины разомкнуты и устремлены вверх — это вершина горы. Волнистые развевающиеся волосы олицетворяют облака, наползающие на вершину.

«Гармония» (1940—1944 гг.) — последняя статуя мастера. Майоль работал над ней четыре года, но она осталась незавершённой. «Гармония» изображает юную, сильную и гибкую женщину, неуловимо похожую на античную Венеру. Это своего рода завещание скульптора потомкам.

Майоль как-то сказал: «Я не изобретаю ничего, так же как яблоня не выдумывает своих яблок». Простые истины, которые благодаря ему вновь утвердились в европейской скульптуре, — это законы гармонии и красоты. Они были надолго забыты; их подменили условной красивостью, принятой в академиях, пустой и бездушной. Вслед за живописной выразительностью Огюста Родена и эмоциональностью Антуана Бурделя классическая простота Аристида Майоля уничтожила последние следы академизма, вернув скульптуре XX в. её древние основы.

27 сентября 1944 годa Майоль погиб в автокатастрофе, всё свое состояние и все свои коллекции он завещал Дине Верни. С этого момента она становится галеристкой в Париже, одной из самых успешных. На протяжении всей жизни Дина Верни занималась пропагандой творчества Майоля, увенчавшейся в 1995 году открытием музея Майоля — «Фонда Дины Верни» (улица Гренель, 61, VI округ Парижа), который, кроме работ Майоля в постоянной экспозиции, отличается исключительно высоким уровнем выставок. 18 скульптур Майоля были ею переданы в дар французскому правительству с условием их размещения в садах Тюильри (впоследствии она передала ещё две скульптуры).

БУРДЕЛЬ Эмиль -
(1861-1929) французский скульптор, живописец и график. Родился в Монтобане, Прованс. Отец - резчик по дереву, прекрасный рисовальщик. Учился в Школах изящных искусств в Тулузе (1876-1884 гг.) и Париже (1884–1886 гг.). Работал в мастерских Ж. Фальгьера и Ж. Далу, стал учеником и помощником О. Родена. Преподавал в студии Гранд-Шомьер в Париже (1909-1929 гг.). Посетил Италию, Грецию, Чехию. Энергия, заключенная в скульптурах Бурделя, настолько велика и неистова, что форма напрягается, взрывается, сминается под собственной тяжестью, деформируется, едва не утрачивая образную целостность. Необыкновенный "скорбный накал" поражает в серии скульптур, которые Бурдель посвятил Бетховену: бронзовом "Бетховене, подпирающем рукой щеку" (1888 г.), "Моя стихия - воздух", а также в "Гамлете" (1891 г.). От проникнутых бурной экспрессией ранних произведений ("Памятник павшим" в Монтобане, бронза, 1893-1902 гг.) перешёл к более уравновешенным композициям, в которых творчески претворил традиции древне-греческой архаики и ранней классики, стремился к героизации и монументализации образов ("Геракл, стреляющий из лука", 1909 г.; "Пенелопа", 1909-1912 гг., и "Сафо", 1924-1925 гг.; все - бронза). Его "Геракл, стреляющий из лука", которого можно увидеть в Национальном музее современного искусства в Париже, на заре XX в. стал символом возвращения в искусство образа "естественного" человека. Бурдель решился доказать, что у человека еще достаточно сил и воли, чтобы самому, без помощи хитроумной, сложной техники вступить в схватку с природой. Очень экспрессивно, неистово переосмысленный образ древнегреческого мифического героя воплощает выдвинутую Бурделем пластическую идею "уравновешенной неуравновешенности" и остается одним из самых выразительных памятников скульптуры нового времени. В годы Первой мировой войны Бурдель создал бронзовую статую Победы, которую задумал как памятник павшим на фронте депутатам Национального собрания (1916 г.). В 1920-е гг. Бурдель приобрел мировую славу. Его выставки проходят в Праге, Венеции, Японии, США. Самой большой прижизненной выставкой Бурделя считается экспозиция в Брюсселе в 1928 г., на которой были представлены 141 скульптура, 78 живописных и графических работ. Бурделю принадлежат памятники К. Альвеару в Буэнос-Айресе (1915-1923 гг.) и А. Мицкевичу в Париже (1909-1929 гг.); ему удалось с поразительной чуткостью уловить наиболее существенные черты личности каждого из них. Бурдель автор портретов О. Родена (1909 г.), О. Пере (1910-е гг.), А. Франса (1919 г.). Произведения Бурделя отмечены яркостью замысла, тяготением к мощным монументальным формам, но часто не свободны от стилизации и архаизации. Умер Бурдель в Ле-Везине, Ивелин. Он оставил после себя около 900 скульптур, 6 000 рисунков, фрески, живопись, гуаши и пастели, иллюстрации. У Бурделя учились известные русские скульпторы В. Мухина, Б. Терновец, И. Шадр, И. Жуков. Жена Бурделя, гречанка по происхождению, К. Севостос, воплощенная им в 1906 г. в работе "Скульпторша", долгое время встречала посетителей в доме-музее Бурделя в Париже, где собраны многие из лучших творений мастера.

Фовизм (от фр. fauve — дикий) — направление во французской живописи и музыке конца XIX — начала XX века. На парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков назвал этих живописцев дикими зверями (les fauves). Так случайное высказывание вошло и закрепилось как название за всем течением. Художественной манере фовистов были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема. Характеризуется предельно интенсивным звучанием открытых цветов, сопоставлением контрастных хроматических плоскостей, сведением формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись. Название направления отражает реакцию современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок.

Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго — примерно с 1898 по 1908 год.

Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам.

Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом. На его картине женский нос вполне мог быть зеленого цвета, если это придавало ей выразительности и композиции. Матисс утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую картины».

Любопытно, что название этого течения происходит от французского «les fauves» (буквально, «дикие»), как назвал фовистов критик Луи Восель в 1905 году. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета.

Первым «измом» XX столетия стал фовизм. Он долго подготавливался и быстро закончился, получив крещение в парижском Осеннем салоне 1905 г., сошел «на нет» в 1908 г. Все его инициаторы, начав работать самостоятельно, на какое-то время объединились, но вскоре разошлись, стали развивать индивидуальные манеры. То, что их живопись, стилистически сформировавшаяся на рубеже веков, не удивила друг друга, свидетельствует о том, что реформы, на которые решились художники, были подготовлены и ожидаемы. Более того, фовистская манера быстро распространилась по многим странам, за пределами Франции, а именно в Германии, России, скандинавских государствах. Фовизм стал течением, определившим переход от подготовки авангарда к собственно авангарду.

Как многие названия в истории авангарда, слово «фовисты», что значит «дикие», возникло случайно. В газете «Жиль блаз» от 17 октября 1905 г. Луи Воксель поместил свои впечатления об одном из залов Гран Пале. Среди картин Анри Матисса, Андре Дерена, Мориса де Вламинка, Отона Фриеза, Анри Мангена, Жана Пюи и Луи Вольта был помещен торс работы скульптора-неоклассициста Альбера Марке. По этому поводу Воксель сказал, что это «Донателло среди диких зверей», противопоставив стилизацию под манеру итальянского мастера Возрождения новой, яркой по цвету живописи. 4 ноября «Иллюстрасьон» поместила репродукции некоторых работ «фовистов» с комментариями Л. Вокселя, К. Моклера, Г. Жеффруа и Тьебо-Сиссон. Они писали о школе «колористов», вспомнив и картины Ж. Руо, которые висели в соседнем помещении, и живопись П. Сезанна,А. Руссо и Ш. Герена. Реакция критиков была неоднозначной. Они осознали значительность увиденного, но оценку дать не смогли. Матисс вслед за Вокселем назвал этот зал Салона «залом диких». Основное ядро фовистов не так уж сразу приняло новое имя, да и учтем, что подлинного родства между ними было все же не так уж и много, что особенно ясно, если сопоставить творчество Матисса и Руо, Марке и Дерена, Дюфи и Вламинка. Группа увеличивалась. К основной группе присоединились голландский художник Кес ван Донген, французы Р. Дюфи, Ш. Комуэн, М. Марино, А. Марке, Ж. Брак. Конечно, не все таланты были равновелики; менее обещающими оказались Манген, Пюи, Вольта, Комуэн и Марино. Все же другие мастера и особенно Матисс стали ведущими художниками раннего авангарда, подавая многим пример своей смелостью, решительностью и энергией. Вла-минк прямо говорил: «Что такое фовизм? Это—я, мой стиль определенного периода, моя революционная и свободная манера, мой отказ от академизма, мой синий, мой красный, мой желтый, без смешивания». Примерно также могли сказать и другие. Но во времена фовизма художники были скупы на высказывания, отдельные суждения относятся к последующим годам. У них не имелось программы, да и цельной школы они не составили.