Греческое искусство эллинистического периода и искусство Востока. Основные школы, направления, центры, памятники

Приходит более сложное миропонимание, обостряется интерес к раскрытию внктреннего мира человека, динамика образов. Многофигурные композиции и статуи колоссальных размеров. Был создан колосс Родосский. Крупнейшие центры-александрия, антиохия, пергам. Правильная планировка, скульпторы воплощают торжество побед. Черта эллинизма- сочетание культурных дсотижений Греции и Востока.

Архитектруа. Отличие в том, что стремятся к освоению открытых пространств. Возводят двухъярусные колоннады.

Среди скульптур особенно выделяются Венера Милосская.

28.​Искусство этрусков: архитектура, монументальная скульптура.
Этруски отличаются своей самобытной и богатой культурой. Была поглощена Римляанми. Как и в греции строился акрополь. Развито инженерное дело. Строили города для живых и мертвых. Для живых из дерева, мертвых-камни. В жилищном дома все было обустроенно для бытовой жизни. Как и в Гипте была традиция помещать в место усопшего ювелирные изделия.
Первые памятники культуры этрусков относятся к концу IX- началу VIII в. до н. э. Цикл развития этрусской цивилизации завершается ко II в. до н. э. Рим находился под её влиянием до I в. до н. э.^[1]

Этрусская цивилизация носила преимущественно городской характер. Города с мощными стенами стояли недалеко друг от друга вдоль долин рек Тибр и Арно: гг. Ареццо, Кортона, Клузиум, Перузия, а также богатые и сильные Черветери и Тарквиния. Они долго сохраняли архаические культы первых италийских поселенцев и проявляли особенный интерес к смерти и загробному миру. Поэтому этрусское искусство значительно было связано с украшением гробниц, причем исходя из концепции, что предметы в них должны сохранять связь с реальной жизнью^[1].

Гробница имела форму дома, была подобием дома или даже самого человеческого тела. С помощью гробницы или урны умерший мог снова продолжить свое существование^[1].

Влияние греческого искусства чувствуется почти все время развития этрусской культуры. Но оно сводится к внешнему воздействию, затрагивая главным образом внешние формы — столь разным было мировоззрение обеих культур. «Искусство, заботящееся прежде всего об отдалении смерти, относится не столько к религии, сколько к предрассудкам, но поскольку предрассудки — это темное простонародное суеверие, то этрусское искусство никогда до конца не утрачивает своей связи с повседневной жизнью. Иными словами, это не искусство, являющееся завершением целой культуры — например, классической, а порождение практической, будничной жизни, той самой, для которой как раз и характерен страх перед смертью, от которой приходится как бы ограждать себя изо дня в день. По этой же самой причине этрусское искусство носит глубоко натуралистический характер. Более того, именно в отношении этрусского искусства впервые можно применить этот термин. Оно натуралистично в силу того, что целью борьбы за спасение от смерти является материальная реальность сущего или по крайней мере его подобие, в силу того, что путем искусства действительность обретет продолжение, хотя и в ужасающем окружении нереального и небытия. Этим объясняется, почему этрусское искусство, хотя и широко прибегает к использованию форм греческого искусство, является по сути антиклассическим. Более, того, оно является первоисточником антиклассического течения, которое широко разовьется в римском искусстве, проникнет в Средневековье, в более поздние эпохи и станет постоянной или весьма частой антитезой столь же постоянного и весьма частого тезиса классического „идеализма“»

Архитектура этрусков была достаточно развита. Лучше всего сохранились стены, окружавшие этрусские города, и гробницы.

Храм в этрусской цивилизации большого значения не имел. С древнейших времен в религиозных обрядах этруски использовали открытые святилища, храмовое строительство началось позднее. Самое раннее одноцелловое сооружение датируется первой половиной VI века до н. э. Свои святилища этруски строили из дерева и глины — поэтому они не сохранились, и восстанавливаются на основе трактата Витрувия и терракотовых урн в форме храма^[1].

Храм строился на высоком основании с низкими колоннами, по своим формам отдаленно напоминал дорический храм. Центральная целла была чуть больше боковых, портик поддерживали два ряда колонн. Крыша покрывалась черепицей. По краям кровли помещались антефиксы. Нафризе изображались сначала группы богов или людей, позднее — цветочный орнамент. Вся терракотовая отделка раскрашивалась в яркие цвета.

Простые здания венчали обильные и ярко раскрашенные терракотовые украшения — антефиксы и фигурные рельефы, которые скрывали и защищали верх деревянных столбов, а также акротерии, постепенно развивавшиеся от простых форм до скульптурных композиций и групп на гребне двускатной крыши^[1]. При строительстве храмов этруски редко использовали камень, только в основании храма — подиуме.

Лучше всего строительный талант этрусков проявлялся в сооружении городских стен и ворот. Упомянем стены и ворота Перузии и Волатерры^[1]. В VIII—VI веке до н. э. для сооружения ложных сводов и арок использовалась каменная кладка, настоящий цилиндрический свод начал сооружаться в период эллинизма. Самое древнее этрусское укрепление — земляной вал в Поджио-Буко (VII век до н. э.).

Они были мастерами обработки и плотной пригонки друг к другу камней из местной мягкой породы. Выдающимся достижением этрусской архитектуры является принцип плотной подгонки каменных блоков и их опоры друг на друга, на котором основывается система арочного и сводчатого перекрытия. Арочный свод станет и основным элементом римской архитектуры^[1].

Главные этрусские гробницы находятся в Орвьето, Тарквинии, Кьюзи, Черветери. Своих мертвецов этруски обычно хоронили прямо в земле. Наверху делалась земляная насыпь конической формы, основание которой окружалась камнями. После отказа от кремации этруски стали захоранивать усопших в гробницах. Есть и скальные захоронения, например, в Соване. Они обычно состоят из нескольких помещений с плоской или двускатной крышей, иногда в виде «толоса». Для прочности перекрытия поддерживаются обтесанными опорами. Стены часто украшались живописью. В гробнице с расписными рельефами в Черветери опоры украшены терракотовыми полихромными рельефеми, изображащими животных, оружие^[1].

Дома в Этрурии возводились из необожженного кирпича, фундамент складывали из речных камней. Дома, скорее всего, были одноэтажными. Этруски использовали плоскую и изогнутую черепицу.

В Сутри сохранился этрусский амфитеатр, вырубленный в скале.

Скульптура, хотя на ней также лежит отпечаток этой эсхатологической концепции, по-другому связана с миром мастерства и ремесел, с реальным миром этрусского общества^[1]. Помимо культа умерших пластика имела и другие функции — существовала крупная декоративная пластика, мелкая пластика для обстановки дома, украшения. Погребальная скульптура существовала в виде канопов(урна с крышкой в виде головы) и саркофагов^[1].

В период Вилланова преобладали повторяющиеся геометрические узоры, которые помещались на терракотовые и бронзовые изделия. Ориентализирующий период, начавшийся в VII веке до н. э., принес в Этрурию широкое разнообразие изделий Греции и восточного Средиземноморья. Воздействие было очень сильным. Этруски копировали, усваивали, смешивали орнаменты, пока эта смесь сама не стала стилем.

Но одна форма скульптуры VII века до н. э. была достижением местных мастеров — это погребальная урна из глины или бронзы с крышкой в виде человеческой головы, или канопа. Приблизительно в это же время появились скульптурные изваяния. Около 600 года до н. э. в Этрурии начался архаический период, продолжавшийся до 475 года до н. э.

К VII в. до н. э. восходят канопы из Клузиума. Сосуд воспроизводит человеческое тело, разумеется схематически. Руки изображаются ручками, голова на крышке повторяет своеобразную маску или портрет покойного. Материал — терракота или металл. Эта пластика относится к древнейшей в Средиземноморье — судя по упрощенному характеру изображения и грубо намеченным чертам лица^[1].

Каменная скульптура и рельефы, бронзовая скульптура (капитолийская волчица, химера), терракотовая скульптура (скульптура молодого человека, крылья)

29.​Архитектура и скульптура Древнего Рима эпохи Республики.
Храмы этого периода напоминают греческие. Они прямоугольны в плане, построены на высоком подиуме, вход только с одной стороны. К глубокому портику вела лестница. Колонны создавали иллюзию колоннады, потому как выступали из стены только на половину объема.

Римская архитектура выработала присущую только ей систему строительства благодаря открытию нового строительного материала - бетона. Римляне использовали монолитно-оболочную конструктивную систему: сперва возводились две кирпичные стены, пространство между которыми заполнялось чередующимися слоями гравия и песка. Кода масса бетона застывала, он образовывал со стенами сплошной монолит. Преимущество такой системы заключалось в прочности и долговечности строений, возможности возводить своды и купола. Римляне использовали облицовку из каменных блоков или мраморных плит, а не строили из этих материалов, как греки.

Для Рима были характерны постройки двух типов - инсула и домус. Домус - это одноэтажный особняк для одной семьи. В нем атрий соединялся с обрамленным колоннадой двориком - перистилем, в центре перистиля располагался бассейн с фонтаном, пол делался мозаичным. Инсула представляла собой многоэтажный многоквартирный дом, занимавший целый квартал. В инсулах было много каморок, соединенных переходами, лестницами. Здесь обитала римская беднота. В инсулах не было канализации и водопровода.

Центром городской жизни был Форум. Республиканский Форум располагался у подножия Капитолия, имел неправильную форму. По сторонам его были различного назначения строения.

Римское искусство нашло свое развитие в утилитарных постройках целевого назначения, портрете, историческом рельефе, интерьере, стенной росписи. Римляне создали исторический рельеф и реалистический скульптурный портрет - жанры не получившие развитие в Греции. Скульптура периода Республики вела свое происхождение от восковой маски, снимавшейся с умершего и хранившейся в доме потомков.

Дорический ордер римляне применяли в его этрусском варианте, получившем название - тосканский (от названия этрусков - тусков). Особенности тосканского ордера - большая толщина колонны, предельно простая база, отсутствие каннелюр на стволе колонны, гладкий, без декора фриз. Основные строительные материалы, которые использовали римляне, - вулканический туф, обожженный кирпич, мрамор, бетон.

В области монументальной скульптуры римляне не создали памятников, равных по значению произведениям греческой статуарной пластики. Скульптурные изображения римских божеств исходят из греческих и эллинистических образцов. В римском искусстве нельзя встретить обобщенного образа всесторонне развитого прекрасного человека, нашедшего свое выражение в греческих статуях. Наиболее характерным воплощением римских гражданственных идеалов является распространенный в скульптуре образ облаченного в тогу римлянина, занятого выполнением своих государственных обязанностей (так называемый тогатус).

Доминирующее положение в римской скульптуре занимает портрет. Как и у этрусков, зарождение портрета в римском искусстве было связано с погребальным культом.

В Греции достойным увековечивания считался только выдающийся человек, прославившийся своей деятельностью; если греческий мастер выполнял портрет философа, то в его образе он выявлял прежде всего общие типические черты, сближавшие этого философа с другими мыслителями, точно так же как в портретах ораторов, стратегов художник исходил из типических черт, присущих этим представителям греческого общества. Напротив, задача римского мастера - увековечение данного конкретного лица, часто ничем не примечательного, причем от художника требовалось прежде всего бесспорное индивидуальное сходство. Сказанное, разумеется, не означает, что римский портретист ограничивался лишь достижением физиономического сходства, - римские мастера умели создавать яркие типические образы; в данном случае важно подчеркнуть, что римский художник исходил из конкретной индивидуальности. Этим определяется своеобразие римского портретного искусства.

На первом этапе развития римского портрета - в республиканскую эпоху - некоторая его незрелость сказывается в недостаточной художественной обобщенности образов, в слабом раскрытии внутреннего облика модели, в увлечении второстепенными деталями, в чрезмерно дробном, не всегда приведенном к единству пластическом решении, в сухости моделировки. Эти черты особенно заметны в ранних портретах. При первом взгляде на мужской портрет Туринского музея (3 в. до н.э.) кажется, что это посмертная маска: чрезвычайно детально переданы все особенности лица, вплоть до асимметричного расположения рта, приподнятой левой брови, впалых щек. Ни раскрытия характера, ни общего пластического единства здесь нет.

Памятником более развитого портрета этрусско-римского направления является бронзовая статуя так называемого «Оратора» (2 в. до н.э.), изображающая, возможно, Авла Метелла, представителя одной из знатнейших римских фамилий. Оратор представлен в момент произнесения речи, правая рука его протянута к слушателям. Художник не только тщательно передал индивидуальные черты лица Метелла, но и детали одежды и обуви. Статуя выполнена по образцам греческих и эллинистических статуй ораторов, однако в сравнении с последними она производит впечатление большей прозаичности: отсутствие внутреннего порыва, суховатая детализация находятся в противоречии с торжественной постановкой фигуры и ораторским жестом.

Однако уже в республиканскую эпоху были созданы портреты большой художественной силы. Так, например, бронзовый бюст римлянина - так называемый «Брут» из Палаццо Консерватори в Риме (вторая половина 4 в. до н.э.) дает пример портрета, в котором раскрыт человеческий характер. В этом произведении нашел яркое воплощение образ сурового, непреклонного римлянина эпохи республики. Более обобщенным является пластическое решение портрета.

Портретная статуя римлянина, совершающего возлияние (1 в. до н.э.), представляет собой дальнейшее развитие типа тогатуса. Это впечатляющий портрет сурового, величавого человека, изображенного в живом движении. Длинная широкая тога образует множество глубоких складок, скрывающих фигуру; плащ покрывает голову, закрывает уши, чтобы ничто не отвлекало от произнесения молитвенных формул, не мешало бы точному выполнению традиционного обряда. Черты аскетически сурового бритого лица переданы с очень большой внимательностью и правдивостью. К позднему периоду республиканской эпохи относятся превосходные по точности индивидуальной характеристики портреты Цицерона и Помпея, дающие чрезвычайно наглядное представление о личных качествах этих исторических деятелей. Например, громадная слава и авторитет Помпея, прозванного еще при жизни Великим, не заслонили от художника истинных качеств личности Помпея, и мастер создал портрет, в котором с предельной отчетливостью показаны ничтожество и ограниченность незаслуженно прославившегося полководца. Подобные произведения, свидетельствующие о глубокой проницательности художника, являются драгоценными историческими документами.

Был амфитеатр.
30.​Искусство Имперского Рима.
Основы имперского стиля начал закладывать Август. Были изменения связанные с жанромы и формами, они коснулись сферы римской культуры. В первую очередь религиозной. Почитали по прежнему старых богов. Однако большое значение приобретали культы и обряды. Возникает Христинаство. Правление Августа – Золотой век. Поднята культура. Углубленный интерес к Греции. Так формируется августовский классицизм. Есть росшоность, порой избыточая – например – вилла Нерона Золотой дом. Новый подъем отмечен при Флавиях. Амфитеатр Флавиев, или Коллизей. Органично соединены огромные пространства интерьеров и открытых помщений. Триумфальная арка – главенствующий тип мемориального сооружения. Усиливается стремление к величественности, богатсву и торжественности.
Архитектура. Наивысшие достижения в момент расцвета империи. Технологии строительства совершенствовались. Применялся бетон, облицовка камнем, кирпичом, мрамором. Монументальность. Квадратный дом в Ниме. Триумфальные арки. Служили местом для шествия в честь побед. Арки Тита. Украшены колоннами и рельефами с его изображением.
Скульптура. Дальнейшее развитие рельефа и круглой пластики. Ведущее место у портрета. Под воздействием греческого искусства. При августовском классицизме использовался идеал строгой классической красоты.
Живопись. Помпейские рукописи. В период Августа был создан третий помпейский стиль соответствующий имперскому искусству. Были и египетские мотивы, тогда как в состав Рима вошел Египет. Было чувство меры, изящество и строгость. Вводились натюрморты, пейзажные и бытовные сцены. Этот стиль поддражался в 18 и начале 19 века. Появился и фантазийный стиль. Пышность и декоративность. В архитектуре присущи традиции. Были похожи на театральные дероции. Живописные картины мифологического содержания. Множество фигур в стремительном движении парении и танце. Фаюмские портреты Распространилось не тольоко в скульптуре но и в живописи. Сохранилось не много.Развиваются под воздействием эллинистического римского и древнеегипетского искусства. Техника энкаустики – восковой живописи. Вопроизводились индивидуальные и возрастные особенности моделей.
31.​Общая характеристика искусства Византии.
Внесло огромное количество новых образов в культуру многих стран. Сформировалось на основе античной архитектуры и скульпутры а также влияние Ближнего Востока. Особую роль здесь сыграло Христианство. Первый расцвет в эпоху Юстиниана. Основные черты. Торжественность, праздничность, высокая духовнотсь. Солица Константинополь. Он задумывался как центр мира. Второй Рим. Был найден худ. Стиль с новым идеалом красоты. Построены великолепные дворцы и храмы со множеством мозаик и фресок. Купольный тип храма. Образ Иисуса – главныое место. Художники подчеркивали его щлавное нравственное совершенство, победу духа над телом. В 4-6 веках в этом искусстве шел сложный процесс создания христианской иконографии. Мысль о неозможности показать Бога в раннем искусстве. В 8 веке был конфликт между иконоборчествами и их почитателями. Было изысканное и утонченное искусство светское. Обработки другоценных металлов, цветнного стекла.Скульпутра развивалось мало а античные статуи украшали улицы.
Второй расцвет продлился два с половиной века. Иконопочитание. Духовная насыщенность в искусстве достигает предела. Третий расцвет и последний с 13 по сер 15 века. Потом пала перед мусульманами.
Архитектура. Самая величественная постройка – храм Святой Софии. В нем соединились два принципа – базилики и купольного перекрытия. София яляетс купольной базиликой. Храм строг и массивен. Купол собора с двух сторон поодерживают два более низих полукупола. Плавно переходящие друг в дурга сферические формы. Устремлены ввысь. Купол держат 4 столба Храм выстреон из кирпича икамня.а подкупольные стобы из извятснка. Отличительная черта – обилие света падающего сверху придают божественность. После завоевания мусульман этот храм превращен в мусульманскую мечеть.
Живопись. Монументальная храмовая живопись. Мозааика и фреска. Иконопись. Новые принципы церковной живописи. Олицетворяется свзяь между небесным и земным.
Моозаика. Излюбленная техница. Истоки с античности. В огромном количестве мест. Яркие и звчнеы цвета, конррасты. Сплав стекла и минеральных касителй. Мелкими разноцветными кубиками. Лучше смортияся из далека. Добивается мерцания и перелив красок. Нет жестких линий. Золото й ыон. Храмы Равенны. Глубина синего цвета как неба. Церковь Сан-Витале. Образец центрально-купольного зрама. Восьмиугольник. Купол, его тяжесть ложиться на стены, Все убранство изнутри
32.​Искусство раннего европейского средневековья.
Раннее Средневековье (V-IX вв.) – это период трагического, драматического перехода от античности к собственно средневековью. Христианство медленно входило в мир варварского бытия. Варвары раннего Средневековья несли своеобразное видение и ощущение мира, основанное на родовых связях человека и общности, к которой он принадлежал, дух воинственной энергии, чувство неотделимости от природы. В процессе становления средневековой культуры важнейшей задачей было разрушение «силового мышления» мифологического варварского сознания, уничтожение древних корней языческого культа силы.

Становление раннесредневековой культуры представляет собой сложный, болезненный процесс синтеза христианских и варварских традиций. Драматизм этого процесса был обусловлен противоположностью, разнонаправленностью христианских ценностно-мыслительных ориентаций и основанного на «силовом мышлении» варварского сознания. Лишь постепенно главная роль в формирующейся культуре начинает принадлежать христианской религии и церкви.

В раннем Средневековье были созданы первые письменные «Истории» варваров. В целом для раннего Средневековья характерен прогресс в развитии культуры, несмотря на войны, набеги, покорение одних народов другими, захваты территорий, которые существенно замедляли культурное развитие.

Упразднение рабства способствовало развитию технических изобретений (уже с VI в. начинают использовать энергию воды).

Следует отметить, что в целом для средневековья характерно широкое использование технических изобретений. В XII в. появляется ветряная мельница, использующая силу ветра. В XIII в. было изобретено рулевое колесо. В период зрелого Средневековья (XIV в.) появились шлюзы с воротами, что позволило перейти к строительству каналов и способствовало развитию торговых связей, как внешних, так и внутренних.

Стиль архитектурного сооружения зависел от того, в какой местности оно возводилось. В странах с теплым, влажным климатом жилье должно было предоставить человеку прохладу и тень, в странах с холодным климатом -уберечь от ветра, дождя, снега и стужи. Там, где были леса, здания строили целиком из дерева, хотя позднее его заменяли более долговечным камнем. Там, где климат был теплым, использовали сырцовый, или высушенный на солнце, кирпич. С кирпичом и камнем работать было сложнее, но строители церквей, мечетей и дворцов с готовностью использовали эти материалы в надежде оставить о себе след в истории. С развитием строительной технологии стили становятся более сложными, появляются арки, высокие шпили, купола. Минареты, пагоды и шпили церквей становятся выше, их форма - более изящной. Укрепления становились более высокими и массивными. Примерно в 1000 г. стали появляться великолепные жилые дома купцов, здания рынков и торговых гильдий. Масштабы строительства таких городов, как Ханчжоу, Теотиуакан, Кордова, были просто поразительными. Постепенно свой стиль, которому последуют более поздние мастера, приобрела светская, а не культовая архитектура. Правда, большая часть населения по-прежнему жила в примитивных постройках. Американские типи, европейские длинные хижины, арабские шатры и индонезийские длинные дома строились быстро, из подручных материалов, и вполне удовлетворяли требованиям их обитателей. Возможно, жить в них было гораздо удобнее, чем в продуваемых сквозняками замках и величественных дворцах.

Меровингское искусство - условное название искусства государства Меровингов. Оно опиралось на традиции позднеантичного, гало-римского искусства, а также искусства варварских народов. Архитектура меровингской эпохи, хотя и отразила упадок строительной техники, вызванный крушением античного мира, подготовила вместе с тем почву для расцвета дороманского зодчества в период "каролингского возрождения". В декоративно-прикладном искусстве позднеантичные мотивы сочетались с элементами "звериного стиля" ("звериный стиль" искусства Евразии корнями уходит в эпоху железного века и объединяет в себе разные формы почитания священного зверя и стилизации изображения различных животных); особенно распространены были плоскорельефная резьба по камню (саркофаги), рельефы из обожженной глины для украшения церквей, изготовление церковной утвари и оружия, богато украшенных золотыми, серебряными вставками и драгоценными камнями. Распространена была книжная миниатюра, в которой главное внимание обращалось на украшение инициалов и фронтисписов; при этом преобладали изобразительные мотивы орнаментально-декоративного характера; в раскраске использовали яркие лаконичные цветовые сочетания.
"Каролингский ренессанс"
"Каролингский ренессанс" - условное наименование эпохи подъема раннесредневековой культуры в империи Карла Великого и королевствах династии Каролингов. "Каролингское возрождение" выразилось в организации новых школ для подготовки служебно-административного персонала и духовенства, привлечении к королевскому двору образованных деятелей, внимании к античной литературе и светским знаниям, расцвете изобразительного искусства и архитектуры. В каролингском искусстве, воспринявшем как позднеантичную торжественность и византийскую импозантность, так и местные варварские традиции, сложились основы европейской средневековой художественной культуры.
Из литературных источников известно об интенсивном строительстве в этот период монастырских комплексов, укреплений, церквей и резиденций (среди сохранившихся построек - центрическая капелла императорской резиденции в Ахене, капелла-ротонда Санкт-Михаэль в Фульде, церковь в Корвее, 822 - 885 гг., надвратная постройка в Лорше, около 774 г.). Храмы и дворцы украшались многоцветными мозаиками и фресками.
33.​Общая характеристика арабской архитектуры.
Влияло Античное искусство, искусство Персии и Византии. Распространение через Арабский Халифат. Распространнение ислама. Арабская зона, Иранская, индоиранская, индонезийская-малазийская. Возникает ислам на северо западе. Аравийского полусва. В первой четверти 7 века.До ислама язычество.

Об арабо-мусульманской архитектуре можно говорить с XVII века нашей эры. С того времени, как арабские кочевые племена, жившие на Аравийском полуострове, приняли ислам, у них возникла проблема, связанная с перенаселенностью, недостатком пастбищ для скота и т. п. Вследствие этого, объединенные идеями ислама, арабы двинулись вперед и захватили Ближнего и Среднего Востока, Северную Африку и Пиренейский полуостров. В том числе захвачены оказались Сирия, Египет, Ирак и Иран.

Самым крупным памятником арабо-мусульманской архитектуры являться Тадж-Махал в Агре.

Каноны мусульманской архитектуры были позаимствованы арабами у персидских зодчих. В частности, это касается строительство мечетей — большого культового здания с крупным куполом, а также внутренним двориком, в котором находится священный колодец для омовения и молельня.

Кроме мечетей, известно другое популярное для арабо-мусульманской архитектуры сооружение — медресе, то есть, духовная школа наподобие семинарии.

Прямоугольный большой внутренний двор мечети или медресе был обрамлен воротами со сводчатой аркадой или галереями. Балочные перекрытия таких галерей опираются на арки, которые в арабо-мусульманской архитектуре делались стрельчатыми или — чаще — подковообразными. При сооружении стен внутреннего двора также иногда использовались небольшие колонны.

Все мусульманские святилища были ориентированы на Мекку — священный город мусульман.

Вход в мечеть или медресе оформлялся в виде крупного арочного портала. Функции входа часто выполнял айван — сводчатый зал-приемная при входе в святилище или дворец правителя.

Айваны были использованы, например, в парфянском дворце Кухе-Хаджа, во дворце Ктесифон, а также во многих мечетях Бухары, Исфахана, Самарканда, Гераты.

Арабо-мусульманская архитектура прославилась такими шедеврами как гробницы Хумаюна в Дели, мечеть Джума, Тадж-Махал, Амра, Большая мечеть Дамаска, Ибн-Тулун, Аль-Асхар.

Также в арабо-мусульманской архитектуре особенно популярны были тюрбе — мавзолеи. Композиционно они представляли собой сооружения кубической формы с куполом. Иногда мавзолеи представляли собой целые архитектурные комплексы.

Масджид аль-Набави. Медина. Могила Муххамеда.
Мечеть аль-Акса. Мухаммед ушел в небо.
Куббат ас-Сахра.
Архитектура.КУльтоая. Мечеть медресе, Мавзолей. Гражданская. Дворец, Сарай, Баня.
Медресе – учебное заведение. Ханака – как хр-ий храм.
Исфаханский базар.
Мечеть
Масджид – квадратная мечеть - для ежедневной молитвы.
Кабире – центральная столичная мечеть.
Принципы исламского искусства. Художник не стремиться воспроизводить земную реальность. Развитие каллиграфии.
Письмо-половина знания.
Исламская живопись. Много запретов, но для светской живописи были поблажки. Они связаны с украшением книг миниатюрами.
Мусульманский рай – компенсация фонтастической росшошью архитектурного декора и орнамента.Образ рая –центральная идея.

34.​Проторенессанс: искусство дученто и треченто.
Термин введен якобом буркхардтом
Важная роль у Флоренции, которая уже стремится к самоуправлению. Художественная культура позднего дученто (XII в.) и треченто (XIII в.) существенно отличается от раннеренессансной: архитектура этого времени развивается на романской и готической основе, изобразительное искусство еще не базируется на натурной штудии, изучение античных традиций носит эпизодический характер и т. п
Николо пизано - архитектор и скульптор
Джованни пизано и арнольфо ди камбио - ученики николо
1)Пизанский собор - Использование оредрной системы, облегченное восприятие, рельефы уркашения близки к античным, причем к горельефам
Фонтан маджоре в перудже - декор, малые скульптуры
Баптистерий сан-джованни в Пизе
Мадонна. Капелла дель арена

2) оплакивание иоанном марии
Статуя святого птера

Живопись
Фреска, секко
Джотто - главный художник проторенессанса, он уходит от церковного канона, изображение живых людей, появление объема, прорисовка эмоций и чувств, лица выразительны, появление заднего плана, Искусство Джотто утверждает ценность реального человека. Порвав со средневековыми канонами, он внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды с небывалой жизненной убедительностью. В творческом наследии Джотто центральное место занимают росписи капеллы дель Арена в Падуе (ок. 1305-1308 гг.) — однонефной церкви, построенной, видимо, по его же проекту. Традиционные религиозные сюжеты художник наполнил новым смыслом, по существу раскрыв в них высокое моральное совершенство образа человека. Росписи покрывают стены небольшой по размеру, прямоугольной в плане, перекрытой сводом капеллы. На входной узкой стене размещена сцена «Страшный суд», напротив — «Благовещение». На боковых стенах — фрески расположены в три яруса. Религиозную легенду художник трактует как реальное событие. Персонажи священного писания обретают в его росписях жизненность, глубину сдерживаемых чувств, фигуры — мощную пластичность. Элементы пейзажей и строений обозначают место действия. Жанровые моменты усиливают реализм религиозных сцен.
Архитектура
Санта кроче во флоренции, отказ от шпилей, плоский потолок
Колокольня джоттл - смешение готики и возрождения
Палацио веккье - влияние готики, внутренние интерьеры ренессансные
Яркими представителями литературы этого периода являются Данте Алигьери, Франческо Петрарка иДжованни Боккаччо. К этому же периоду относится поэзия школы «дольче стиль нуово». Для литературы характерно чувственное усиление, реалистичность образов.

Традиции искусства Проторенессанса были восприняты такими художниками Возрождения, какБрунеллески, Донателло, Мазаччо.

35.​Искусство раннего Возрождения в Италии.

Раннее Возрождение (XIV-Xv вв.) в искусстве Италии связано прежде всего с Флоренцией, где Медичи покровительствовали гуманистам и всем искусствам. В начале XV в. флорентинская школа — авангард гуманистического искусства Возрождения. Здесь в 1439 г. учреждается Платоновская академия, основываются Лауренцианская библиотека, художественные коллекции Медичи; работают писатели, поэты, гуманисты, ученые. Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377—1446) — архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы. Величайшим инженерным достижением Брунеллески стало возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. Благодаря своему математическому и техническому гению Брунеллески удалось решить сложнейшую для своего времени задачу. Купол собора Санта-Мария дель Фьоре стал предшественником многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы. Одним из главных достижений итальянской архитектуры XV в. стало создание нового типа городских дворцов, послужившего образцом для общественных зданий более позднего времени. Итальянские дворцы называются палаццо (от лат. palatium; отсюда произошло и русское слово «палаты»). Особенностями палаццо XV в. являются четкое разделение замкнутого объема здания на три этажа, открытый внутренний двор с летними поэтажными аркадами, применение руста, т.е. камня с грубо околотой или выпуклой лицевой поверхностью, для облицовки фасада, а также сильно вынесенный декоративный карниз. Ярким образцом этого стиля является капитальная постройка ученика Брунеллески и его одаренного последователя Микелоццо ди Бартоломмео (1396—1472), придворного архитектора семьи Медичи, — палаццо Медичи — Риккарди (1444—60), послужившее образцом при строительстве многих флорентийских дворцов.

Особое место в истории итальянского зодчества занимает Леон Баттиста Альберти. Альберти тяготел к смелым, экспериментаторским решениям, новаторски используя античное художественное наследие. Альберти создал новый тип городского дворца (палаццо Ручеллаи). В культовом зодчестве, стремясь к величию и простоте, Альберти использовал в оформлении фасадов мотивы римских триумфальных арок и аркад (церковь Сант-Андреа в Мантуе, 1472—94). Имя Альберти по праву считается одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения. Его теоретические сочинения, его художественная практика, его идеи и, наконец, сама его личность гуманиста сыграли исключительно важную роль в становлении и развитии искусства Раннего Возрождения.

В XV в. итальянская скульптура, приобретшая самостоятельное, независимое от архитектуры значение, переживает расцвет. В практику художественной жизни начинают входить заказы богатых ремесленных и купеческих кругов на украшение общественных зданий; проводятся художественные конкурсы. Один из таких конкурсов — на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия (1401) — считается знаменательным событием, открывшим новую страницу в истории итальянской ренессансной скульптуры. В этом конкурсе участвовал Филиппо Брунеллески, ставший впоследствии знаменитым архитектором. Однако победу одержал Лоренцо Гиберти (1381—1455). Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, блестящий рисовальщик, Гиберти посвятил свою жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Главным принципом своего искусства Гиберти считал равновесие и гармонию всех элементов изображения. Вершиной творчества Гиберти явились восточные двери флорентийского баптистерия (1425—52), обессмертившие имя мастера. Декорация дверей включает десять квадратных композиций из позолоченной бронзы, своей необыкновенной выразительностью напоминающих живописные картины. Художнику удалось передать глубину пространства, насыщенного картинами природы, фигурками людей, архитектурными сооружениями. С легкой руки Микеланджело восточные двери флорентийского баптистерия стали называть «Вратами рая».

Мастерская Гиберти стала школой для целого поколения художников, в частности, там работал знаменитый Донателло, великий реформатор итальянской скульптуры. Творчество Донателло (ок. 1386—1466), впитавшее демократические традиции культуры Флоренции XIV в., представляет собой одну из вершин развития искусства Раннего Возрождения. В нём воплотились свойственные искусству Ренессанса поиски новых, реалистических средств изображения действительности, пристальное внимание к человеку и его духовному миру. Донателло одним из первых художественно осмыслил опыт античного искусства и пришёл к созданию классических форм ренессансной скульптуры.

Одним из крупнейших скульпторов первой половины XV в. был Якопо делла Кверча (1374—1438), старший современник Гиберти и Донателло. Его творчество, богатое многими открытиями, стояло как бы в стороне от общего пути, по которому развивалось искусство Ренессанса. Выполненные Кверча монументальные рельефы главного портала церкви Сан-Петронио в Болонье («Сотворение Адама») оказали значительное влияние на искусство Микеланджело.

Живопись. Мазаччо смело порывает со средневековыми художественными традициями. Во фреске «Троица» (1426—27), созданной для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции, впервые в настенной живописи Мазаччо применяет полную перспективу. В росписях капеллы Бранкаччи церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции (1425—28) — главном творении своей недолгой жизни — Мазаччо придает изображениям невиданную ранее жизненную убедительность, подчеркивает телесность и монументальность своих персонажей, мастерски передает эмоциональное состояние психологическую глубину образов. Во фреске «Изгнание из рая» художник решает сложнейшую для своего времени задачу изображения обнаженной человеческой фигуры.

светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406—69), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных композиций, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы впалаццо Медичи — Риккарди, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.

Самое замечательное творение Пьеро делла Франческа — цикл фресок в церкви Сан-Франческо в Ареццо, в основу которых положена легенда о Животворящем древе креста. Расположенные в три яруса фрески прослеживают историю животворящего креста от самого начала, когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама произрастает священное дерево и до конца, когда византийский император Ираклий торжественно возвращает христианскую реликвию в Иерусалим.

Особое место в живописи Раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445—1510),. Изысканное искусство Боттичелли с элементами стилизации (т.е. обобщения изображений с помощью условных приемов — упрощения цвета, формы и объема) пользовалось большим успехом в кругу образованных флорентийцев. В основе искусства Боттичелли в отличие от большинства мастеров Раннего Возрождения лежало личное переживание. Среди множества картин, созданных Боттичелли, есть несколько прекраснейших творений мировой живописи («Рождение Венеры», «Весна»). Исключительно чуткий и искренний, Боттичелли прошел сложный и трагический путь творческих исканий — от поэтического восприятия мира в юности до мистицизма и религиозной экзальтации в зрелом возрасте.
36.​Характеристика искусства Высокого Возрождения.

расширение общественного кругозора ее создателей, масштабность их представлений о мире и космосе. Меняется взгляд на человека и его отношение к миру. Сам тип художника, его мировоззрение, положение в обществе решительно отличаются от того, которое занимали мастера 15 века, еще во многом связанные с сословием ремесленников. Художники Высокого Возрождения — не только люди огромной культуры, но творческие личности, свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов.

В центре этого искусства, обобщённого по художественному языку, - образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовно, образ человека-героя, сумевшего подняться над уровнем повседневности. В основе такого искусства лежит всепоглощающая вера в безграничные возможности человека по самоусовершенствованию, самоутверждению, вера в разумное устройство мира, в торжество прогресса. На первый план выдвинулись проблемы гражданнского долга, высоких моральных качеств, подвига.

И все же само искусство Высокого Возрождения возникает не в процессе плавной эволюции, а в результате резкого качественного скачка, отделяющего его от предшествующего этапа. Переходные формы между искусством этих двух периодов выражены в творчестве лишь очень немногих мастеров. За единичными исключениями, художники Раннего Возродения как бы уже родились таковыми, точно так же как те из живописцев XV в., которые продолжали работать в первые десятилетия XVI в. (в их числе Боттичелли, Мантенья, Лука Синьорелли, Пьеро ди Козимо, Перуджино), по-прежнему оставались в своем искусстве художниками Раннего Ренессанса.

Леонардо был живописцем, ваятелем, зодчим, певцом и музыкантом, стихотворцем-импровизатором, теоретиком искусства, театральным постановщиком и баснописцем, философом и математиком, инженером, механиком-изобретателем, физиком и астрономом, анатомом и оптиком, геологом, зоологом, ботаником, и всё это не исчерпывает его занятий. Искусство для Леонардо было средством познания мира, познания человека. Переходя от теоретичесих размышлений к практике, Леонардо начинает применять своё знаменитое "сфумато" - "дымчатую светотень", оптическое впечатление в духе импрессионизма. В его полотнах это нежный полусвет с мягкой гаммой тонов молочно-серебристых, голубоватых, иногда с зеленоватыми переливами, в которых линия становится как бы воздушной. Наиболее известные картины Леонардо, повлиявшие на развитие всего европейского искусства: "Мадонна в гроте" - первый монументальный алтарный образ Высокого Возрождения; "Тайная вечеря", портрет Моны Лизы - "Джоконда".

Рафаэль Санти, младший современник Леонардо да Винчи. В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром, характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты. Ранние произведения («Мадонна Конестабиле», ок. 1502-03) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Многочисленные изображения Богоматери («Сикстинская мадонна», ок. 1513), художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514-18) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками). В портретах создан идеальный образ человека Возрождения («Б. Кастильоне», 1514-15). Проектировал собор Св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-20) в Риме. Среди его построек — маленькая церковь Сан'Элиджо дельи Орефичи (заложена ок. 1509) с ее строгим интерьером, капелла Киджи в церкви Санта Мария дель Пополо (заложена ок. 1512) интерьер которой являет пример редкого даже для эпохи Возрождения единства архитектурного решения и декора, разработанного Рафаэлем, — росписей, мозаики, скульптуры, и недостроенная вилла Мадама.

Творчество третьего титана Высокого Возрождния - Микеланджело Буонаротти (1475-1564) - явилось его кульминацией и в то же время отражением глубоких противоречий культуры эпохи. Первая половина его творчества приходится на период расцвета искусства Ренессанса, а вторая - на годы феодально-католической реакции. Монументальность, пластичность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях («Оплакивание Христа», ок. 1497-98; «Давид», 1501-04; картон «Битва при Кашине», 1504-06). Роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-12), статуя «Моисей» (1515-16) утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности. Трагические ноты, вызванные кризисом ренессансных идеалов, звучат в ансамбле Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции (1520-34), во фреске «Страшный суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы, в поздних вариантах «Оплакивания Христа» (ок. 1550-55) и др. В архитектуре Микеланджело господствуют пластическое начало, Поздние живописные произведения мастера поражают трагической силой образов (фреска “Страшный Суд” на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане, 1536-1541), пронизаны горькими размышлениями о тщете человеческой жизни, о мучительной безнадежности поисков истины (отчасти предвосхищающие живопись барокко росписи капеллы Паолина в Ватикане, 1542-1550).динамический контраст масс (библиотека Лауренциана во Флоренции, 1523-34; купол собора Св Петра).