Действующие лица

В опере 21 действующее лицо и разнообразные хоровые группы, поэтому Коронация Поппеи требует большой труппы. Однако, исполнение некоторых маленьких ролей одним и тем же исполнителем и участие в хорах позволяет исполнять оперу группой из 15 человек: шесть сопрано, одно меццо-сопрано, два контральто, два или три тенора и два или три баса.[2]

Сюжет

Действие разворачивается в Риме в 62 г. н. э.. Главная героиня — Поппея, замужем за другом Нерона — Оттоном, но стала любовницей императора и мечтает занять место его жены Октавии. Оттон застает жену с Нероном, а философ Сенека отговаривает Нерона бросить жену. Поппея уговаривает Нерона, и тот приказывает Сенеке покончить с собой.

Оскорбленная Октавия склоняет Оттона убить Поппею. Чтобы осуществить этот замысел, Оттон встречается с Друзиллой, брошенной им ради Поппеи, и переодевается в её платье. Он приближается к спящей Поппее и хочет её убить, но её спасает бог Амур. Друзиллу арестовывают, и она берет вину на себя, так как все ещё любит Оттона. Нерон приговаривает её к казни, но тогда Оттон рассказывает правду о том, что на самом деле преступник — он.

Нерон отправляет Оттона в изгнание, Друзилла следует за любимым, а Нерон разводится с Октавией и женится на Поппее. Опера заканчивается любовным дуэтом молодоженов, а «за кадром» остается окончание этой истории: Нерон ударит беременную Поппею в живот, и она умрет, его убьют заговорщики, а Оттон станет императором.

Первая постановка. Дальнейшая постановочная судьба[править | править вики-текст]

Впервые опера была впервые исполнена в венецианском театре Санти-Джованни э Паоло во время карнавала 1642—1643 годов[9]. Театр был в 1639 году[10], в нём прошла премьера оперы Монтеверди «Свадьба Энея и Лавинии», а также была возобновлена опера «Возвращение Улисса на родину»[10][11]. Современник так описывал представления в театре: «чудесные перемены сцен, величественные и грандиозные выступления [исполнителей] … и великолепная летающая машина; вы смотрите на всё, как если бы это было обычным делом, великолепные небеса, божества, моря, королевские дворцы, леса»[12]. Театр вмещал около 900 зрителей, сцена была гораздо больше зрительного зала[12]. Дата первого исполнения «Коронации…», а также количество спектаклей неизвестны; сохранился scenario (краткий пересказ либретто), известны также две рукописных партитуры — одна из библиотеки Сан Марко, другая — неаполитанская, но обе они относятся были созданы уже после смерти Монтеверди, и в них нет ни даты первой постановки, ни имени композитора. Доподлинно известно лишь о том, что роль Октавии с большим успехом исполнила певица Анна Ренци[en], которую Ринджер назвал «первой оперной примадонной»[13]. Об Анне Ренци, исполнившей партию Октавии, пишет 25 марта 1643 года неизвестный агент кардиналу Мазарини. Он советует пригласить венецианскую труппу к французскому королевскому двору, отмечает успех певицы и добавляет, что "… вся музыка ["Коронации Поппеи"] принадлежала Монтеверго"[14]. Возможно, что в сезон 1642—1643 годов роль Поппеи исполняла Анна ди Валерио, а Нерона — кастрат Стефано Коста[15]. Документально подтверждено лишь одно возобновление оперы, состоявшееся в Неаполе в 1651 году. Факт возобновления, по словам Картера, является замечательным для эпохи, имевшей «короткую память» в отношении крупных музыкальных произведений. Следующая постановка «Коронации Поппеи» появилась через 250 лет.

В 1905 году в Париже под руководством французского композитора Венсана д’Энди прозвучали фрагменты оперы в концертном исполнении. Д’Энди ограничился «самыми красивыми и интересными частями произведения».

Венецианская и неаполитанская партитуры. Проблема авторства

Рукопись оперы «Нерон» (так значилось на её корешке) хранилась в собрании семьи Контарини, поступившем в 1843 году в венецианскую библиотеку Сан Марко[16]. Значительную долю рукописей старинных опер из коллекции Контарини составляют сочинения Франческо Кавалли[16]. На обложке и первой странице манускрипта стоит имя Монтеверди, но появилось оно там значительно позднее времени создания самой рукописи. Таддео Виль, работавший над каталогом коллекции Контарини, определил, что опера ставилась в Венеции в 1642 и 1646 годах.Герман Кречмар и Ромен Роллан считали рукопись автографом самого Монтеверди. В 1904 году она была издана Хуго Гольдшмидтом вместе с либретто Бузенелло «Коронация Поппеи, или Нерон». Впервые либретто было издано самим Бузенелло в собрании сочинений, имя Монтеверди как автора музыки к опере не было упомянуто. Изучая в 1921 году венецианскую партитуру, Луи Шнейдер пришёл к выводу, что первый и третий акты написаны рукой Монтеверди, а второй акт записан в 1720-х годах[17].

В конце 1920-х годов Гвидо Гасперини в библиотеке Неаполитанской консерватории обнаружил ещё одну рукопись «Коронации Поппеи», которая значительно отличалась от венецианской. Гасперини нашёл также неаполитанское издание либретто «Коронации Поппеи» 1651 года[17].

В начале 1930-х годов Д. Ф. Малипьеро включил «Коронацию Поппеи» в издание произведений Монтеверди. За основу была взята венецианская рукопись, но Малипьеро в примечаниях обозначил её расхождения с неаполитанским вариантом, который, по его мнению, был поздней переделкой[17].

В 1958 году Вольфганг Остхоф определил, что 1-й и 3-й акты оперы в венецианской рукописи записаны той же рукой, что и рукописи опер Кавалли начала 1650-х из коллекции Контарини, а, следовательно, это не рука Монтеверди, умершего в 1643 году. Симфонию, открывающую венецианский вариант, Остхоф счёл повторением из оперы Кавалли «Дориклея», написанной в 1645 году. Таким образом, по версии Остхофа, рукопись из Венеции не связана с первым представлением «Коронации…». По его же мнению, правки в рукописи выполнены Франческо Кавалли. В 1980-х годах американскими специалистами было доказано, что первый и третий акты записаны Марией Кавалли, женой композитора[18].

В 1982 году Лоренцо Бьянкони предположил, что над партитурой «Коронации…» работало четыре композитора — Монтеверди, Кавалли, Лауренци (итал. Filiberto Laurenti) и Бенедетто Феррари[it]. Имя Лауренци возникло в связи с предположением, что он мог быть привлечён для работы над номерами исполнительницы партии Октавии Анны Ренци. Такое уже случалось: при постановке La finta savia в одно время и в том же театре, где прошла премьера «Коронации…», по настоянию певицы Лауренци написал для неё несколько сольных номеров. Феррари, автор текста финального дуэта оперы Pur it mio, pur it godo… (он не вошёл в собрание сочинений Ф. Бузенелло), был также композитором. Pur it mio, pur it godo… впервые появился в опере Б. Феррари Il pastor regio (1641), музыка которой не сохранилась. Исследователи отмечают «нелогичность» этого любовного дуэта в финале «Коронации…» — по своему характеру музыка не соответствует тому, что известно о дальнейшей судьбе исторических Нерона и Поппеи[19].

В 1986 году было обнаружено письмо неизвестного кардиналу Мазарини, где Монтеверди назван автором всей музыки «Коронации…». Даже если автор письма не был точно информирован, его утверждение показывает, что современники были уверены в авторстве Монтеверди[20].

Британским Орфеем» назвали Г. Перселла современники. Его имя в истории английской культуры стоит рядом с великими именами В. Шекспира, Дж. Байрона, Ч. Диккенса. Творчество Перселла развивалось в эпоху Реставрации, в атмосфере духовного подъема, когда возвращались к жизни прекрасные традиции искусства Ренессанса (например, расцвет театра, преследовавшегося во времена Кромвеля); возникали демократические формы музыкальной жизни — платные концерты, светские концертные организации, создавались новые оркестры, капеллы и т. п. Выросшее на богатой почве английской культуры, впитавшее лучшие музыкальные традиции Франции и Италии, искусство Перселла оставалось для многих поколений его соотечественников одинокой, недостижимой вершиной.

Перселл родился в семье придворного музыканта. Музыкальные занятия будущего композитора начались в Королевской капелле, он овладел игрой на скрипке, органе и клавесине, пел в хоре, брал уроки композиции у П. Хамфри (предп.) и Дж. Блоу; в печати регулярно появляются его юношеские сочинения. С 1673 г. и до конца жизни Перселл состоял на службе при дворе Карла II. Исполняя многочисленные обязанности (композитор ансамбля «24 скрипки короля», созданного по образцу знаменитого оркестра Людовика XIV, органист Вестминстерского аббатства и королевской капеллы, личный клавесинист короля), Перселл все эти годы много сочинял. Композиторское творчество оставалось его главным призванием. Напряженнейший труд, тяжелые утраты (3 сына Перселла умерли в младенческом возрасте) подорвали силы композитора — он умер в возрасте 36 лет.

Творческий гений Перселла, создававший произведения высочайшей художественной ценности в самых разных жанрах, ярче всего раскрылся в сфере театральной музыки. Композитор написал музыку к 50 театральным постановкам. Эта интереснейшая область его творчества неразрывно связана с традициями национального театра; в частности, с жанром маски, возникшем при дворе Стюартов во второй половине XVI в. (the masque — сценическое представление, в котором игровые сцены, диалоги чередовались с музыкальными номерами). Соприкосновение с миром театра, сотрудничество с талантливыми драматургами, обращение к разнообразным сюжетам и жанрам окрыляло фантазию композитора, побуждало к поискам более рельефной и многоплановой выразительности. Так особенное богатство музыкальных образов отличает пьесу «Королева фей» (свободная переработка «Сна в летнюю ночь» Шекспира, автор текста предп. Э. Сетл). Аллегория и феерия, фантастика и высокая лирика, народно-жанровые эпизоды и буффонада — все нашло отражение в музыкальных номерах этого волшебного спектакля. Если музыка к «Буре» (переработка пьесы Шекспира) соприкасается с итальянским оперным стилем, то в музыке к «Королю Артуру» ярче обозначена природа национального характера (в пьесе Дж. Драйдена варварским нравам саксов противопоставлены благородство и суровость бриттов).

Театральные работы Перселла в зависимости от развитости и весомости музыкальных номеров приближаются либо к опере, либо к собственно театральным спектаклям с музыкой. Единственная в полном смысле опера Перселла, где весь текст либретто положен на музыку, — «Дидона и Эней» (либретто Н. Тейта по «Энеиде» Вергилия — 1689). Остро индивидуальный характер лирических образов, поэтичных, хрупких, утонченно-психологических, и глубокие почвенные связи с английским фольклором, бытовыми жанрами (сцена сборища ведьм, хоры и пляски матросов) — это сочетание определило совершенно неповторимый облик первой английской национальной оперы, одного из самых совершенных творений композитора. Перселл предназначал «Дидону» для исполнения не профессиональными певцами, а ученицами пансиона. Этим во многом объясняется камерный склад произведения — небольшие формы, отсутствие сложных виртуозных партий, господствующий строгий, благородный тон. Гениальным открытием композитора стала предсмертная ария Дидоны — последняя сцена оперы, ее лирико-трагическая кульминация. Покорность судьбе, мольба и жалоба, скорбь прощания звучат в этой глубоко исповедальной музыке. «Сцена прощания и смерти Дидоны могла бы одна обессмертить это произведение», — писал Р. Роллан.

В опоре на богатейшие традиции национального хорового многоголосия сформировалось вокальное творчество Перселла: песни, вошедшие в изданный посмертно сборник «Британский Орфей», хоры в народном стиле, антемы (английские духовные песнопения на библейские тексты, исторически подготовившие оратории Г. Ф. Генделя), светские оды, кантаты, кэтчи (распространенные в английском быту каноны) и т. п. Много лет работавший с ансамблем «24 скрипки короля», Перселл оставил замечательные произведения для струнных (15 фантазий, Соната для скрипки, Чакона и павана на 4 партии, 5 паван и т. п.). Под впечатлением трио-сонат итальянских композиторов С. Росси, Дж. Витали написаны 22 трио-сонаты для двух скрипок, баса и клавесина. В клавирном творчестве Перселла (8 сюит, более 40 отдельных пьес, 2 цикла вариаций, токката) получили развитие традиции английских верджинелистов (верджинел — английская разновидность клавесина).

Только через 2 века после смерти Перселла наступила пора возрождения его творчества. Созданное в 1876 г. Общество Перселла поставило своей целью серьезное изучение наследия композитора и подготовку издания полного собрания его сочинений. В XX в. английские музыканты стремились привлечь внимание публики к произведениям первого гения отечественной музыки; особенно значительна исполнительская, исследовательская, творческая деятельность Б. Бриттена — выдающегося английского композитора, сделавшего обработки песен Перселла, новую редакцию «Дидоны», создавшего Вариации и фугу на тему Перселла — великолепное оркестровое сочинение, своеобразный путеводитель по симфоническому оркестру.

10. ДЕЙСТВУЮЩИЕ ЛИЦА:

ДИДОНА, царица Карфагена (контральто)
ЭНЕЙ, предводитель троян (баритон)
БЕЛИНДА, наперсница Дидоны (сопрано)
ВТОРАЯ ДАМА, другая наперсница (меццо-сопрано)
ДУХ, в обличье Меркурия (сопрано)
КОЛДУНЬЯ (контральто)

Время действия: после падения Трои.
Место действия: Карфаген.
Первое исполнение: Челси (Лондон), 1689 год.

Дидона и Эней» — первая истинно великая опера, сочиненная англичанином; но есть злые языки, которые утверждают, что она также и последняя. Она была сочинена (в 1689 году) молодым Генри Пёрселлом, олицетворявшим собой славу английской музыки, и предназначалась — в первую очередь — для школы-пансиона, где учились только девочки. Этой школой руководил некто Джозайас Прист, у которого были, по-видимому, влиятельные друзья. Не только ведущий английский композитор написал музыку для школьного спектакля, но и признанный тогда английский поэт — Нейум Тейт — был автором либретто. Возможно, он не был великим поэтом, но он написал действительно хорошее и приемлемое либретто по мифу о страстной любви и смерти. Приемлемое — если иметь в виду, что опера предназначалась для постановки девочками. Источником для либретто послужила четвертая книга «Энеиды» Вергилия. Возможно, в то время девочки изучали эту поэму в школе.

ДЕЙСТВИЕ I

Сцена 1. После классической трагичной увертюры Белинда успокаивает Дидону, свою госпожу и царицу Карфагена. Но царица охвачена волнением из-за любви к Энею. Эней — это, конечно, троянский герой, который причалил к берегам Карфагена после падения Трои. Он появляется со своей свитой, и к концу сцены совершенно очевидно, что они без ума влюблены друг в друга. Мадригальный хор (который всегда присутствует в наиболее интимных домашних разговорах в классических операх) прославляет союз влюбленных («To the hills and the vales» — «Светлый хор облаков»). Всеобщий восторг выражается и в танцах.

Сцена 2. Во второй сцене мы встречаемся со злодеями. Среди них колдунья, две главные ведьмы, целый хор сопровождающих их ведьм. Все они скорее похожи на ведьм из «Макбета» Шекспира, нежели на то, что представлял себе Вергилий. В своей пещере они строят планы, как бы вызвать на море шторм, чтобы разлучить Дидону и Энея и вынудить героя оставить царицу. В картине чередуются речитатив и хор: вторгающаяся в развитие хоровая строфа (в ритме жиги) имитирует дьявольский хохот, придавая музыке демонический оттенок. Торжествующе и грозно звучит дуэт ведьм, предвкушающих победу над любовью. Сцена кончается хором с эффектным эхо, указывающим на «глубокую сводчатую пещеру».

ДЕЙСТВИЕ II

Очень короткое второе действие — это охота, которую царица Дидона устроила для удовольствия своего знаменитого гостя. Колдунья и две ведьмы замышляют расстроить союз Дидоны и Энея и уничтожить Карфаген в пламени пожара. Хор, Белинда, а затем вторая дама описывают рощу и бахвальства Энея по поводу убитого им вепря. Когда Дидона и ее спутницы удаляются, спасаясь от разразившейся бури, таинственный дух удерживает Энея от того, чтобы последовать за ними. Этот персонаж в обличье Меркурия прислан колдуньей с приказом якобы от Юпитера. Он говорит Энею, что тот должен оставить Дидону этой же ночью, поскольку его призвание — основать великий город Рим. Эней сокрушается по поводу необходимости покинуть его возлюбленную царицу, но понимает, что он должен подчиниться этому приказу богов. Действие завершается изъявлением радости ведьм по поводу того, что их план удался наилучшим образом.

ДЕЙСТВИЕ III

Последнее действие начинается хором троянских моряков, с радостью готовящихся к отплытию от берегов гостеприимного Карфагена («Come away, fellow sailors» — «Эй, моряк! Поднимем якоря»). Затем появляется колдунья со своим хором ведьм, которые пуще прежнего радуются этому отплытию. Мой любимый куплет в этом веселом эпизоде:

Our plot has took,
The Queen’s forsook.

(Наш план удался,
Царицу оставляют.)

Это, конечно, английский синтаксис XVII века.

Затем входит трагичная Дидона со своей свитой. Она полностью покорилась своей судьбе, и, даже когда Эней предлагает не повиноваться приказам Юпитера и остаться с нею, она непреклонно настаивает, чтобы ее возлюбленный отправлялся в путь. Музыка становится необычайно трагичной, когда она поет свою большую арию «When I am laid in earth» («Мне в землю лечь»). Во всем оперном репертуаре, я уверен, не много найдется страниц, равных этим. Завершается опера коротким, овеянным чувством светлой печали хором («With drooping wings ye cupids come» — «Скорбя, поникли два крыла»).

Генри У. Саймон (в переводе А. Майкапара)

Опера была поставлена всего один раз при жизни автора по случаю выпуска учениц женского пансиона. В XVII веке ставилась как «маска» в приложение к комедии Шекспира «Мера за меру». Между 1887 и 1889 годами была издана Уильямом Г. Каммингсом, благодаря чему с ней познакомилась наша эпоха; затем ее опубликовало «Издательство общества Пёрселла» (1961). Несмотря на славу оперы и интерес к ней как к крупнейшему образцу музыкальной драмы (первому в Англии), некоторые считают, что Пёрселл лучше проявил свои способности в музыке для театра, написанной по другим поводам, для «полуопер» или масок, в которые композитор мог включить более обширные, богатые фантазией эпизоды, в том числе изобразительного характера. Так было в случае с «Диоклетианом» (1690) и «Королем Артуром» (1691), «Королевой фей» (1692) и «Эдипом» (1692), «Бурей» (1695) и «Бондукой» (1695). Впрочем, несмотря на небольшие размеры, лаконизм и концентрированность повествования поражает драматическое единство, достигнутое в «Дидоне и Энее», особенно в финале, являясь, в частности, результатом использования английского языка, хотя сценические построения еще тесно связаны с формой маски.

Поистине чудесно, что в столь небольшом, подлинно камерном произведении молодой композитор сумел проявить такое мастерство в изображении чувств, нарисовать картину, в которой отлично переданы фатальные магические нити рока и почти умышленное общее равнодушие тех, кто не принимает участия в судьбе главных героев. В эту же рамку вписываются эмоциональные вокальные формулы школы итальянского барокко, особенно Кавалли и Кариссими, искусные и дерзкие гармонии, родоначальником которых был Пёрселл, французское влияние (Люлли) и мелодико-ритмические элементы, почерпнутые в типичной хоровой и полифонической английской традиции (не говоря уже о «Венере и Адонисе», маске Джона Блоу).

Настойчивая смена (по мнению некоторых, поистине мучительная) речитативов и различных ариозных форм как бы подгоняет действие, хорошо очерчивая характеры и положение персонажей. В особенности диалоги царицы и Энея безжалостно правят неумолимым ходом событий: с одной стороны — ее слезы и протесты, с другой — сухие ответы героя, знающего свое предназначение и влекомого собственным эгоизмом. В печальном финале — мощной и мрачной сцене смерти — царица возглашает о своей добровольной смерти и желает оставить добрую память о себе, хотя и охвачена порывом мучительного самоосуждения. Напряженное звучание basso ostinato и секвенции на словах «Remember my» («Помни обо мне») стали легендарными. Эта сцена после развернутого трогательного lamento завершается эпитафией хора: амуры танцуют вокруг смертного ложа Дидоны, просветляя атмосферу. Это образ, посланный в будущее, удивительное предвосхищение грядущего и возникает перед зрителем, как кинематографический наплыв.

Г. Маркези (в переводе Е. Гречаной)

В опере Пёрселла отражен античный миф о жизни Энея, легший в основу поэмы Вергилия «Энеида». Поэма была популярна среди композиторов. Но до наших дней сохранили актуальность не многие сочинения, в т. ч. опера Пёрселла. Сдержанная скорбь, глубина отличают мелодику этого сочинения, насыщенного хроматизмами. В течение двух веков опера не исполнялась на сцене, только после лондонской премьеры 1895 она обрела свою «вторую жизнь». К мировым шедеврам относится ария Дидоны «When I am laid in earth» (3 д.). Отметим постановку 1951 в Лондоне п/у Бриттена, спектакль на Глайндборнском фестивале (1966, партию Дидоны исполнила Бейкер).

11. 28 июля 1750 года не стало великого немецкого композитора, органиста-виртуоза Иоганна Себастьяна Баха. Будущий представитель эпохи барокко родился в семье музыканта Иоганна Амброзиуса Баха и Элизабет Леммерхирт.

В возрасте 9 лет умирает мать Иоганна Себастьяна, а через год из жизни уходит отец. К себе на воспитание мальчика берет старший брат, Иоганн Кристоф. Именно он и обучает его игре на органе и клавире по классическим образцам.

В то же время младший Бах также знакомится с творчеством современных модных композиторов. Предполагается, что еще в детстве Иоганн Себастьян обещает себе, что напишет музыку лучше. Так оно или нет, однако это выполняется – до сих пор история музыки делится на добаховскую и послебаховскую.

- Вся моя музыка принадлежит Богу, и все мои способности Ему предназначены, - признается сам композитор.

«Вечерка» предлагает вспомнить 3 наиболее значимых периода творческого пути великого немецкого композитора и послушать одни из самых значимых произведений Иоганна Себастьяна Баха.

1. 1708 год принято считать началом творческого пути Баха как сочинителя музыки.

В Веймаре Бах раскрывает свой многогранный талант: в качестве органиста, музыканта оркестровой капеллы, в которой приходится играть на скрипке и клавесине, а с 1714 года – в должности помощника капельмейстера. В это время Бах экспериментирует в области светских музыкальных жанров. Он много сочиняет для органа, пишет пьесы для скрипки и клавесина, а также создает репертуар для капеллы.

Одновременно с этим Бах пишет кантаты. Здесь появляется первая светсткая кантата «Тешит меня лишь веселая охота».

Так, Веймар для Баха является особенно важным этапом. В этот период в основной области баховского искусства, в органной музыке, происходит расцвет и полная творческая зрелость: он создает токкату и фугу ре минор, прелюдию и фугу ля минор, прелюдию и фугу до минор и другие произведения.

Подробнее:http://vm.ru/news/2013/07/27/3-perioda-tvorcheskogo-puti-ioganna-sebastyana-baha-206932.html

2. 1717-1723 годы (Кётен) – Иоганн Себастьян Бах служит придворным капельмейстером при дворе князя Леопольда Ангальт-Кетенского. Здесь он пишет клавирную и оркестровую музыку. Именно в Кётене были созданы двухголосные и трехголосные инвенции, а также завершены 24 прелюдии и фуги (они составилипервый том большого труда «Хорошо темперированный клавир»). В этот же период появляется и «Хроматическая фантазия и фуга» ре минор.

Подробнее:http://vm.ru/news/2013/07/27/3-perioda-tvorcheskogo-puti-ioganna-sebastyana-baha-206932.html

3. 1723 -1750 годы – Лейпцигский период творчества. Иоганн Себастьян уже известный музыкант. Он подает прошение на открывшуюся в Лейпциге вакансию кантора. Здесь он пишет «Страсти по Матфею», «Страсти по Иоанну», «Высокую мессу», «Рождественскую ораторию» и др. Однако этими произведениями остается недовольно начальство – музыку не признают «церковной» из-за отсутствия строгости и избытка красочности земной музыки. После этого конфликта Бах начинает писать инструментальную музыку. Окончательную отделку получает первый том прелюдий и фуг «Хорошо темперированного клавира». Также появляется «Итальянский концерт» - этим сольным концертом Бах хочет подчеркнуть приоритет итальянцев в создании жанра концерта и выразить свое уважение к итальянскому инструментализму.

Подробнее:http://vm.ru/news/2013/07/27/3-perioda-tvorcheskogo-puti-ioganna-sebastyana-baha-206932.html

В последние годы жизни Бах все больше уходит в себя и пытается отгородиться от действительности. Последние произведения композитора – две серии полифонических пьес «Музыкальное приношение» и «Искусство для фуги». В них Иоганн Себастьян Бах демонстрирует технические возможности, полифоническую форму. Жизнь омрачает серьезная болезнь глаз. После неудачных операций великий композитор теряет зрение. Но и тогда он продолжает писать музыку, диктуя произведения для записи.

Подробнее:http://vm.ru/news/2013/07/27/3-perioda-tvorcheskogo-puti-ioganna-sebastyana-baha-206932.html

Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach, 1685–1750) — немецкий композитор, органист. При жизни славился как органисти клавесинист; его композиторское творчество воспринималось современниками в связи с практической деятельностью, протекавшейв типичной для музыканта 17–18 вв. обстановке церкви, двора и города. Детские годы провёл в Эйзенахе, в 1695–1702 учился в Ордруфеи Линебурге. В 17-летнем возрасте играл на органе, клавире, скрипке, альте, пел в хоре, был помощником кантора. В 1703–07 органист Нойкирхе в Арнштадте, в 1707–08 органист Блазиускирхе в Мюльхаузене, в 1708–17 придворный органист, камер-музыкант, с 1714придворный концертмейстер в Веймаре, в 1717–23 придворный капельмейстер в Кётене, в 1723–50 кантор Томаскирхе и городскоймузик-директор в Лейпциге (1729–41 глава Collegium musicum).

Бах — один из величайших представителей мировой гуманистической культуры. Творчество Баха, музыканта-универсала, отличающееся всеохватностью жанров (кроме оперы), обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма.Ярко национальный художник, Бах соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ. Для Баха, непревзойдённого мастера полифонии, характерно единство полифонического и гомофонного, вокальногои инструментального мышления, чем объясняется глубокое взаимопроникновение различных жанров и стилей в его творчестве.

Ведущий жанр в вокально-инструментальном творчестве Баха — духовная кантата. Бах создал 5 годовых циклов кантат, которые различаются по принадлежности к церковному календарю, по текстовым источникам (псалмы, хоральные строфы, «свободная» поэзия),по роли хорала и т. д. Из светских кантат наиболее известны «Крестьянская» и «Кофейная». Выработанные в кантате драматургия, принципы нашли претворение в мессах, «Страстях». «Высокая» месса h-moll, «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею» стали кульминацией многовековой истории этих жанров. Центральное место в инструментальном творчестве Баха занимает органная музыка. Синтезируя унаследованные от своих предшественников (Д. Букстехуде, И. Пахельбеля, Г. Бёма, И. А. Рейнкена) опыт органной импровизации, разнообразные вариационные и полифонические приёмы сочинения и современные ему принципы концертирования, Бах переосмыслил и обновил традиционные жанры органной музыки — токкату, фантазию, пассакалью, хоральную прелюдию. Исполнитель-виртуоз, один из крупнейших в своё время знатоков клавишных инструментов, Бах создал обширную литературу для клавира. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «Хорошо темперированный клавир» — первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже 17–18 вв. темперированного строя. Величайший полифонист, в фугах ХТК Бах создал непревзойдённые образцы, своего рода школу контрапунктического мастерства, что нашло продолжение и завершение в «Искусстве фуги», над которым Бах работал на протяжении последних 10 лет жизни. Бах — автор одного из первых клавирных концертов — Итальянского концерта (без оркестра), полностью утвердившего самостоятельное значение клавира как концертного инструмента. Музыка Баха для скрипки, виолончели, флейты, гобоя, инструментального ансамбля, оркестра — сонаты, сюиты, партиты, концерты — знаменует значительное расширение выразительных и технических возможностей инструментов, обнаруживает глубокое знание инструментови универсализм в их трактовке. 6 Бранденбургских концертов для различных инструментальных составов, претворившие жанровыеи композиционные принципы concerto grosso, явились важным этапом на пути к классической симфонии.

При жизни Баха была опубликована небольшая часть его произведений. Подлинный масштаб гения Баха, оказавшего сильнейшее влияниена последующее развитие европейской музыкальной культуры, начал осознаваться лишь спустя полвека после его смерти. Среди первых ценителей — родоначальник баховедения И. Н. Форкель (опубликовал в 1802 очерк жизни и творчества Баха), К. Ф. Цельтер, чья деятельность по сохранению и пропаганде наследия Баха привела к исполнению «Страстей по Матфею» под управлением Ф. Мендельсонав 1829. Это исполнение, имевшее историческое значение, послужило импульсом к возрождению творчества Баха в 19–20 вв. В 1850в Лейпциге было образовано Баховское общество. Сочинения: Для солистов, хора и оркестра — Страсти по Иоанну (1724), Страсти по Матфею (1727 или 1729; окончательная редакция 1736), Магнификат (1723), Высокая месса (h-moll, около 1747–49; 1-я редакция 1733), 4 короткие мессы (1730-е гг.), оратории (Рождественская, Пасхальная, около 1735), кантаты (сохранилось около 200 духовных, свыше 20 светских); для оркестра — 6 Бранденбургских концертов (1711–20), 5 увертюр (сюит, 1721–30); концерты для инструментов с оркестром — для 1, 2,3, 4 клавиров, 2 для скрипки, для 2 скрипок; камерно-инструментальные ансамбли — 6 сонат для скрипки и клавира, 3 сонатыдля флейты и клавира, 3 сонаты для виолончели и клавира, трио-сонаты; для органа — 6 органных концертов (1708–17), прелюдиии фуги, фантазии и фуги, токкаты и фуги, пассакалья c-moll, хоральные прелюдии; для клавира — 6 английских сюит, 6 французскихсюит, 6 партит, Хорошо темперированный клавир (том 1 — 1722, том 2 — 1744), Итальянский концерт (1734), Гольдберг-вариации (1742); для скрипки — 3 сонаты, 3 партиты; 6 сюит для виолончели; духовные песни, арии; сочинения без указанияисполнительского состава — Музыкальное приношение (1747), Искусство фуги (1740–50) и др.

Клавирные концерты Баха — написанные композитором концерты для клавесина или клавикорда (в наше время часто исполняются на фортепиано), струнного оркестра и бассо континуо. Кроме того, известен его "Итальянский" концерт для клавира без оркестра, BWV 971. Концерты с оркестром включают девять концертов для одного клавира с оркестром, три концерта для двух клавиров с оркестром, два концерта для трёх клавиров с оркестром и один концерт для четырёх клавиров с оркестром на тему Вивальди, а также концерт для флейты, скрипки и клавира с оркестром BWV 1044. Концерты для одного — четырёх клавиров с оркестром включены в каталог Шмидера соответственно под номерами BWV 1052—1065.

Время создания клавирных концертов приблизительно датируется 30-ми годами XVIII века. С 1729 года Бах возглавлял Музыкальное студенческое общество (Collegium musicum) при Лейпцигском университете, участвуя в его концертах в качестве дирижера и солиста. Именно для этих выступлений и были созданы концерты для одного, двух, трех и четырех клавесинов с оркестром. Подавляющее большинство этих произведений — авторские переработки ранее написанных сочинений для других инструментов (судя по характеру и фактуре сольных партий, главным образом скрипичных концертов). Из оригинальных версий, созданных в Кётене около 1720 года, сохранились лишь немногие (сейчас с успехом исполняются «обратные» переложения ряда клавирных концертов, осуществленные с целью воссоздать их оригинальное звучание). Поэтому среди музыкальных критиков существуют мнения, что первоначальные варианты некоторых концертов принадлежат не Баху, а кому-то из его современников. Однако, за исключением концерта для четырех клавиров, представляющего собой обработку одного из концертов Вивальди, это предположение критики рассматривают как маловероятное. Содержание самой музыки клавирных концертов, характер тематизма, приемы развития, структурная планировка ярко и убедительно свидетельствуют о принадлежности их перу Баха. Еще одним подтверждением служит использование ряда частей концертов в качестве отдельных номеров в кантатах, куда Бах едва ли бы ввел фрагменты чужих инструментальных сочинений.[1]

Транскрипции концертов[править | править вики-текст]

Осуществляя транскрипции скрипичных концертов для клавира, Бах обычно ограничивался почти буквальным перенесением скрипичной партии в клавесинную с добавлением в левой руке басового сопровождения и тональной транспозицией произведения на тон ниже.