Билет №13 вопрос №2 Сюжеты и образы Нового Завета. Притчи Христа

У одного человека было два сына. Однажды младший попросил отца отдать причитающуюся ему долю наследства. Отец исполнил просьбу, и сын пошел в дальнюю страну. Там, живя беспечно и распутно, он вскоре промотал все свое имущество. Вскоре отвернулись от него и бывшие друзья. К несчастью, в стране начался голод, и, чтобы не умереть, сын вынужден был попроситься на любую работу. Ничего он делать не умел, а потому хозяин послал его пасти свиней. Но и это не спасло бедного юношу. Хозяин, у которого он работал, почти не кормил его. Радовался он даже пище из одного корыта с грязными свиньями. Часто теперь вспоминал он отца, раскаивался в поступках. Наконец, решил возвратится к нему и просить любую работу, лишь бы не умереть с голоду.

Узнал отец о возвращении блудного сына. Дрогнуло его сердце при виде голодного и обнищавшего сына. Сжалился над ним и велел слугам принести лучшую одежду и накормить. Другому сыну, возвратившемуся в это время с поля, он так объяснил свой поступок: «Сын мой был мертв и ожил; пропадал и нашелся».

Притча о блудном сыне послужила основой для создания многих произведений искусства. Нидерландский художник И. Босх написал картину «Блудный сын»(1500г.), Рембрандт «Возвращение блудного сына» (1669г.)

Александр Дейнека «Оборона Севастополя» (1942г)

А.Дейнека создал "Оборону Севастополя" (1942) – одну из самых сильных своих картин и одну из самых драматических работ всего советского искусства того времени – скорбную и величественную героическую эпопею о подвиге защитников Севастополя. В феврале 1942 года А. Дейнека вместе со своим другом художником Г. Нисским уехал в район боевых действий под Юхнов. Они мчались на попутных машинах, обгоняя боевую технику и маршевые роты, по земле, только что освобожденной от врага. Повсюду виднелись следы тяжелых сражений, глубокие траншеи, зияющие воронки от бомб и снарядов...

Работу над картиной художник начал в конце февраля 1942 года, а закончил ее к выставке "Великая Отечественная война", которая открылась осенью того же года. Сам он вспоминал впоследствии: "Моя картина и я в работе слились воедино. Этот период жизни выпал из моего сознания, он поглотился единым желанием написать картину."
А.Дейнека тогда отошел от документального воспроизведения батальных сцен и изобразил на полотне символическую схватку двух непримиримых сил - жизни и смерти, светлых сынов народа и темных вражеских полчищ.
...Рушатся здания. Черные клубы дыма уходят в небо. Охваченный огнем, пылает Севастополь. В смертельной схватке столкнулись советские моряки с фашистами. Идет жестокий рукопашный бой. Моряки преграждают путь врагу, и битва достигла уже своей кульминационной точки. Правое дело, за которое сражаются севастопольцы, особенно ярко символизирует фигура матроса на первом плане картины. Эта крупная фигура раненного бойца, бросающего связку гранат, - "нерв" всей картины - была найдена художником уже в первом беглом карандашном наброске.

На первом плане в полный рост, в стремительном движении изображен черноморец, бросающий связку гранат. В его позе, в том как он стоит на широко расставленных крепких ногах, в развороте его сильного торса, в крепко держащих связку гранат руках, в решительном лице - во всем чувствуется наивысшее напряжение сил, самоотверженность и готовность даже ценой собственной жизни остановить врага. Его фигура создает впечатление ураганной сокрушительности предстоящего удара. На фоне алого пламени пожарища, багрового неба контрастно выделяется его фигура в белой форменке.

Особое место моряка в композиции подчеркивается и тем, что именно с него начинается построение шеренги моряков, кроме того, эта фигура значительно крупнее остальных, она находится на первом плане, вокруг моряка мертвая зона с трупами фашистских солдат.
"Всем живописным строем, - писал Дейнека, - я стремился убедить зрителя в непобедимости таких людей, как моряк со связкой гранат, людей, готовых на самопожертвование во имя торжества нашего дела".

Дейнека показывает лишь небольшую группу врагов, которые рвутся к берегу, но мы ощущаем, что вслед за ними волна за волной надвигается новая лавина немецких войск. Этому способствует своеобразный композиционный прием, использованный художником: краем картины срезан ряд штыков, фигур немцев за ними не видно, но невольно чувствуешь их присутствие. Напряжение боя, ожесточенность схватки ощущается во всем: в композиции картины, развернутой по горизонтали, в резких ракурсах фигур, в колористическом строе, основанном на контрастных сопоставлениях; светлые фигуры моряков выступают на темном фоне, темные фигуры немцев на светлом фоне. И это не просто формальный прием, а образное воплощение замысла - столкновение двух враждебных сил.
Сюжетную динамику и напряженность картины дополняет и расширяет пейзажный фон. Сумрачная синева моря, освещенные призрачным светом руины домов, плиты набережной, красно-черное от зловещего пламени и дыма небо - все оттеняет накал смертельной рукопашной схватки.

Леонардо да Винчи «Мона Лиза» (1503-1505гг)

Леонардо да Винчи, гений Ренессанса, был не только одним из величайших художников, но и великим скульптором, музыкантом, архитектором, исследователем естествознания и талантливым изобретателем. Родился он в 1452 году, умер в 1519 году. Он один из светочей того блистательного периода европейской истории 15-16-го веков, которые дали миру величайших художников.

«Мона Лиза» считается самой известной картиной Леонардо. Мы можем видеть её в Париже, в Лувре. Полное название картины итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo — «Портрет госпожи Лизы Джокондо». По-итальянски ma donna значит «моя госпожа» (ср. англ. «миледи» и фр. «мадам»), в сокращённом варианте это выражение преобразовалось в monna или mona. Вторая часть имени модели, считающаяся фамилией её мужа — del Giocondo, по-итальянски также имеет прямое значение и переводится как «весёлый, играющий» и соответственно la Gioconda — «весёлая, играющая» (ср. с англ. joking).Впервые название «La Joconda» упоминается в 1525 году в списке наследства художника Салаи, наследника и ученика да Винчи, который оставил картину своим сёстрам в Милане. Надпись описывает её как портрет дамы по имени Ла Джоконда

Картина — всего лишь 30 дюймов в высоту, и Мона Лиза изображена сидящей на низком складном стуле; её тело повёрнуто влево, правая рука покоится на левом предплечье. Лицо обращено к зрителю слегка под углом, тогда как карие глаза смотрят прямо на вас.Каштановые волосы, разделённые на пробор посредине и гладко зачёсанные к вискам, ниспадают красивыми мягкими локонами на плечи. Прозрачная вуаль наброшена на голову и вьётся поверх плечей. Платье изначально зеленоватого цвета с глубоким вырезом оживлено более светлыми рукавами, которые когда-то, должно быть, были жёлтыми.На заднем плане — фантастический пейзаж с холмами и горами, тёплых и мягких тонов, над ним постепенно светлеющее небо. Две колонны по краям пейзажа закрывает нынешняя рама картины. В этом полотне прекрасны все детали, но внимание прежде всего захватывает лицо. Картину невозможно описать словами: чем дольше мы смотрим на неё, тем больше возрастает её воздействие на нас, и мы начинаем чувствовать то удивительное очарование, которое покоряло стольких людей на протяжении веков.

Известный итальянский архитектор и историк Вазари, живший в ту блестящую эпоху, так писал о «Моне Лизе»:«Леонардо согласился написать для Франческо дель Джокондо портрет Моны Лизы, его жены. Он писал его четыре года и затем оставил, не завершив. Сейчас этой картиной владеет французский король Франциск. Тот, кто хочет узнать, как близко искусство может подойти к природному оригиналу, должен внимательно рассмотреть эту прекрасную голову.Все детали её исполнены с величайшим усердием. Глаза имеют тот же блеск и так же увлажнены, как в жизни. Вокруг них мы видим слабые красновато-синие круги, а ресницы могли быть написаны только очень искусной кистью. Можно заметить, где брови шире, а где становятся тоньше, появляясь из пор кожи и закругляясь книзу. Всё настолько естественно, насколько это вообще можно изобразить. Маленькие, красиво вырезанные ноздри, розоватые и нежные, исполнены с величайшей правдивостью. Рот, уголки губ, где розовый оттенок переходит в естественный живой цвет лица, написаны так превосходно, что кажутся не нарисованными, а как бы живой плотью и кровью.Тому, кто внимательно смотрит на впадинку на шее, начинает казаться, что он вот-вот сможет увидеть биение пульса. Действительно, этот портрет написан так совершенно, что заставляет любого сложившегося художника, да и вообще любого, кто на него смотрит, трепетать от волнения.

И.И.Левитан «Вечерний звон» (1892г.)

Исаак Ильич Левитан родился 30 августа 1860 года в небольшом литовском городке Кибарты Ковенской губернии.
Отец его был мелким служащим, семья была большой и жила небогато. В начале 70-х годов Семья Левитана переезжает в Москву, затем скоропостижно скончалась мать Исаака, а спустя непродолжительное время умирает и отец.
В тринадцатилетнем возрасте Левитан поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В сентябре 1876 года Левитан обучается в пейзажной мастерской А. К. Саврасова, а позже его учителем становится В. Д. Поленов.
Благодаря своему таланту и трудолюбию Левитан отлично закончил училище, однако Совет училища отказал ему в присуждении Большой серебряной медали. После окончания училища Левитан принимал участие в передвижных выставках, его картины пользовались большим успехом.

С 1890 по 1895 год Левитаном написаны лучшие его произведения. Это картины "У омута", "Над вечным покоем", "Владимирка". Картину "Владимирка" Исаак Левитан преподнес в дар Третьяковской галерее.
Весной 1894 года художник приезжает в Тверскую губернию, здесь им были написаны такие полотна, как "Весна. Последний снег","Март", "Цветущие яблони", "Золотая осень", "Большая дорога. Осенний солнечный день". В 1898 году Исаак Левитан удостаиватся звания академика пейзажной живописи.

В "Вечернем звоне" соединились впечатления художника от двух монастырей: под Звенигородом и на Волге. Левитан не ставил своей задачей изобразить определённое место - картина передаёт состояние души, которое обретает человек, когда видит старинный монастырь и слышит перезвон колоколов, зовущих на вечернюю службу. Тогда время как будто останавливается, и на мир снисходят покой и тишина. Все тревоги и заботы кажутся мелкими при виде этого уголка земли, полного величавой кротости. Вечернее солнце окрашивает летний пейзаж в осенние, ржавые и красноватые тона. Неподвижна, как зеркало, гладь реки, в которой отражаются рыжие деревья и белые церковки. Прозрачное сияющее небо словно бы обнимает монастырь с двух сторон - одно наверху, другое внизу, в реке. От берега к монастырю движется маленький, кое-как сколоченный паром, на котором видны две фигуры в чёрных монашеских одеждах. Кажется, что паром движется в такт перезвону, и когда он пристанет к берегу, колокола умолкнут.   Икона Владимирской Богоматери (1131г.) Владимирская икона Божией Матери написана Евангелистом Лукой на доске от стола, за которым трапезовал Спаситель с Пречистой Матерью и праведным Иосифом. Божия Матерь, увидев этот образ, произнесла: "Отныне ублажат Меня все роды. Благодать Рождшегося от Меня и Моя с этой иконой да будет". В 1131 году икона была прислана на Русь из Константинополя святому князю Мстиславу († 1132, память 15 апреля) и была поставлена в Девичьем монастыре Вышгорода - древнего удельного города святой равноапостольной великой княгини Ольги. Сын Юрия Долгорукого святой Андрей Боголюбский в 1155 году принес икону во Владимир и поместил в воздвигнутом им знаменитом Успенском соборе. С того времени икона получила именование Владимирской. В 1395 году икону впервые принесли в Москву. Так благословением Божией Матери скрепились духовные узы Византии и Руси - через Киев, Владимир и Москву. Владимирской иконе Пресвятой Богородицы празднование бывает несколько раз в году (21 мая, 23 июня, 26 августа). Наиболее торжественное празднование совершается 26 августа, установленное в честь сретения Владимирской иконы при перенесении ее из Владимира в Москву. В 1395 году страшный завоеватель хан Тамерлан (Темир-Аксак) достиг пределов рязанских, взял город Елец и, направляясь к Москве, приблизился к берегам Дона. Великий князь Василий Димитриевич вышел с войском к Коломне и остановился на берегу Оки. Он молился святителям Московским и преподобному Сергию о избавлении Отечества и написал митрополиту Московскому, святителю Киприану (память 16 сентября), чтобы наступивший Успенский пост был посвящен усердным молитвам о помиловании и покаянию. Во Владимир, где находилась прославленная чудотворная икона, было послано духовенство. После литургии и молебна в праздник Успения Пресвятой Богородицы духовенство приняло икону и с крестным ходом понесло ее к Москве. Бесчисленное множество народа по обеим сторонам дороги, стоя на коленях, молило: "Матерь Божия, спаси землю Русскую!" В тот самый час, когда жители Москвы встречали икону на Кучковом поле, Тамерлан дремал в своем шатре. Вдруг он увидел во сне великую гору, с вершины которой к нему шли святители с золотыми жезлами, а над ними в лучезарном сиянии явилась Величавая Жена. Она повелела ему оставить пределы России. Проснувшись в трепете, Тамерлан спросил о значении видения. Знающие ответили, что сияющая Жена есть Матерь Божия, великая Защитница христиан. Тогда Тамерлан дал приказ полкам идти обратно. В память чудесного избавления Русской земли от Тамерлана на Кучковом поле, где была встречена икона, построили Сретенский монастырь, а на 26 августа было установлено всероссийское празднование в честь сретения Владимирской иконы Пресвятой Богородицы. Пред Владимирской иконой Матери Божией свершились важнейшие события русской церковной истории: избрание и поставление святителя Ионы - Предстоятеля Автокефальной Русской Церкви (1448 г.), святителя Иова - первого Патриарха Московского и всея Руси (1589 г.), Святейшего Патриарха Тихона (1917 г.). В день празднования в честь Владимирской иконы Божией Матери совершена интронизация Святейшего Патриарха Московского и всея Руси Пимена - 21 мая/3 июня 1971 г. Исторические дни 21 мая, 23 июня и 26 августа, связанные с этой святой иконой, стали памятными днями Русской Православной Церкви.   Федор Степанович Рокотов потрет Александры Петровны Струйской Александра Петровна Струйская, о портрете которой идет речь в замечательном стихотворении Николая Заболоцкого, была второй женой пензенского помещика Николая Струйского (друга и почитателя Рокотова), господина весьма странного. Страстный графоман, он сочинял стихи, над которыми потешались все, кому доводилось их слышать. Самого же автора это ничуть не смущало. чтобы публиковать свои творения, он даже организовал у себя в имении типографию, которая стала едва ли не лучшей в России. И в то же время сохранились свидетельства о необычайной жестокости просвещенного помещика, проводившего над своими крепостными судебные следствия с применением самых изощренных пыток и даже построившего в своих владениях тюрьму, где заключенных содержали в кандалах. В отношении его к жене заметна такая же двойственность. С одной стороны, известно множество стихов, ей посвященных: «Почтить твои красы, как смертный, я немею. Теряюсь я в тебе… Тобой я пламенею». Казалось бы, такие строки мог написать только страстно влюбленный человек, но есть и другие свидетельства — что на супругу он особого внимания не обращал, что обращался с ней порой как с крепостной девкой, и даже как-то проиграл ее в карты соседу-помещику. Кто знает, как все было на самом деле? Жила ли Александра Петровна в атмосфере красоты и покоя, окруженная заботой и вниманием, или же мучилась под властью супруга-тирана — этого нам узнать не дано. Известно только, что, хорошо или плохо, прожила она с мужем 24 года до внезапной его смерти, родила за это время восемнадцать детей — но выжили из них только две пары близнецов, остальные умерли в младенчестве. Мужа своего Александра Петровна пережила на 44 года, вырастила детей и многих внуков. Современники, даже те, кто Николая Струйского недолюбливал, отзывались о ней с неизменной симпатией и уважением, отмечая ее очарование, ум, доброту, любезные манеры и верность друзьям. Но всё это еще впереди. А пока юная девушка, глядящая на нас с портрета, ничего не знает о своем будущем. Ей всего 18 лет, она только что вышла замуж… Сохранилась легенда о любви Рокотова к Александре Петровне. Что ж, даже если художник и не был влюблен в свою модель, то совершенно явно относился к ней не так, как к обычной заказчице, иначе созданный им образ не получился бы столь пленительным и чарующим. Он как бы соткан из переливов цвета — настолько тонких, что колорит кажется монохромным, легчайших нюансов пепельно-серых, золотистых и розоватых тонов, создающих ощущение дымки, будто мы заглядываем в глубину туманного зеркала. Это ощущение усиливается за счет использования художником необычного приема — световая моделировка не совпадает с тем, как фигура расположена в пространстве. Так, Струйская написана в трехчетвертном повороте, ее лицо немного развернуто влево, но рассеянный свет, заливающий полотно, превращает его в изображение анфас. В результате лицо и фигура приобретают особую зыбкость, ирреальность. Создавая портрет Александры Петровны, Рокотов сознательно избегает дополнительных атрибутов, как это было модно в XVIII в., Струйская проста и естественна. Художник не вырисовывает подробно украшения, не старается точно выписать материал платья, но зато прекрасно передает душевную красоту, и чуткость, и изящество своей героини. «Портрет Струйской» — один из самых удивительных в истории русской живописи, один из самых реалистичных, и в то же время один из самых загадочных портретов. Уже много веков исследователи пытаются разгадать «полуулыбку, полуплач» этой русской Джоконды, и каждый неизменно видит в ней что-то свое — то затаенное страдание, то нежность, то удивление. Кажется, эта поразительная женщина меняет выражение лица при встрече с каждым новым зрителем.

«Золотая осень» В.Д. Поленов. (1893г.)

Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927гг.) – русский живописец, театральный художник, архитектор, музыкант.

Как мне хотелось бы показать Вам нашу Оку, - писал Поленов в 1914 году Константину Коровину. - Ведь мы с Вами первые открыли ее красоту и выбрали место для жительства». Многие годы жизни на берегу Оки не разочаровали художника в ее красотах. Поленов продолжал нежно любить эту природу и прежде всего за разлитую в ней гармонию. Он запечатлевает Оку в различные времена года, в различных ее состояниях, давая настоящую летопись ее жизни, полную поэзии и глубокой правды: «Ранний снег», «Летом на Оке», «Золотая осень», «Осень на Оке близ Тарусы».

«Золотая осень» Поленова - символ русской природы. Поленов сумел передать красоту осени, как никто другой в русском искусстве.

Широкая картина природы открывается глазам зрителя. Спокойно катит свои прозрачные голубые воды величавая река. Ее высокий берег переходит в слегка холмистую равнину, простирающуюся до самого горизонта. Холмы, обрисованные плавными, текучими линиями, постепенно сходят на нет и тонут в голубых далях. Только небольшая часть этой равнины попадает в поле зрения художника - холмы, деревья и река оказываются как бы случайно срезанными рамками кадра картины. Благодаря чему, зритель может мысленно продолжить изображение, представить себе весь вид в целом и ощутить бескрайность запечатленных художником приокских лугов.

Стоит заметить, что на данной картине запечатлен прием, который довольно характерен для Поленова – это организация пространства при помощи дуги. На данном полотне роль дуги исполняет дуга Оки, которая уравновешивает и завершает картину в целом. Осень являлось один из любимых времен года Поленова, а Ока – любимым местом

Пейзаж Поленова с его спокойным и широким разворотом пространства, обилием света, воздуха, плавными, текучими ритмами линий рельефа местности, уравновешенной композицией производит удивительно умиротворяющее впечатление. Оно гармонически сочетается с состоянием изображенной природы. Стоит прозрачная и ясная осень, слегка позолотившая берега Оки и смиренно блистающая своей «красою тихой» (Пушкин).

В.А. Тропинин портрет А.С. Пушкина (1827г)

Василий Андреевич Тропинин (1780—1857) — живописец-портретист, родился крепостным человеком гр. А. Маркова, впоследствии отпустившим его на волю. Девяти лет от роду был определен своим господином в воспитанники Императорской академии художеств, получил образование в ней под руководством Щукина и, окончив ее курс в 1804 г., поселился в Москве, где и трудился до конца своей жизни.

Пожалуй, самым известным портретом в творчестве В.А.Тропинина является портрет А.С.Пушкина, написанный в 1827 году. Портрет художнику заказал сам поэт, чтобы потом преподнести его, как сюрприз, своим друзьям.

Великий поэт изображен на нем в просторном домашнем халате, наброшенном на белую сорочку. Ворот сорочки распахнут, вокруг него небрежно перекинут черный шелковый шейный платок. Волосы несколько растрепаны. Именно так поэт садился за рабочий стол, таким он бывал, когда оставался наедине с друзьями.

Творца ничто не стесняет, ему ничего не мешает. Тропинин выполнил портрет в романтическом стиле: независимость суждений поэта он противопоставил официальной идеологии точно так же, как свободную домашнюю одежду противопоставил чопорному мундиру.

При этом сам Пушкин ничуть не приземлен, он прекрасен. Взгляд поэта, устремленный куда-то вдаль, сосредоточен и величав. Возможно, в эту самую минуту поэта озарило вдохновение. Кажется, ничто не сможет помешать его раздумьям. Благодаря горделивой посадке головы, величественной осанке домашняя одежда поэта на портрете напоминает торжественную античную тогу. Правая рука свободно лежит на листах рукописи, и любимый «мистический» перстень поэта украшает ее большой палец.

Портрет А.С.Пушкина кисти Тропинина удачно сочетает в себе живое ощущение натуры с возвышенностью. Цветовая гамма полотна сдержанная. На сероватом фоне хорошо выделяется лицо поэта, оттененное белизной поднятого ворота сорочки. Сдержан Тропинин и в изображении аксессуаров – помимо перстня да рукописи на столе, из символов поэзии больше нет ничего.

Портрет потрясает зрителя более всего не сходством с оригиналом, а внутренней силой и наполненностью, глубоким проникновением во внутренний мир поэта.