Марк Шагал (1887-1985)

Марк Шагал – один из лидеров мирового авангарда XX века, шедший в тоже время своим самобытным путем в искусстве; сумел органически соединить древние традиции иудейской культуры с остро современным новаторством. Художник родился под Витебском, в семье разносчика рыбы. Учился живописи сначала в России, а затем с целью изучения современного искусства в 1910 г. уехал в Париж.

Все творчество Шагала изначально автобиографично. Уже в ранних его картинах доминируют темы детства, семьи, смерти. Их отличает примитивная манера, в основном это зарисовки из жизни провинциальных еврейских городков.

В 1914 г. в Берлине была открыта персональная выставка художника («Я и деревня», «Над Витебском»). Полотна Шагала характеризуются насыщенной колористической гаммой, разнообразной символикой, смелыми деформациями, использованием приемов кубизма.

После Октябрьской революции Шагал занимается педагогической деятельностью. В этот период он работал комиссаром искусств в Витебске, организовал там Художественный музей и Народное художественное училище. В 20-х годах переехал в Москву, где оформил семь монументальных панно для Еврейского камерного театра. Спустя несколько лет Шагал эмигрировал в Германию, а затем во Францию. Работы этого периода отличаются соединениями фантастики и реальной действительности, фольклорных элементов и эмоциональных впечатлений. При взгляде на полотна Шагала создается ощущение движения изображенных предметов, они словно перемещаются в пространстве («Крестьянская жизнь», 1925, «Петух», 1929).

В 1955 г. началась работа над Библией Шагала – так называется огромный цикл живописных полотен, раскрывающий мир библейских персонажей в удивительно яркой, наивно-мудрой форме.

В 1964 г. по заказу президента Франции Шарля де Голля Шагалом был написан плафон (потолок) парижского оперного театра, а в 1966 г. – два панно для Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Мозаики, панно, росписи, витражи, выполненные Шагалом, радикально обновили язык современного монументального искусства, обогатив его мощным красочным лиризмом.

Абстракционизм.

Абстракционизм как направление в искусстве зародился в 1910-1913 годах одновременно в нескольких странах Европы. Объясняется это тем, что начало XX века было временем неслыханных экспериментов в изобразительном искусстве. Часть художников, способных и талантливых утратили интерес к реальным предметам, так как не находили в жизни вдохновляющих целей.

Абстракционизм или как его еще называют, беспредметное искусство основан на сознательном уходе от сюжетности и предметности в картинах. В центре внимания художников - абстракционистов тайны мировой жизни и человеческого познания.

Свои произведения абстракционисты выстраивали из таких элементов как линия, цветовое пятно и отвлеченная конфигурация.

Абстракционизм с самого начала развивался в двух направлениях. Первое – геометрическая абстракция, основанная на правильных, четко очерченных конфигурациях. В такой живописной манере работали например, русский художник Казимир Малевич, голландец Пит Мондриан и француз Роббер Делоне.

Вторая линия, по которой развивалось новое направление в изобразительном искусстве, - лирическая абстракция. За основу композиции при создании картины художники избирали свободно текущую форму, наполненную плывущими, пульсирующими и мерцающими цветами. Основателем этой ветви абстракционистского живописного искусства был русский художник Василий Кандинский.

Василий Кандинский (1866-1944), москвич родом, получил юридическое образование, но в 1896 г. уехал в Мюнхен, где увлекался творчеством Гогена, фовистов, народным лубком. В 1910 г. представил первую абстрактную акварель, лишенную привычных предметов и фигур. Спустя два года художник пишет книгу «О духовном в искусстве», в которой изложил концепцию нового направления – абстрактной живописи.

Кандинский утверждал, что в искусстве и творчестве – все субъективно, все зависит от «прозрений и откровений» художника. Искусство – дело его души. Кандинский полагал, что вибрация форм на картине отражает воздействие мистических, космических сил на творческое воображение художника.

В своих статьях он предложил оригинальную трактовку символики цветов. Черный, например, символ смерти, белый – цвет великого безмолвия, красный выражает беспокойство, мощь, мужскую зрелость, зеленый – цвет покоя и т.д. Горизонтальная линия воплощает пассивное начало, вертикаль –активное.

Картины Кандинского представляют собой красочные полотна, в которых бесформенные пятна интенсивного цвета в красивых сочетаниях пересекаются кривыми или извилистыми линиями, иногда напоминающими иероглифы.

С 1915-1921 г.г. Кандинский возвращается в Россию и активно занимается педагогической деятельностью. Продолжает работать в абстракционистской манере («Москва I», «Сумеречное», «Картина с остриями»).

А с 1921 по 1933 год преподает в Высшей школе строительства и художественного конструирования – Баухаузе в Германии. После прихода к власти нацистов (1933) Кандинский переселился во Францию, где и пребывал до конца жизни.

Основоположник «неопластицизма» (разновидности геометрического абстракционизма) Пит Мондриан (1872-1944), свои первые беспредметные композиции создал в Париже в 1911-1915 годах. Это «Яблоня в цвету», «Композиция с деревьями» и «Овальная композиция». Вертикальные и горизонтальные линии в них чередуются друг с другом, создают эффект дробного ритма. Колорит полотен состоит из розовых, оранжевых и ярко-голубых тонов.

В 1915г. Мондриан возвратился в Голландию и возглавил художественную группу «Де Стайл» («Стиль»). В 1920г. Мондриан опубликовал брошюру «Неопластицизм, в которой он изложил свое понимание задач и методов авангардистского искусства.

Живописная манера неопластицистов предельно ограничена. Она построена на противоположностях: горизонталь – вертикаль, плоскость – линия, цвет – нецвет, крупное – мелкое.

Свой творческий путь Мондриан закончил в США, где прожил с 1940 по 1944 год. К этому времени его живописная манера претерпела значительные изменения. Теперь в своих полотнах он стремился передать беспокойство и суетность жизни большого города («Буги-вуги на Бродвее»).

Казимир Малевич (1878-1935) – талантливый российский живописец, график, педагог и философ, основоположник супрематизма – нового вида в абстрактном изобразительном искусстве. К. Малевич родился в многодетной семье польских эмигрантов на Украине. Живописи учился сначала в Киеве, а затем в Строгановском училище в Москве. Первые сохранившиеся работы художника написаны в период между 1903 и 1908 годом. Выполнены они в импрессионистической манере («Бульвар», «Цветочница», «Автопортрет»).

В 1911 году на выставке объединения «Мир искусства» была выставлена картина Малевича «Черный квадрат на белом фоне, а двумя годами позже появился манифест Малевича «От кубизма к супрематизму». Художник ввел в абстрактное искусство новую разновидность – супрематизм (в переводе с латинского наивысший). Малевич определяет его как сочетание окрашенных простейших геометрических фигур (квадрат, круг, треугольник), а также «архитектоны» - наложенные на плоскость объемные формы.

Программное полотно Малевича «Черный квадрат», в нем он переходит к изображению только одной плоскости. «Вот черный четырехугольник, - писал Малевич, - простейшая форма. Но она зародыш всех возможностей. Из квадрата «вышли» круг и куб. Черное и белое – это свет и тьма. Это плоскость и бесконечность».

Футуризм.

Течение футуризм (от латинского футурум – будущее) сложилось в самом начале XX века – в 1909 году. Зародилось в Италии, но не имело ничего специфически национального. В 1908 года итальянский поэт Томмазо Маринетти опубликовал в Париже первый «Манифест футуристов», провозгласивший рождение нового творчества. В скором времени вокруг него сплотилась группа прогрессивных художников, в которую вошли Умберто Боччони, Карло Кара, Джакомо Балла, Джино Северини и Луиджи Руссоло.

Стремясь создать искусство будущего, футуристы отрицали традиционную культуру со всеми ее нравственными и художественными ценностями. Они провозгласили культ машинной цивилизации, больших городов, высоких скоростей, движения, силы и энергии.

Чтобы выразить множественность впечатлений в большом городе футуристы использовали многократные повторы мотивов, пересечения, сдвиги наплывы форм (Л. Руссоло «Восстание», Дж. Северини «Поезд красного креста»). Художник-футурист стремился поместить зрителя в центр картины для ощущения новой концепции движения и пространства. Объект изображения расчленялся на множество округлых, прямоугольных и прочих геометрических фигур, создающих иллюзию калейдоскопа. В итоге зритель смотрящий на полотно с большим трудом выделял всадника на красной лошади в картине «Эластичность» У. Боччони.

Более всего футуристы были увлечены передачей движения в городской среде: умноженные, как в кинокадрах, фазы движения автомобилей, мотоциклов, даже людей.

Футуристы стремились отобразить физические явления природы – звук, скорость, электричество, энергию; творческие поиски в этом направлении привели их к абстрактному искусству.

Неопределенность и ошибочность общей концепции футуризма привела к смешению жанров и уничтожению динамизма, экспрессии и силы в творчестве. Футуризм в чистом виде к 20-м годам XX века уже устарел, превратившись, в конечном счете, в беспредметную живопись.

Дадаизм.

Дадаизм (франц. dadaisme, от dada — деревянная лошадка; в переносном смысле — бессвязный детский лепет) Дадаизм как международное направление стал выражением морального, социального и политического протеста европейского искусства против безумия первой мировой войны. Оно зародилось в Цюрихе в среде анархиствующей интеллигенции, воспринявшей 1-ю мировую войну 1914-18 как развязывание в человеке извечных звериных инстинктов, а разум, мораль, эстетику — как их лицемерную маскировку. Подражая поведению цивилизованных государств в ходе кровавой бойни, дадаисты избрали своим оружием нигилизм. В целом сторонники движения пропагандировали альтернативное представление о сущности искусства. Многие художники порвали с кубизмом и дружно принялись населять свои работы всевозможными механизмами. Некоторые вообще оставили кисти и полностью переключились на новые художественные формы — конструкции, коллажи и фотомонтажи — или посвятили себя театру или кино.

Единоличное лидерство среди радикалов захватил Марсель Дюшан (Duchamp, Marcel, 1887-1968 гг.), который в 1913 г. прекратил писать, а в 1920-е оставил искусство. В 1913 г. он начал собирать первые попавшиеся предметы и либо составлять из них странные композиции, либо просто объявлять их произведениями искусства. Именно он ввёл в употребление термин ready-made — "реди-мейд" (англ. — "готовое изделие"), то есть взятое наобум изделие массового производства, выставленное в качестве произведения искусства. Корни его новаций следует, скорее всего, искать в коллажах парижских кубистов, которые уже использовали вещественные вставки типа газетных вырезок. Первые Р.-м. Дюшан выставил в Нью-Йорке в 1913 г. Наиболее скандально известными иэ его Р.-м. стали «Колесо от велосипеда» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), «Фонтан»(1917) — так был обозначен обычный писсуар. Своими Р.-м. Дюшан достиг (осознанно или нет) ряда целей. Как истинный дадаист он эпатировал завсегдатаев художественных салонов начала века. Он опроверг традиционный для искусства прошлых столетий принцип. Никакая живописная копия не может показать предмет лучше, чем он сам своим наличием. Поэтому проще выставить сам предмет в оригинале, чем стремиться изображать его. Этим вконец была разрушена граница между искусством и видимой действительностью, сведены на нет все эстетические принципы традиционного классического искусства. "Я швырнул им в лицо полку с писсуаром, и теперь они восхищаются их эстетическим совершенством", — писал он в 1962 г. "Реди-мейды" Дюшана зачастую ставили под вопрос существование самого понятия "вкус". Тем не менее, работы Дюшана оказали огромное влияние на такие течения в искусстве, как сюрреализм и, позднее, концептуализм. А спустя 50 лет дали толчок развитию нового художественного направления, который получил название поп-арт.

Сюрреализм.

Течение сюрреализм (т. е. искусство «сверхреальный», «сверхестественный») первоначально возник в литературе. Теоретическое обоснование основных принципов сюрреализма дали живший во Франции литератор Андре Бретон и немецкий художник Макс Эрнст. Сюрреалистическое направление в искусстве родилось как философия «потерянного поколения», чья молодость совпала с первой мировой войной.

В декабре 1924 года в Париже вышел первый номер журнала «Сюрреалистическая революция». В этом же году в Париже был опубликован «Первый манифест сюрреализма». Вскоре сюрреализм проник в живопись, скульптуру, театр и кино.

Теория сюрреализма строилась на философии интуитивизма Анри Бергсона. Он утверждал, что разум бессилен постигнуть сущность явления и лишь интуиция служит единственным средством познания истины.

Также сюрреалисты обращались к философии Вильгельма Дильтея, который особую роль в искусстве отводил фантазии и случайному.

Своим духовным отцом сюрреалисты считали Зигмунда Фрейда, а его учение о психоанализе оказало сильнейшее влияние на эстетику нового направления в искусстве.

Один из главнейших принципов своего творчества сюрреалисты назвали «правилом несоответствий», «соединением несоединимого», то есть сближением изображений и образов, совершенно чуждых друг другу, в совершенно чуждой им ситуации.

Художники в картинах и рисунках запечатлевали смутные, обрывочные изображения самых различных, то реальных, то воображаемых предметов, сливающихся воедино, продолжающих друг друга в самых неожиданных сопоставлениях.

Первыми сюрреалистами в живописи были Хоан Миро (подражание детскому рисунку, мир увиденный, как сквозь микроскоп), Макс Эрнст, Ив Танги позднее Рене Магритт.

В 30-е годы в среде сюрреалистов появляется художник, который воплотил в своем творчестве и расцвет, и конец этого направления. Это художник – Сальвадор Дали (1904-1989). Испанец по происхождению, он родился в каталонском городке Фигерасе в семье адвоката. В 17 лет поступил на учебу в Мадридскую академию художеств. С первых же шагов творчества юноша проявил себя как одаренный и способный ученик. Сальвадор Дали прекрасно разбирался в творческом наследии великих мыслителей прошлого – Платона, Монтеня, Вольтера, обладал самыми обширными знаниями в области культуры запада.

В 1929 году Сальвадор Дали приехал в Париж, где быстро сблизился с основателями сюрреализма Андре Бретоном и Луи Арагоном. Вскоре он становится центральной фигурой нового направления. Уже в первых работах Дали этого времени («Аккомодация желаний», «Озаренные наслаждения», «Мрачная игра») была сконцентрирована эстетическая программа сюрреализма. В начале 30-х годов формируется «параноико-критический метод» Дали. По мнению художника, паранойя, навязчиво повторяющийся образ – одно из расстройств человеческой психики, рождает необыкновенные сны и фантазии. Дали видел свою задачу в воплощении их на полотне с такой достоверностью, чтобы создалось ощущение их реального существования.

Картины Дали нуждаются в истолковании. Иногда художник стремится воссоздать спонтанность самого сна, а порой словно пересказывает почудившееся.

Огромный трагический дар Сальвадора Дали нашел свое отражение в его пожалуй, самой знаменитой картине «Предчувствие гражданской войны в Испании» (другое название «Мягкая конструкция с варенными бобами», 1936г.) На фоне необъятного грозового неба во всю его высоту и ширь предстает чудовищное до жути сцепление частей тела человека – рук, сжимающих в предсмертной агонии обрубок плечевой кости, диагонально перерезающей полотно. Опирается вся эта конструкция на небольшой шкаф-ящик – непременный атрибут многих картин Дали, обозначающий иллюзию устойчивой обыденности бытия. На земле разбросаны бобы, кусочки кожного покрова, окровавленные внутренности. По свидетельству современников Дали, это полотно обладало огромным антивоенным пафосом.

Потрясения начавшейся второй мировой войны вынудили художника эмигрировать в Америку. После окончания войны, в 1948 году, художник возвратился на родину. В этот период Дали увлекся католицизмом и создал ряд картин религиозно-мистической тематики («Тайная вечеря», 1955).

Широко известны работы Дали в области скульптуры, кинематорграфии, театра, прикладного искусства, графики, литературы.

Творчество Сальвадора Дали является одним из общечеловеческих символов культуры XX века.

Поп – арт.

Поп-арт (Pop Art сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство) – направление в искусстве, возникшее в конце 1950-х годов 20 века, использующее образы продуктов потребления.

Принято считать, что термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя в 1958 году, однако интерес, возникший к массовой культуре, и попытки сформировать на этой почве новое искусство являлись характерными особенностями лондонской «Независимой группы» (объединение молодых художников) еще с начала 50- х годов 20 века.
Первые «поп-артовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже – Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Не это ли делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»(1956 год). Казалось, что этот коллаж с известным бодибилдером Чарлзом Атласом и богемной девушкой в качестве новой семейной пары открывает дверь в новую эпоху. Комиксы и банка ветчины в изображенном интерьере заняли место живописи и скульптуры. С тех пор соединение фрагментов различной печатной продукции в одном произведении стало одним из главных приемов поп-арта.
Тем временем, в Америке публика впервые увидела работу, которая с тех пор станет самой узнаваемой во всем мире: сделанные Энди Уорхолом в технике шелкографии портрет Мэрилин Монро. Вскоре эту работу дополнили комиксы Лихтенштейна в формате масляной живописи, огромные виниловые гамбургеры и рожки мороженого Олденбурга и обнаженные тела Вессельмана.

Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски, мороженое, торты, манекены и.д. Некоторые громкие имена художников помогали сбывать товар. Так Энди Уорхол стал кумиром промышленников, поднявший изображение товаров до уровня икон. Для создания своих картин Уорхол использовал консервные банки бутылки кока-колы, потом и денежные купюры.

В 1963 г. в Нью-Йорке состоялась ретроспективная выставка работ известного американского поп-художника Р. Раушенберга. Входя в зал, зритель видел огромную «Белую картину» – полотно, покрытое белилами. Рядом висела «Черная картина» – измятые обрывки газет, заляпанные черной краской, и полотно под названием «Шарлин» – композиция из зеркальца, кусочков ткани и дерева, обрывков рубашки, расплющенного зонтика, почтовой открытки, литографий с картин старых мастеров и беспрерывно мигающей электролампы.

Было выставлено и знаменитое произведение художника под названием «Кровать» – натянутое на подрамник одеяло, покрытое потеками и брызгами краски. Раушенберг создал его, когда он, безвестный и бедный живописец, только мечтал о славе. Однажды не нашлось денег на покупку холста, и ему пришла в голову мысль натянуть на подрамник одеяло, прикрепить к нему подушку и покрыть их пятнами и брызгами красок, оказавшихся под рукой. Одеяло вместо холста – почему бы и нет?

Поп-искусство создавалось вне норм, образцов и традиций, любым способом и из любых материалов. Художник мог заимствовать мотивы и образы из рекламы, модного журнала, комиксов – банальные и безвкусные. Не думая, он «дополнял» живописное полотно разными предметами, приставленными, приклеенными или привешенными к нему (очки, деньги, окурки, костюм на вешалке, лестница-стремянка).

Критика была неоднозначна по отношению к новому искусства. Некоторые эксперты были столь оскорблены признанием «низкой культуры», что объявили поп-арт «не-искусством» и «анти-искусством». Однако в Лос-Анджелесе новое искусство особенно хорошо приняли: здесь отсутствовала серьезная художественная традиция, но было много молодых богатых жителей, страстно желавших коллекционировать современное искусство.
С помощью многочисленных галерей и музейных выставок поп-арт распространился по всей Европе и США. К 1965-году смысловое значение термина расширили, включив в него все аспекты городской массовой культуры: первое значение – для изобразительного искусства, второе, более широкое, – для определения культуры в целом, включая поп-музыку, поп-беллетристику и т.д.